FAVORITEN aus dem Bereich MUSIK-LIVE-DVDs/BLU-RAYs

20. U2: GO HOME - LIVE FROM SLANE CASTLE (2003) 

Anmerkung: „Tell me, tell me the story / The one about eternity […] / Wake up wake up dead man“ (aus dem Song „Wake Up Dead Man“, den die Band im Konzert dem Michael-Hutchence-Gedenksong „Stuck in a Moment You Can’t Get Out Of“ voranstellt) – beeindruckendes „Heimspiel“ der irischen Band, „filmed on 1st September 2001“. Der oft gewöhnungsbedürftige Pop-kulturelle „Pomp“ der „Pop“-Tour Ende der 90er, von der man sich in dem Mitschnitt „Popmart - Live from Mexico“ überzeugen konnte, war hier vorüber und U2 begeistern mit „relativ pur dargebotenen“ Klassikern wie etwa „New Year's Day“, „Sunday Bloody Sunday“ & „Where The Streets Have No Name“ sowie mit damaligen „new songs“ wie „Elevation“ oder „Beautiful Day“. Ein cooler und „intimer“ Moment ist aber vor allem eine Art Duett zwischen Bono & The Edge, bei dem die beiden „auf der langen Rampe, die von der Bühne weg zum Publikum führt“ „Staring at the Sun“ zum Besten geben, nur begleitet von The Edge’s Akustik-Gitarre – „It’s been a long hot summer / Let’s get undercover“ :-).

19. ROXY MUSIC: LIVE AT THE APOLLO (2002)

Anmerkung: „There’s a band playing on the radio / With a rhythm of rhyming guitars“ (aus dem Song „Oh Yeah!“) – gut, ich hatte mal das Glück, Bryan Ferry live zu erleben, das war Ende der 90er, glaube ich :-), aber Ferry unter der „Roxy-Music-Flagge“ live zu sehen wäre natürlich noch mal eine Steigerung gewesen. Obwohl: so „old“ wie Ferry & „das, was von der Originalbesetzung übriggeblieben ist“ hier in manchen Momenten rüberkommen werden die Rolling Stones wohl nie auf einer Bühne wirken :-). Aber dennoch blitzt bei diesem London-Konzert aus dem Jahr 2001 zuweilen Ferry’s berühmte „Exaltiertheit `on stage`“ auf, was Songs wie das geniale „Mother of Pearl“ (vom Album „Stranded“) oder das brillante „Both Ends Burning“ (aus dem vielleicht besten Roxy-Music-Album „Siren“) zu echten Erlebnissen macht. Schade ist, dass Ferry ausgerechnet bei „Avalon“ die Stimme „etwas im Stich zu lassen scheint“, was die Atmosphäre dieses „Ohrwurms“ ein wenig stört – „When you bossa nova, there’s no holding / But you have me dancing, out of nowhere / Avalon“.

18. DON HENLEY: LIVE INSIDE JOB (2000) 

Anmerkung: „And I can tell you my love for you will still be strong / After the boys of summer have gone“ (aus „The Boys of Summer“) – man kann Don Henley, bekanntlich ein „member“ der „enormously successful rock band“ The Eagles, nur zustimmen, wenn er damals, 2000, als sein durchaus gelungenes viertes Solo-Album „Inside Job“ veröffentlicht wurde, gemeint hat, dass es „the audience“ im Prinzip schätzt, wenn ein Künstler neues Material veröffentlicht, denn zwischen „The End of the Innocence“, das meines Erachtens zu den großen Alben der Musikgeschichte gezählt werden kann, zumindest zu „den 500 größten“ oder sowas :-), und eben „Inside Job“ waren 11 Jahre vergangen. Der Auftritt in der Fair Park Music Hall in Dallas, der mir z. B. besser gefällt als das Eagles-Reunion-Konzert „Hell Freezes Over“ aus 1994, bietet Henley-Classics wie „All She Wants to Do Is Dance“ oder „The Heart of the Matter“ genauso wie Eagles-Klassiker „like“ „Hotel California“ oder „Desperado“ – „You know the queen of hearts is always your best bet“.

17. BON JOVI:  LIVE AT MADISON SQUARE GARDEN (2009) 

Anmerkung: „I close my eyes and picture your hand in mine / I still hear your voice / It takes me back to that time“ (aus dem „great song“ „Whole Lot of Leavin‘“ vom „Lost Highway“-Album aus 2007) – ja, Sie haben völlig Recht :-), eigentlich müsste das legendäre London-Konzert der Band von 1995 im Wembley-Stadion hier „platziert“ sein, wo alle Musiker, allen voran Jon Bon Jovi, sozusagen noch „im vollen Saft“ stehen, aber: dieser Mitschnitt eines New-York-Konzerts im Rahmen der „Lost Highway World Tour“ bietet nicht nur „a truly epic career-spanning set of hits“, darunter „Keep the Faith“, „Livin‘ on a Prayer“ oder Jon Bon Jovi’s tollen „solo effort“ „Blaze of Glory“, sondern auch einige „echt schöne Momente“, so wie zum Beispiel jenen, in dem sich Jon Bon Jovi daran erinnert, wie er selbst in den frühen 80ern einst Konzerte von Elton John, Bruce Springsteen & David Bowie im „Garden“ besucht hat. Ein weiterer „echt schöner Moment“ ist auch, als JBJ erzählt, wie „er & Richie“ gemeinsam 1986 „in the basement right next to mama’s washing machine“ den späteren BJ-Super-Klassiker „Wanted Dead Or Alive“ geschrieben haben – „I’m a cowboy, on a steel horse I ride / I’m wanted dead or alive“ :-).

16. KATIE MELUA :  THE ARENA TOUR 2008 (2008) 

Anmerkung: „The piano keys / Are black and white / But they sound like a million colours in your mind“ (aus dem Song „Spider’s Web“) – seit ihrem grandiosen Album „The House“ von 2010 bin ich ein echter Melua-Fan, aber dieser Livemitschnitt von einem „Hollandkonzert `filmed in Rotterdam`“ ist davor entstanden und beinhaltet dementsprechend Songs aus Melua’s ersten drei Longplayern, wobei gleich der Konzert-Opener „Piece by Piece“ die weitgehend „melancholische Marschrichtung“ des „gesitteten Liederabends“ vorgibt. Zu den Highlights zählen aber sicherlich auch der „Reggea-artige“ Song „Ghost Town“, die Janis-Joplin-Coverversion „Kozmic Blues“, die aber auf Melua‘s Live-Album „Live at the O2-Arena“ (2009) noch ein wenig eindringlicher rüberkommt als hier, sowie, gerade auch aus „Filmfan-technischer Sicht“ :-), die Songs „Scary Films“ und „Mary Pickford“ – „Mary Pickford used to eat roses / Thought that they’d make her beautiful and they did / One supposes“.

15. PRINCE AND THE REVOLUTION: Live (2022)

Anmerkung: "My name is Prince and I've come to play with you!" (Prince zu Beginn des Konzerts im Carrier Dome in Syracuse, New York, das er mit "Let's Go Crazy" eröffnet) - dieser wahrlich grandiose Konzertmitschnitt vom März 1985 präsentiert Prince "at peak level" während der "Purple Rain"-Tour, und auch Prince selbst bezeichnete den Auftritt, bei dem man sogar sämtliche Tracks vom megaerfolgreichen "Purple Rain"-Album zu hören bekommt, als "one of his most powerful concerts". Die Highlights des Abends bilden die über 19-minütige(!) Version von "Purple Rain", die sozusagen den epischen Schluss-Akt darstellt, sowie der Song "The Beautiful Ones", bei dem Prince am "piano" sitzt. Ein Manko hingegen ist, ein wenig zumindest, die "poor version" meines "Purple Rain"-Album-Lieblingssongs "Take Me With U" - "I don't care where we go / I don't care what we do" :-).

14. MORRISSEY: 25:Live (2013)

Anmerkung: "I'm still alive!...I'm still alive!" (Morrissey in Richtung Publikum, als "You Have Killed Me" angestimmt wird) - ansprechendes Konzert vom 2. März 2013 des ehemaligen The Smiths-Frontmannes Morrissey "im kleinen Rahmen" in der Hollywood High School in Los Angeles. Am Vortag, beim Auftritt dieses "iconic & enigmatic performers" im L.A. Staples Center, hatten sich noch diverse "Celebrities" wie Patti Smith oder Patrick Dempsey die Klinke in die Hand gegeben. "Moz's" Publikum war schon "divers", bevor es diesen Begriff überhaupt gab, und nicht anders verhält es sich hier in der "High School", wo die Fans ihrem Idol so nahe kommen konnten, wie schon lange nicht mehr. Musikalisch vielleicht nicht ganz so stark wie "Who Put The `M` In Manchester?", aber dafür bietet die Setlist seltener gespieltes Material wie "Alma Matters", "Speedway" oder "Maladjusted" - "I want to start / From before the beginning".  

13. DEPECHE MODE: Touring the Angel - Live in Milan (2006)

Anmerkung: "[...] Words are very unnecessary / They can only do harm...Yeah, that's right!!" (das Publikum singt die "lyrics" von "Enjoy the Silence" allein und Dave Gahan "bestätigt" am Ende deren Korrektheit) - durchwegs guter Auftritt im Fila Forum "near Milan" von Martin Gore & Co, wobei Gahan, der die Hälfte des Konzerts mit nacktem Oberkörper absolviert :-), vor allem auch in stimmlicher Hoch-Form scheint. Die "schwarzen Flügel", die Gore, der von seinem Lead-Sänger am Ende als "The Man with the Wings" bezeichnet wird, den ganzen Abend über am Rücken trägt, hätte es aber vielleicht nicht unbedingt gebraucht :-). Meine persönlichen "Höhepunkte des Live-Abends" sind mein absoluter Depeche-Mode-Favorite "I Feel You" vom "Songs of Faith and Devotion"-Album sowie mein Lieblingssong vom berühmten "Violator"-Album "Policy of Truth", bei dem Gahan dem singenden Publikum wiederum die "Korrektheit der Lyrics" bestätigt - "Never again / Is what you swore / The time before...Yeah, that's right!!"

12. FALCO: Donauinsel Live (2009)

Anmerkung: "Vielen Dank! Vielen Dank! Wir sehen uns! Verlossts eichs drauf! Dankeschön! Ciao! [...] Grazie!" (Falco zum Publikum nach dem Schluss-Song "Helden von heute") - spätestens nach diesem Open-Air-Auftritt aus dem Juni 1993, der z. T. "nach Blitzeinschlag und im Starkregen" stattgefunden hat, hätte im Österreichischen Wörterbuch beim Begriff "Charisma" einfach "Falco" stehen müssen :-). Das ganze Konzert ist ein Beleg dafür, dass Falco so etwas wie "internationale Qualität" besaß und auch "Live" locker mit diversen US-"Musicians" oder britischen Musikstars mithalten konnte - "if they think they're better than him they're wrong". Höhepunkte: "Helden von heute", "Ganz Wien" und, natürlich, "Der Kommissar" - "Say don't turn around, oh oh oh / The Kommissar's in town, oh oh oh". 

11. BON JOVI: The Crush Tour  (2000)

Anmerkung: "What's it been? Four, five years since we've been here, right? It's been a long time. You've spent too much time with those boy bands. You got a men-band up here tonight, baby! Let's try again!" (Jon Bon Jovi in Richtung Publikum, da es bei "I'll Sleep When I'm Dead" zunächst nicht "richtig mitgeht") - ja, das waren noch Zeiten, als die Band noch halbwegs in der "Ur-Besetzung" mit Richie Sambora "on guitar" war. Das Konzert vor 50.000 Fans im Züricher Letzigrund-Stadion aus dem Jahr 2000 ist vollgepackt mit "Rock Anthems", die von der "massive crowd", in der sich "auffällig viele Frauen befinden" :-), lautstark mitgesungen werden. Absolute Highlights  dieses "great concert" sind die atemberaubende ausschließlich "Keyboard-unterstützte" Version des Bon-Jovi-Frühwerks "Runaway", eine eigentümlich mitreißende Version von "I'll Be There For You" sowie eine "einnehmende" Version des "Schmalz-Klassikers" "Bed of Roses" - "Sitting here wasted and wounded / At this old piano" :-).

10. U2: Zoo TV - Live from Sydney (2006)

Anmerkung: "Even Better Than The Real Thing" - quasi U2's Auseinandersetzung mit dem Medium Fernsehen, aber neben Songs von "Achtung Baby" & "Zooropa" gibt's auch diverse Klassiker vom "Joshua Tree"-Album. Konzert aus dem Jahr 1993. Höhepunkte: "The Fly" & "Mysterious Ways".

9. ROBBIE WILLIAMS: Live at Knebworth - 10th Anniversary Edition (2013)

Anmerkung: Sicherlich eines der größten und besten Konzerte aller Zeiten und gleichsam "Die hohe Schule des Entertainment". Konzert aus 2003. Höhepunkte: "Kids" & "Hot Fudge".

8. DIRE STRAITS: Alchemy Live (2010)

Anmerkung: Konzert aus 1983 und somit ohne die Hits vom "Brothers in Arms"-Album, aber Mark Knopfler & Co reißen das Hammersmith Odeon in London dennoch zu Begeisterungsstürmen hin. Höhepunkte: "Sultans of Swing" & das Saxophon-getriebene "Two Young Lovers".

7. THE POLICE: Certifiable - Live in Buenos Aires (2008)

Anmerkung: Mitreißende Live-Reunion einer legendären Band. Stewart Copeland's gute Laune beim Schlagzeugspielen ist ansteckend! Konzert aus 2007. Höhepunkte: "Don't Stand So Close To Me" & "King of Pain".

6. INXS: Live Baby Live (2003)

Anmerkung: Toller Wembley-Auftritt mit dem unvergessenen Michael Hutchence vor 72.000 Fans aus dem Jahr 1991 und mit so gut wie allen Hits aus "Kick" & "X". Höhepunkte: "Original Sin" aus der Vor-"Kick" & "X"-Zeit und "Suicide Blonde".

5. INXS: Live at Rockpalast (2010)

Anmerkung: Weit "intimer" und irgendwie sogar besser als der Wembley-Auftritt. INXS im Juni 1997 beim Loreley-Festival hoch über dem Rhein und nur wenige Monate vor Michael Hutchence's tragischem Tod. Höhepunkte: "Kick" & "Don't Lose Your Head".

4. MORRISSEY: Who Put The `M` In Manchester? (2004)

Anmerkung: Triumphale Rückkehr des Ex-Smiths-Frontmanns Morrissey in seine Heimatstadt Manchester. Gute Mischung aus Smiths-Klassikern und Material vom Soloalbum "You Are The Quarry". Konzert aus 2004. Höhepunkte: "The Headmaster Ritual" & "I Have Forgiven Jesus".

3. GENESIS: Live at Wembley Stadium (2003)

Anmerkung: Collins, Banks & Rutherford auf dem kommerziellen Höhepunkt. Konzertmitschnitt aus 1987 von der "Invisible Touch"-Tour. Höhepunkte: Die beiden Opener "Mama" & "Abacab".

2. RED HOT CHILI PEPPERS: Live at Slane Castle (2003)

Anmerkung: Pure Energie! Die Peppers heizen Tausenden von Iren ein. Sehenswert: Der ständig "leidend" dreinblickende John Frusciante sowie Flea's "Knochenmann-Bühnen-Outfit". Höhepunkte: "By The Way" & die Ramones-Coverversion "Havana Affair". 

1. GEORGE MICHAEL: Live in London (2009)

Anmerkung: George Michael's Live-Vermächtnis. Das Earls Court-Konzert vom August 2008 ist durch die phänomenale Bühne und aufgrund zahlreicher "Videoausschnitte" auch ein visuelles, fast schon "cineastisches" Erlebnis. Höhepunkte: Der Wham!-Klassiker "I'm Your Man" & "Spinning The Wheel". 

Meine persönlichen Favoriten (TV - Serie)

Aquarius (2015 - 2016)

The Avengers  (Mit Schirm, Charme und Melone; 1961 - 1969)

The Blacklist (2013 - 2023)

Boston Legal (2004 - 2008)

Breaking Bad (2008 - 2013)

The Bridge (Die Brücke [US-Version]; 2013 - 2014)

Californication (2007 - 2014)

Dexter (2006 - 2013)

House M.D. (Dr. House; 2004 - 2012)

Elementary (2012 - 2019)

Endeavour (Der junge Inspektor Morse; 2012 - 2023)

The Fall  (The Fall - Tod in Belfast; 2013 - 2016)

Fargo (2014 - Gegenwart)

The Following (2013 - 2015)

The Good Wife (2009 - 2016)

The Night Manager (2015; eigentlich nur wegen des "TV-Comebacks" von "Dr. House" Hugh Laurie!)

The Night Of (2016)

Hannibal (2013 - 2015)

Homeland (2011 - 2020)

House of Cards (2013 - 2018)

Life (2007 - 2009)

The Mentalist (2008 - 2015)

The Practice: The Final Season (2003 - 2004; mit James Spader als Alan Shore; Vorläufer zu Boston Legal)

Sherlock (2010 - 2017)

The Shield (2002 - 2008)

Six Feet Under (2001 - 2005)

True Blood (2008 - 2014)

True Detective (2014; 2016; 2019; 2024)

Twin Peaks (1990 - 1991; 2017)

The Wire (2002 - 2008)

Meine Lieblingsfilme 

Bringing Up Baby (1938; Leoparden küsst man nicht)

(Regie: Howard Hawks; Darsteller: Cary Grant, Katharine Hepburn)

Anmerkung: Die beste Screwball-Comedy aller Zeiten mit einem unschlagbaren Duo in den Hauptrollen. Cary Grant als erster Nerd der Filmgeschichte!

Rear Window (1954; Das Fenster zum Hof)

(Regie: Alfred Hitchcock; Darsteller: James Stewart, Grace Kelly)

Anmerkung: James Stewart und Grace Kelly gleichsam auf dem Höhepunkt ihres Könnens und Charismas. Nie wieder war Voyeurismus so reizvoll wie in diesem Hitchcock-Meisterwerk!

Vertigo (1958; Vertigo - Aus dem Reich der Toten)

(Regie: Alfred Hitchcock; Darsteller: James Stewart, Kim Novak)

Anmerkung: Hitchcock's düsterer Meilenstein des Kinos. Einer der faszinierendsten Filme, die je gedreht wurden!

North by Northwest (1959; Der unsichtbare Dritte)

(Regie: Alfred Hitchcock; Darsteller: Cary Grant, Eva Marie Saint)

Anmerkung: Der unterhaltsamste aller Hitchcock-Filme, der auch zu Cary Grant's Finest Moments gehört!

Che? (1972; Was?)

(Regie: Roman Polanski; Darsteller: Marcello Mastroianni, Sydne Rome)

Anmerkung: Ein bösartiges Meisterwerk, das als vermeintliche Komödie daherkommt. Der beste Film zum Thema "Die Frau als Sex-Objekt" - und das ausgerechnet von Polanski :-) ! 

Chinatown (1974)

(Regie: Roman Polanski; Darsteller: Jack Nicholson, Faye Dunaway)

Anmerkung: Eines der großen Meisterwerke der 70er-Jahre. Eine wahre Glanzleistung von allen Beteiligten!

The Missouri Breaks (1976; Duell am Missouri)

(Regie: Arthur Penn; Darsteller: Marlon Brando, Jack Nicholson)

Anmerkung: Arthur Penn's wunderbarer Spätwestern, der nicht nur ein Duell der Schauspiel-Giganten Brando und Nicholson bietet, sondern auch eine ganze Reihe amüsanter und lakonischer Momente!

Aliens (1986; Aliens - Die Rückkehr)

(Regie: James Cameron; Darsteller: Sigourney Weaver, Michael Biehn)

Anmerkung: Die wohl beste Fortsetzung der Filmgeschichte und darüber hinaus auch um Längen besser als Ridley Scott's langatmiger Teil 1 von 1979! Bei James Cameron geht's eben, wie gewohnt, so richtig zur Sache...

Drunken Master 2 (1994)

(Regie: Lau Ka Leung; Darsteller: Jackie Chan, Anita Mui)

Anmerkung: Jackie Chan als chinesischer Nationalheld Wong Fei Hung auf dem Höhepunkt seines Könnens! Mit einigen der besten Kampfszenen, die je auf Zelluloid gebannt wurden!

Pulp Fiction (1994)

(Regie: Quentin Tarantino; Darsteller: John Travolta, Samuel L. Jackson)

Anmerkung: Der zentrale Film der 90er! Tarantino's Opus Magnum und John Travolta's Comeback ist auch lange Jahre nach dem Hype ein absoluter Meilenstein geblieben!

What Lies Beneath (2000; Schatten der Wahrheit)

(Regie: Robert Zemeckis; Darsteller: Harrison Ford, Michelle Pfeiffer)

Anmerkung: Mit Robert Zemeckis' Meisterwerk des Spannungs- und Horror-Kinos hätte wohl auch Alfred Hitchcock seine pure Freude gehabt! Eine groß aufspielende Michelle Pfeiffer und Harrison Ford als Bösewicht!

Apocalypto (2006)

(Regie: Mel Gibson; Darsteller: Rudy Youngblood, Dalia Hernandez)

Anmerkung: Mel Gibson's beste Regie-Arbeit ist ein dunkler, reichlich wüster und blutiger Trip. Ureinwohner-Splatter-Orgie oder echtes Meisterwerk? Auf jeden Fall aber ein Film, den man so schnell nicht vergisst! 

Mission: Impossible - Fallout (2018)

(Regie: Christopher McQuarrie; Darsteller: Tom Cruise, Henry Cavill)

Anmerkung: Einfach "One of the Greatest Action-Films of All-Time" und endlich auch ein Tom Cruise-Film, den man ganz offiziell gut finden kann :-) !

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"Sixty Great Music-Albums"

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60. BY THE WAY – RED HOT CHILI PEPPERS (2002)

Anmerkung: „The world I love, the tears I drop / To be part of the wave, can’t stop / Ever wonder if it’s all for you? [...]“ (aus dem RHCP-Klassiker „Can’t Stop“, in dem es um den „Rock Star Life-Style“ geht, an den „man sich gewöhnt hat“ und nach dem man, wie in der ersten Text-Zeile angedeutet wird, „süchtig“ geworden ist: „Can’t stop, addicted to the shindig*“ *Rummel) – irgendwann gegen 2009 oder 2010 herum waren ich und einige andere uns „in etwas größerer Runde & in einem Restaurant irgendwo in der Süd-Steiermark“ :-) einig, dass uns die Red Hot Chili Peppers „ohne John Frusciante an der Gitarre nicht mehr interessieren“ :-), da Frusciante nach dem 28 Tracks umfassenden Doppelalbum „Stadium Arcadium“ (2006), das wahre Highlights wie „Dani California“ („Black bandana sweet Louisiana / Robbin‘ a bank in the state of Indiana“ usw.), der zu meinen persönlichen „Peppers-Favorites“ zählt, oder „Snow ((Hey Oh))“, „Slow Cheetah“ oder „Tell Me Baby“ („Tell me baby, what’s your story / Where you come from / And where you gonna go this time“ usw.), enthielt, zum zweiten Mal aus der Band ausgestiegen war und ein neues Peppers-Album mit einem neuen Gitarristen namens Josh Klinghoffer (ohnehin ein „langjähriger RHCP- & vor allem Frusciante-Vertrauter“), „in der Pipeline“ war, das dann letztendlich 2011 unter dem Titel „I’m with You“ veröffentlicht wurde.

Nun, diese „radikale Absage an eine Frusciante-Alternative bei den RHCP in der österreichischen Provinz“ :-) hat dann letztendlich dazu geführt, dass ich mir sowohl, allein schon wegen des tollen Covers von Damien Hirst :-), „I’m with You“ als auch in der Folge „The Getaway“ (2016) gekauft habe :-), also: beide Alben mit Klinghoffer, bevor ja Frusciante, zweifellos einer der besten „guitar players on this planet“, der durchaus auch ansprechende Solo-Alben wie zum Beispiel „To Record Only Water for Ten Days“ (2001) oder „Inside of Emptiness“ (2004) veröffentlicht hat, bekanntlich bei dem Longplayer „Unlimited Love“ (2022) zum zweiten Mal zu den Peppers zurückkehrte und wieder mit Anthony Kiedis, Flea & Chad Smith „Musik machte“ – das erste Mal hatte er die Band nach dem „breakthrough-album“ „Blood Sugar Sex Magik“ (1991) verlassen und fand dann, nach Jahren in der Versenkung und des Kampfes mit der Abhängigkeit von diversen illegalen Substanzen wie Heroin & Kokain, den Weg ins Bandgefüge für den RHCP-Post-„One Hot Minute“-Befreiungsschlag :-) „Californication“ zurück.

„Psychic spies from China / Try to steal your mind’s elation / Little girls from Sweden / Dream of silver screen quotations / And if you want these kind of dreams / It’s Californication“ (Copyright: der Song „Californication“ vom „album of the same name“) – aber, wie auch immer: „Unlimited Love“ aus `22 war, was man im Grunde auch nicht erwarten konnte, weit nicht so brillant wie das sehr erfolgreiche 99er-Album „Californication“ (Kiedis in seiner 2004 erschienenen Autobiografie „Scar Tissue“, die ich irgendwie zu meinen Lieblingsbüchern zähle, über den Erfolg von „Californication“: „[...] Beruflich gesehen hatten wir einen Lauf. Abgesehen von den Plattenverkäufen spielten wir auch hervorragend. Wir hatten herausgefunden, wie wir diesen neuen Songs Leben einhauchen konnten, Songs, die tiefer als je zuvor in unsere Seele vordrangen und ihre Qualen ausloteten“) oder wie dessen unmittelbarer Nachfolger „By the Way“ von 2002.

Auch „By the Way“, das vom legendären Rick Rubin produziert wurde, ist im Grunde nach dem bewährten „Modus Operandi“ der RHCP entstanden, denn die Band bunkerte sich sozusagen in einen Raum ein, spielte jeden Tag stundenlang und fand, wie’s Kiedis einmal so ähnlich ausgedrückt hat, „nach und nach in den `magischen Groove` sowie zu der Musik, zu den Riffs & zu den Rhythmen“, wobei Kiedis, der über die Jahre in gewisser Weise ein wesentlich besserer Sänger geworden ist [Kiedis in seiner Autobiografie über den Grund für seinen „gesanglichen Fortschritt“, der sich bereits auf dem gesamten Album „Californication“ und vor allem auch bei dem „Title-Track“ bemerkbar gemacht hatte: „Dass mir die Gesangspartie von `Californication` wenig Schwierigkeiten bereitete, lag unter anderem auch an den Unterrichtsstunden, die ich bei einem tollen Gesangslehrer namens Ron Anderson genommen hatte. Über die Jahre hinweg hatte ich es mit einer ganzen Reihe von Stimmtrainern versucht. Vor `Mother’s Milk`* hatte ich Unterricht bei einer verrückten weißhaarigen Österreicherin, die sich damit brüsten konnte, dass sie vor `Appetite for Destruction` mit Axl Rose gearbeitet hatte“ :-); *erschienen 1989], seinen Mitstreitern zuhörte und sich von ihrem Spiel für seine Songtexte inspirieren ließ.

Insgesamt ist „By the Way“ weniger „funky“ geraten als die Vorgänger-Alben, sondern kommt durchgängig eher „melodisch-melancholisch“ daher, wobei zahlreiche Songs, wenig überraschend, wie „eine musikalische Umsetzung“ jener Themen wirken, die Kiedis‘ eigene Biografie sowie generell die Biografien auch der anderen Bandmitglieder betreffen, nämlich „`Love, Addiction / Substance Abuse` und der `Rock-Star-Life-Style`“.

Der „Albumtitel-gebende Song“ „By the Way“ ist längst ein Peppers-Klassiker und eine echte Achterbahnfahrt mit den gewohnten „Rap-ähnlichen Elementen“ (Auszug: „Standing in line to see the show tonight / And there’s a light on, heavy glow / By the way, I tried to say / I’d be there, waiting for / Dani the girl is singing songs to me / Beneath the marquee, overload“), und es verwundert nicht, dass sich der Song auch als Live-Opener bei der zugehörigen Tour, so wie man sich etwa im Rahmen des großartigen RHCP-Konzertmitschnitts „Live at Slane Castle“ überzeugen kann, mehr als bewährte.

Ein weiterer „classic“ ist sicherlich „Universally Speaking“, in dem es anscheinend um eine „Beziehung mit/zu einer Prostituierten“ geht (Ausschnitt aus dem Chorus: „Come on, baby, `cause there’s no name for / Give it up and I got what I came for / Universally speaking“) und der es zusammen mit dem Song „By the Way“ auch auf das „Greatest Hits“-Album der Band von 2003 schaffte, welches das erste „seriöse“ „Greatest Hits“-Album der RHCP war, denn die „first compilation“ dieser Art wurde zurecht wunderbar selbstironisch mit „What Hits!?“ (1992) betitelt :-) und enthielt lediglich einen Song aus dem Erfolgsalbum „Blood Sugar Sex Magik“, nämlich das legendäre „Under the Bridge“, den man allerdings zu den „ganz großen Songs der Musikgeschichte“ zählen kann.

Zu den angesprochenen „Live-Ehren“ innerhalb der insgesamt 16 Tracks auf „By the Way“ kam auch das exzellente „Don’t Forget Me“, das ebenfalls „wie direkt aus Kiedis‘ Autobiografie entsprungen“ wirkt, denn es geht darin wiederum um „drug-addiction“ sowie um den Prozess des Überwindens dieser „addiction“ sowie um den „Wachstumsprozess“, der diesem Überwinden folgte (ein Ausschnitt: „[...] I’m the rainbow in your jail cell / All the memories of everything you’ve ever smelled / Not alone, I’ll be there, tell me when you want to go“). Kiedis selbst hat aber auch davon gesprochen, dass der Song von dem „Good and Bad and the In-Between“ handelt und von seinem „ideal of what God is“.

„Fly away on my zephyr / I feel it more than ever [...]“ – einer der besten Tracks auf dem Album und meines Erachtens einer der schönsten RHCP-Songs überhaupt und somit ein weiterer meiner Lieblings-Songs der Band :-) ist, „without a shadow of a doubt“ :-), „The Zephyr Song“, der auch als Single „released“ worden ist und in dem sich die Peppers an ein „beautiful girl“ wenden, das sozusagen „mit ihnen, `forever`, davonfliegen soll“ :-) (ein weiterer Auszug: „Did you meet your fortune teller / Get it off with no propeller / Do it up, it’s on with Stella / What a way to finally smell her“) – ein „melodic masterpiece“, das beispielsweise auch bei „Live from Slane Castle“ zu den „atmosphärischen Höhepunkten der Set-List“ zählt.

Das mitreißende „Can’t Sop“, aus dem weiter oben bereits zitiert wurde, hätte, aufgrund seiner tatsächlichen „funky qualities“, auch auf „Blood Sugar Sex Magik“ oder auf „Californication“ seinen Platz finden können und ist allein schon durch das „sich langsam `bis zum endgültigen Ausbruch von Frusciante’s Gitarrenspiel` steigernde Intro“ :-) ein „echter Killer von einem Song“, der sich zu wuchtigen Peppers-Klassikern wie dem legendären „Give it Away“ (von „Blood Sugar...“) oder „Get on Top“ oder „Purple Stain“ (beide vom „Californication“-Album) gesellt – „Can’t stop the spirits when they need you / This life is more than just a read-through“.

Zwei weitere „Anspiel-Tipps“ :-) sind die Songs „Midnight“ („Over the laws of light / Over the moon by midnight“ usw.) sowie das tiefgründige & melodische „Tear“ („This is my time, this is my tear / Comin‘ on strong Baudelaire / [...] All in all and I’m / Loving every rise and fall / The sun will make and I will take / Breath to be sure of this / In the end and then / All will be forgiven [...] / Say it now / Because you never know“), in dem sich zahlreiche „harmonies“ befinden und der einen irgendwie „overlooked song“ auf „By the Way“ darstellt, obwohl er tatsächlich „schön“ :-) ist.

Bei „Throw Away your Television“ (Ausschnitt: „Throw away your television / Time to make this clean decision / Master waits for its collision now / It’s a repeat / Of a story told / It’s a repeat / And it’s getting old“), der live seinerzeit ebenfalls „fix gesetzt“ war, präsentieren sich sämtliche „ein Instrument-spielende Peppers“ :-) in Höchstform, denn Flea liefert eine fantastische „Bass-Line“ & Chad Smith „coole Drums“ ab und auch John Frusciante präsentiert „eines seiner Meisterstücke“ auf „By the Way“. „Television“ meint hier, so sind sich die Peppers-Fans „so einigermaßen einig“ :-), nicht zwingend „das Fernsehen“, sondern steht für „negativity“ im Allgemeinen oder zumindest für „Dinge mit zweifelhaftem Einfluss“. Heutzutage könnten die RHCP den Song problemlos „Throw Away your Smartphone“ oder dergleichen taufen :-).

Elton John hat ja mal in seinem Song „A Word in Spanish“ (1988), übrigens einer meiner Lieblingssongs vom großen „Elton“ :-), gemeint: „And there’s a word in Spanish / I don’t understand / But I heard it in a film one time spoken by the leading man“ :-).

Nun, der für „By the Way“-Verhältnisse eher vergnüglich daherkommende Song „Cabron“ (spanischer Ausdruck für: „Arschloch, Scheißkerl“) erinnert einen dann tatsächlich an diverse Robert-Rodriguez-Filme wie „El Mariachi“ (1992) oder „Desperado“ (1995) :-) – „Cabron (4x) / I see you in the park / You’re always wearing Dodger blue / Mad-doggin me and anyone from any other crew / I am small but I am strong / I’ll get it on with you [...]“.

Der Track „On Mercury“ („Memories of everything of lemon trees on Mercury [...]“), der irgendwie ein „catchy tune“ ist :-), leitet schließlich das „foreplay“ zu dem ansprechenden Album-Finale mit „Minor Thing“, „Warm Tape“ & „Venice Queen“ ein.

Der vorletzte Song „Warm Tape“, ein sehr atmosphärischer und „almost dreamy“ Track, ist anscheinend ein „Love and Sex“-Song :-), der ansprechende Rap-Parts sowie ein großartiges Frusciante-Solo beinhaltet (Auszug: „Shadow my free form / A woman that I could keep warm / Quiver for me girl / Give me your head and shoulders / Give me your head and shoulders / Shot from the pages of love and glory / Sleeping next to you and I`m in your story [...]“).

Das über sechs Minuten lange „Venice Queen“ ist im Grunde ein noch besserer Schluss-Song als das berühmte „Road Trippin‘“ vom „Californication“-Album und zählte damals ebenso zu den absoluten Höhepunkten des Peppers-Live-Auftrittes „at Slane Castle“. Wie Kiedis in seiner Autobiografie „Scar Tissue“ beschreibt, war der Song als Hommage bzw. als „Liebeserklärung“ an seine an Krebs verstorbene Mentorin Gloria Scott gedacht, der er kurz vor ihrem Tod noch ein Treffen mit ihrem „Helden“ Neil Young, den sie stets auch als ihre „Höhere Macht“ :-) bezeichnete, organisiert hatte.

Der Text von „Venice Queen“, der ein Song ist, welcher im Grunde nach etwa 2:40 Minuten „völlig neu beginnt und ausgerichtet wird“, ist demensprechend auch geprägt von einer schmerzvollen Abschieds-Stimmung (Auszug*: „And now it’s time for you to go / You taught me most of what I know / Where would I be without you Glo / G-L-O-R-I-A / Is love my friend, my friend, my friend / In see you standig by the sea / The waves you made will always be / A kiss goodbye before you leave / G-L-O-R-I-A / Is love my friend, my friend, my friend“ *Lyrics wie in Kiedis‘ Autobiografie abgedruckt). 

Fazit: Der „Crossover-Meilenstein“ „Blood Sugar Sex Magik“ bleibt wohl für immer der „Liebling der `music-critics`“ :-) und „Californication“ war mit über 15 Millionen verkauften Einheiten wohl auch kommerziell schwer zu toppen, aber „By the Way“ reiht sich sicherlich nahtlos in die Riege der „iconic albums“ der Red Hot Chili Peppers ein.

59. GREEN – R.E.M. (1988)

Anmerkung: „Stand in the place where you live / Now face north / Think about direction, wonder why you haven’t before / [...] If you are confused, check with the sun / Carry a compass to help you along / Your feet are going to be on the ground / Your head is there to move you around“ (aus dem Klassiker „Stand“, einem Song, der damals „ziemlich optimistisch daherkam für R.E.M.-Verhältnisse“ und in dem es wohl, gemäß Michael Stipe, darum geht, „Entscheidungen zu treffen, statt sein Leben nur per `Autopiloten` einfach so geschehen zu lassen“) – ein Musik-Album, bei dem der „namenlose `hidden bonus-track`“, für den die Band also nicht mal mehr einen Titel finden konnte, zu den allerbesten Songs gehört, gibt es auch nicht alle Tage :-), aber jenes „unbetitelte `geflüsterte Gebet` über eine angeschlagene, gewissermaßen verwundete Welt“, das nach dem „offiziellen Schluss-Track“ von „Green“ noch aufgeboten wird, ist ein „perfect song“, der im Grunde wohl keinen Titel benötigt hat :-) und, wenn man so will, „ein Quantum an Trost“ :-) bietet und durch seine „gefühlvollen & hymnen-haften Qualitäten“ ein wenig wie eine „Vorstudie“ zu dem R.E.M.-Superhit „Everybody Hurts“ aus 1992 wirkt – „This world is big (This world is big) / And so awake (And so awake) / I stayed up late (I stayed up late) / To hear your voice / This light is here (This light is here) / To keep you warm (To keep you warm) / This song is here (This song is here) / To keep you strong“ (Copyright: „The untitled Hidden-Bonus-Track“ auf „Green“).

Nun, das Album von `88, das die Band zwischen Mai und Juli dieses besagten Jahres überwiegend in den „Ardent Studios“ in Memphis aufgenommen hat, bildete den „Übergang“ zwischen der „Murmur & Co“-Phase, also: zwischen den R.E.M. der vorangegangenen Studio-Alben, und den „durchaus kommerziellen, supererfolgreichen R.E.M.“ jener Jahre, in denen die Band, zumindest „for a time“, so etwas wie „eine der größten Bands, wenn nicht gar die größte Band auf dem Planeten“ :-) zu sein schien.

Die „Legende“ besagt, dass Michael Stipe’s „Vorgabe“ an seine drei Mitstreiter Berry-Buck-Mills war, zwecks „Wiederholungsgefahr“ keinerlei „R.E.M.-type-songs“ mehr zu schreiben, denn R.E.M. standen für „`minor-key` & `mid-tempo`“-Nummern, für „Semi-Folk-Rock-Balladen“ :-), und um das Songwriting zu „erneuern“, wurde man auf „Green“ sogar mit Akkordeons & Mandolinen konfrontiert :-), wobei die Mandoline ein Instrument war, das Gitarrist Peter Buck damals noch im „Still-Learning-Status“ beherrschte :-).

Zu einer Art „Paradigmenwechsel“ :-) kam es auch dadurch, dass Stipe bei den Aufnahmen zu „Green“ seine Texte bereits während des Arrangierens der Songs oder auch zu einem ganz frühen Zeitpunkt der Song-Entwicklung schrieb, zuvor hatte er diese „lyrics“ immer erst nach dem Einspielen der „Instrumental-Parts“ abgeliefert.

Wie auch immer: „Green“ ist vielleicht nicht ganz zur „kompletten `Reinvention` von R.E.M.“ geworden und einige „hartgesottene Fans der ersten Stunde“, „diehard fans“ :-), wenn man so will, waren „erschrocken“ darüber, dass die düsteren „It’s the End of the World As We Know It“-Prophezeiungen des Vorgänger-Albums „Document“ (1987) hier plötzlich mehrfach „durch Optimismus“ in großartigen Songs wie dem bereits weiter oben erwähnten „Stand“ oder in „Get Up“ („Sleep delays my life (Get up, get up) / Where does time go? (Get up, get up) / I don’t know / [...] Dreams, they complicate my life / Dreams, they complement my life“) „ersetzt“ worden sind.

Aber bereits der exzellente & nahezu „peppige“ :-) Opener „Pop Song 89“ („Hello, I saw you / I know you / I knew you / I think I can remember your name / [...] Should we talk about the weather? / Should we talk about the government?“), in dem es, so scheint es, um „conversation fears“ geht, ist irgendwie „light-hearted“ und er enthält textliche „references“ an den The-Doors-Klassiker „Hello, I Love You“ aus dem Jahr 1968, während Peter Buck bei diesem „deklarierten Pop-Song“ :-) mit seiner Gitarre offenbar alte Rolling-Stones- & The-Kinks-Riffs „reanimiert“ :-).

Alles in allem handelte es sich bei „Pop Song 89“, „Get Up“ & „Stand“ sicherlich um die drei „kommerziellsten Tracks“, die die Band bis dato abgeliefert hatte, und die „aufkommende Hit-Maschine“ :-) R.E.M. mit ihren „Losing My Religions“ :-) oder „Shiny Happy Peoples“ :-) ist eben darin schon deutlich zu spüren.

Das „anthemic“ „World Leader Pretend“ zählt zweifellohne zu den allerbesten Songs auf „Green“ und zeichnet das dunkle Porträt einer „psychotischen Isolation“ (Auszüge: „I sit at my table and wage war on myself / It seems like it’s all it’s all for nothing / [...] This is my world and / I am world leader pretend“), wobei das eingebaute „Mauer-Motiv“ („I raised the wall and I will be the one to knock it down“) „geborgt ist“ und einen „etwas sehr sehr eindeutig“ :-) an den Pink-Floyd-Multimillionen-Seller „The Wall“ (1979) erinnert, der aber thematisch bekanntlich ungleich „epischer“ im Rahmen eines „Doppel-Konzeptalbums“ ausholt :-).

Zwei weitere Highlights und regelrechte „juggernauts“ :-), die in den Folgejahren zu „R.E.M.-Live-Fix- & -Höhepunkten“ wurden, sind die Songs „Orange Crush“ & „Turn You Inside-Out“.

„Green“ wurde übrigens just an dem Tag im November `88 veröffentlicht, an dem George Bush Sr. ins Weiße Haus gewählt wurde, und „Orange Crush“ (Auszug: „I’ve got my spine, I’ve got my orange crush / (Collar me, don’t collar me) / I’ve got my spine, I’ve got my orange crush / (We are agents of the free) [...]“ usw.) ist ein politischer Song „full of fearful rage“ und setzt sich mit der „exzessiven chemischen Kriegsführung der USA im Vietnam-Krieg“ auseinander, wobei „Horror & Halluzination“ sozusagen nebeneinander stehen und es im letzten Teil dieses „Songs mit Verweisen auf den Einsatz des Neurotoxins `Agent Orange`“ zu einem für R.E.M. ungewöhnlichen „Effekt-Kino“ kommt, das man seinerzeit z. B. auch von Def-Leppard-Alben & von Songs wie „Gods of War“ (enthalten auf: „Hysteria“) kannte, denn plötzlich wird man in „Orange Crush“ mit den Geräuschen von Helikopter-Rotorblättern und marschierenden Söldnern sowie mit Kampf-Geräuschen konfrontiert.

Ein veritabler Rock-Song oder „ein losgelassenes bzw. von der Leine gelassenes Rock-Biest“ :-) ist dann der unmittelbar darauffolgende Track „Turn You Inside-Out“ („I could turn you inside-out / What I choose not to do / I could turn you inside-out / What I choose not to do / Given the choice / Given the heart / Given the tool / Given the word / Given the cheers [...]“), der sicherlich zum erweiterten Kreis meiner „R.E.M.-Favorites“ zählt und in dem es wohl um „abuse of power“ geht, wobei sich Fans der Band nie ganz einig darüber waren, ob es darin um Machtmissbrauch im Allgemeinen oder innerhalb einer „troubled relationship“ oder um eine kritische Auseinandersetzung mit der „Macht eines Performers über seine `audience`“ geht :-). „However“: „Turn You Inside-Out“, das in Ansätzen an das Meisterwerk „Finest Worksong“ vom „Document“-Album erinnert, ist musikalisch das perfekte Gegenmodell zu dem „unbeschwerten“ Opener „Pop Song 89“ und bei Live-Performances von „Turn...“ verwendete Stipe auf der Bühne damals ein Megafon, was den Song im Grunde noch intensiver rüberkommen ließ.

Der „offizielle Schluss-Track“ „I Remember California“, auf den also dann der besagte unbetitelte „Hidden Bonus-Track“ :-) folgt, ist von, wenn man’s so ausdrücken will, „dunklen Rangierungen“ geprägt und drückt auf gekonnte Weise eine „sich stetig steigernde Angst & Bedrohung“ aus – „I remember traffic jams / Motor boys and girls with tans / Nearly-was and almost-rans / I remember this / History is made / History is made to seem unfair [...] At the end of the continent / At the edge of the continent“ (Copyright: „I Remember California“).

Rund „ein Viertel“ der insgesamt 11 Songs auf „Green“ sind sozusagen „Tracks mit Mandolinen-Begleitung durch Peter Buck“ :-) und darin liegt auch der Umstand, der diesen Longplayer von einem „sehr guten, fast makellosen R.E.M.-Album“ zu einem „nur“ „guten R.E.M.-Album“ macht, denn „The Wrong Child“ & „Hairshirt“ haben mich „schon als Jugendlicher in den 1990s“ regelrecht „genervt“ :-) und mich eher zu folgendem Gedanken animiert: „Was könnte das von Anfang bis zum Ende für ein ausnahmslos `great music-album` sein, wenn da diese zwei `filler` nicht wären!“ :-). 

Regelrecht „beautiful“ hingegen und durchaus „ein weiteres Highlight“ auf „Green“ ist der „Mandolinen- & Sprechgesang-basierte“-Song :-) „You Are the Everything“ (diverse Auszüge: „Sometimes I feel like I can’t even sing (say, say, the light) / I’m very scared of this world, I’m very scared of me [...] / Everything is beautiful / And she is so beautiful (say, say, the light) / She is so young and old / I look at her and I see the beauty of the light of music (say, say, the light) / [...] And you’re drifting off to sleep with your teeth in your mouth / You are here with me / You are here with me / You have been here and you are everything“), den ich damals „rauf & runter gespielt“ :-) habe und in dem es anscheinend um „Erinnerungen an schöne Dinge & an angenehme Menschen im eigenen Leben“ geht.

58. NEW JERSEY – BON JOVI (1988)

Anmerkung: „Stick to your guns / Ain’t nobody gonna hurt you, baby / You can pull the trigger / But only if you have to / Aim from the heart / Some will love and some will / Curse you, baby / You can go to war / But only if you have to“ (aus dem Song „Stick to Your Guns“) – fast schon „full of suspense“ :-) ist ein Moment, wenn man den ersten Song auf einem „new album“ eines „solo-artist“ oder einer Band hört, das einem überaus erfolgreichen Album nachfolgt.

So ist der Song „Bad“ auf dem Album „Bad“ (1987) von Michael Jackson „a real hit“ und leitet eine „triumphale Rückkehr“ :-) des „King of Pop“ nach seinem Album „Thriller“ (1982) ein, während hingegen beispielsweise ein Song wie „Right Next Door to Hell“ von Guns N‘ Roses, der das „Appetite for Destruction“-Nachfolgealbum „Use Your Illusion I“ eröffnet, zumindest für mich persönlich etwas „gewöhnungsbedürftig“ klang, da die Songs auf „Appetite...“ irgendwie „klarere Strukturen“ aufwiesen. Der exzellente Opener „Women“ auf dem Def-Leppard-Album „Hysteria“ von 1987 stand, wie der Begriff „Opener“ ja bereits andeutet :-), ganz am Anfang eines im Grunde noch viel besseren Albums, als es der gelungene Longplayer „Pyromania“ (1983) war.

Nun, die Rock-Band Bon Jovi „from New Jersey“ :-) legte 1988 mit „New Jersey“ einen „Nachfolger“ zu ihrem Erfolgsalbum „Slippery When Wet“ (1986) vor, welches bekanntlich das seinerzeitige Quartett rund um Lead-Sänger Jon Bon Jovi mit Hymnen wie „Livin‘ on a Prayer“, „You Give Love a Bad Name“ & „Wanted Dead or Alive“ berühmt werden ließ, und die besagte „Spannung bezüglich des Opener“ :-) war natürlich groß, aber: Der „6-Minüter“ „Lay Your Hands on Me“ (Auszug: „Lay your hands on me (6x) / If you’re ready, I’m willing and able / Help me lay my cards out on the table / You’re mine and I’m yours for the taking / Right now the rules we made / Are meant for breaking“) hat die „big expectations“ durchaus erfüllt und gehört sicherlich seit damals zu den absoluten Bon-Jovi-Klassikern.

„Are you alive out there?!! ...Somebody get me a doctor!“ (Copyright: der Konzertmitschnitt „Bon Jovi – Live from London“, der einen Gig der Band im Wembley Stadium in London präsentiert; Jon Bon Jovi kündigt den Song „Bad Medicine“ an, der dann zusammen mit „Shout“ von den Isley Brothers in einer Art Medley präsentiert wird) – jener „satte, pompöse“ Sound, der zahlreiche Bon-Jovi-Songs prägt, ist dann auch bei „Bad Medicine“ zu finden („Your love is like bad medicine / Bad medicine is what I need / Shake it up, just like bad medicine / There ain’t no doctor that can / Cure my disease / Bad medicine“), den ich „since 1988“ :-) zu meinen Bon-Jovi-Favorites zähle und welchen ich überhaupt für „einen der besten Songs dieser Band“ halte :-).

Dass „New Jersey“ tendenziell „etwas kitschiger oder gar `schnulziger`“ :-) geraten ist als „Slippery...“, davon zeugt dann „Born to Be My Baby“ („You were born to be my baby / And baby, I was made to be / Your man / We got something to believe in / Even if we don’t know / Where we stand [...]“), der dennoch ein „great song“ ist und in einigen Passagen („Rainy night and we worked all day / We both got jobs `cause there’s / Bills to pay“) an die legendäre „working class romance“ von „Tommy & Gina“ aus „Livin‘ on a Prayer“ erinnert.

Der Song „Living in Sin“ („Baby, can you tell me / Just where we fit in / I call it love / They call it living in sin“), den Jon Bon Jovi gemäß „credits“ im Alleingang geschrieben hat :-), zählt mit Sicherheit zu den besten des „New Jersey“-Albums, aber besonders gelungen scheint hier auch die Live-Version zu sein, die von der Band 2008 im Rahmen der „Lost Highway World Tour“ im Madison Square Garden präsentiert worden ist, denn dort wurde „Living in Sin“, der mitunter davon handelt, dass keine „marriage license“ benötigt wird, quasi mit dem alten Dixie-Cups-Klassiker „Chapel of Love“ „verbunden“, soll heißen: „Chapel of Love“ („Goin‘ to the chapel and we’re / Gonna get married (2x) / Gee, I really love you and we’re / Gonna get married“ usw.) wird, aber nicht in der vollen Länge, sondern nur in Ausschnitten, als eine Art Epilog zu „Living in Sin“ präsentiert – die ganze Geschichte endet in diesem Fall also, entgegen dem Originalsong auf „New Jersey“, offenbar vor dem Traualtar :-).

Zu den BJ-„classics“ zählt zweifelsohne aber auch „Blood on Blood“ („I can still remember / When I was just a kid / When friends were friends forever / And what you said was what you did / [...] Blood on blood / One on one [...]“), der längste Song auf „New Jersey“, in dem es um „childhood memories & friendship“ geht, allerdings ist das „durchaus Springsteen-artige Epos“ für meinen Geschmack eine Spur zu sehr von einem (US-)Pathos getragen, wenngleich der Moment dann doch „ein durchaus schöner“ ist, als Jon Bon Jovi nach einem Richie-Sambora-Solo davon „erzählt“, was aus seinen beiden „childhood friends“ „Danny & Bobby“ und was aus ihm selbst geworden ist [„Now, Bobby, he’s an uptown lawyer / Danny, he’s a medicine man / Well, me, I’m just the singer / In a long haired rock `n` roll band“ :-)]. Aber insgesamt ist „Blood on Blood“ für europäische/österreichische Ohren dann halt doch etwas „too much“ :-).

Der wohl schlechteste Song auf „New Jersey“ folgt dann mit „Homebound Train“ („All the way back home / On that homebound train / I’m going down, down / Down, down, down / On that homebound train“), den ich bereits in den 1980s als einen „missglückten Versuch von Bon Jovi, einen richtigen Heavy-Metal-Song abzuliefern“ :-) empfunden habe, denn die angestrebte „musikalische Härte“ des Werks wirkt reichlich „aufgesetzt“ und auch die „mit Sexualität aufgeladenen `lyrics`“ :-), die irgendwie eine „sexual atmosphere“ verbreiten sollen, machen das Werk noch lange zu keinem Meisterwerk wie etwa „Whole Lotta Love“ (1969) von Led Zeppelin oder dergleichen :-). Wie auch immer: „Homebound Train“ bleibt irgendwie der „Tiefpunkt“ auf den „ganz guten Bon Jovi-Alben“, die von `86 („Slippery...“) bis 2000 („Crush“) zu datieren sind.

In den Reigen der „sehr guten Songs“ reiht sich hingegen wiederum das sehr eingängige „Wild Is the Wind“ ein („Wild, wild is the wind / That takes me away from you / Cold is the night without your love / To see me through“ usw.), in dem der besungene „Wind“ offenbar für „innere Kräfte“ steht, die der „main character“ als Entschuldigung dafür nimmt, sich „von seiner Liebsten zu entfernen“ [„Maybe a better man / Would live and die for you / [...] I gotta run, just like the wind... / I gotta ride, just like the wind...“ :-)].

Das „in Mono aufgenommene“ „Ride Cowboy Ride“ („Ride, cowboy, ride / Through the backdoor to heaven / To the other side / I wanna know the danger of a kiss at midnight“ usw.) besitzt eine Art Intro-Charakter für den Folgesong, und dieser ist eben „Stick to Your Guns“, aus dem ich bereits eingangs zitiert habe und der, obwohl von „battles“ und von „war“ die Rede ist („Well, you know that / I been through it / I got the scars that prove it / You fight hard / The battle is yours“) sowie von „erheblichem Widerstand“ („So you want to be the big time / Some people gonna drag you down“), auf eigentümliche Weise, musikalisch beabsichtigt oder nicht :-), etwas „Tröstliches & Versöhnliches“ besitzt, wobei hier anzumerken ist, dass das seinerzeitige „Songschreiber-Duo“ JBJ & Richie Sambora aka „Captain Kidd & King of Swing“, denn so lauteten die Spitznamen dieses Duos :-), sich bei „Stick...“ die „credits“ mit Holly Knight teilen, die auch Hits für Tina Turner („One of the Living“ / „The Best“  oder „Better Be Good To Me“) oder Pat Benatar („Love is a Battlefield“) geschrieben hat.

Den einstigen US-„Number One“-Hit „I’ll Be There for You“ („I’ll be there for you / These five words I swear to you / When you breath, I want to / Be the air for you“) mochte ich persönlich nie besonders, denn dieser „Hard-Rock-Schlager“ :-) ist mir dann doch ein „ein wenig zu simpel konzipierter Song“, in dem der „main character“ jemanden davon abhalten möchte, ihn zu verlassen, und einen „I’ll be there for you“-Schwur leistet :-).

Das „flotte/temporeiche“ „99 In the Shade“ (Auszug: „[...] And I’m feeling fine, it’s 99 in the shade / Oh, yeah / When the sun goes down / That’s when the street heats up / Señorita Margarita fills your / Empty cup / Tonight - she’ll make you feel alright [...]“) ist ein „Geheimfavorit“ von mir auf „New Jersey“ und zählt zu der Art von Songs, die man von Bon Jovi „leider nie live im Rahmen eines Live-Albums oder eines Konzertmitschnitts“ präsentiert bekommen hat. „99...“ macht Spaß und hätte eventuell auch auf „Slippery When Wet“ untergebracht werden können und Bon Jovi „referieren“ im Laufe von „99...“ sogar einmal auf „Livin` on a Prayer“ [„Somebody tells me even Tommy’s coming / Down tonight / If Gina says it’s alright“ :-)].

Einen tollen Abschluss-Song, der schon immer zu meinen Lieblingssongs auf „New Jersey“ gehört hat und von Jon Bon Jovi „with attitude“ gesungen wird & von Richie Sambora „with a lot of guitar-attitude“ begleitet wird :-), stellt das sehr amüsante „Love for Sale“ dar, bei dem die Hauptfigur zunächst, nach dem Aufwachen am Morgen, gleichsam „Opfer eines mysteriösen Briefes wird“ („Checked out my mail / There was this letter that read / It said: / Love for sale, love for sale“), was dann dazu führt, dass sich der „main character“, unter anderem mit der Hilfe von „Inspektor Columbo“ :-) („I called Lt. Columbo from my TV set [...]“), auf die Suche nach dem Absender begibt [„[...] I hope that she’s looking / Like a Penthouse Pet / Love for sale, love for sale :-)], doch dieser scheint im Endeffekt...die eigene Ehefrau zu sein :-) [„I guess I`ve learned my lesson / It was easy to see / My old lady she played this joke on me“ :-)].

Eine wahrlich ansprechende Neuinterpretation von „Love for Sale“ bot die Band dann im Rahmen eines Live-Abends in Atlantic City betitelt mit „This Left Feels Right Live“, denn da ist der Song, der dort den Opener bildete, mit einigen wirkungsvollen „Extras“ angereichert worden, so wie diesem „L-O-V-E“-Element, das „Jon“ :-) da singt: „Baby, L-O-V-E...love...L-O-V-E...love...L-O-V-E...love...L-O-V-E...love. I got my love for sale ([Richie Sambora singt mit Akustik-Gitarre & sitzend] I got my love for sale)“.

Nun, „New Jersey“ stellte insgesamt mit Sicherheit einen würdigen „Slippery When Wet“-Nachfolger dar, der aber, hätte man den Stil in den 90s weitergeführt, eventuell zu einer „musikalischen Sackgasse“ geworden wäre, aber: Mit dem großartigen Album „Keep the Faith“ von 1992 (siehe Platz 12 meiner „Great Music-Albums“) hat die Band dann glücklicherweise „die Überfuhr in die 90er“ nicht verpasst.

57. VAN HALEN – VAN HALEN (1978)

Anmerkung: „I’m your ice cream man / Stop me when I’m passin‘ by / I’m your ice cream man / Stop me when I’m passin‘ by / They say all my flavors are guaranteed to satisfy“ (aus „Ice Cream Man“, der zu den „am subtilsten gesungenen & dargebotenen“ sowie zu den unterhaltsamsten & abwechslungsreichsten Songs auf „Van Halen“ gehört) – das populärste aller Alben der US-Hard-Rock-Band Van Halen ist sicherlich der im Jänner 1984 veröffentlichte Longplayer „1984“, der, genauso wie im Übrigen das Van-Halen-Debüt-Album, um das es hier primär geht, in den USA zum „10x Platinum Smash“ :-) geriet und veritable Hits wie das legendäre „Keyboard-getriebene“ „Jump“ („Ah, might as well jump (jump) / Might as well jump / Go ahead and jump (jump) / Go ahead and jump / Hello, hey you / Who said that? / Baby, how you been? [...]“), einen Song, der zum weltweiten Top-Ten-Hit und beispielsweise in England auch zum Chart-Topper avancierte, oder auch das ungleich „rockigere“ „Panama“ („Jump back / What’s that sound? / Here she comes, full blast and top down / Hot shoe, burning down the avenue / [...] Panama (4x)“) und das nahezu brillante „I’ll Wait“ („[...] Are you for real, it’s so hard to tell / From just a magazine / Yeah, you just smile and the picture sells / Look what that does to me / I’ll wait `til your love comes down / I’m coming straight for your heart [...]“) enthält, die beides absolute Van-Halen-Lieblingssongs meinerseits darstellen.

Nun, das Debüt von `78 wird „nowadays“ für gewöhnlich zu den „besten Debüt-Alben der Rock-Musik“ gezählt, besitzt aber im Grunde nicht so eine „legendäre Aura“, die den Debüt-LPs von „Rock-Monstern“ :-) wie Led Zeppelin (1969: „Led Zeppelin“) oder Guns N‘ Roses (1987: „Appetite for Destruction“) zugestanden wird, die gleichsam auch für „Einschnitte in der Rock-Geschichte“ stehen.

„Van Halen“ war aber einerseits die Geburtsstunde eines wahren „guitar hero“, den viele vielleicht nur durch sein Gitarren-Solo innerhalb des Michael-Jackson-Klassikers „Beat It“ (1982) kennen, nämlich von Eddie Van Halen (1955 – 2020), welcher nicht nur, wie ein Mark Knopfler oder ein Eric Clapton, über einen unverwechselbaren Gitarren-Sound verfügte, sondern eben auch „neu definierte, was auf `six strings` möglich ist“ :-), und andererseits auch die „hour of birth“ :-) eines charismatischen & „good looking“ Frontmanns, nämlich von David Lee Roth, der seine „zweifellos vorhandenen stimmlichen Defizite“ :-) auf den Platten durch eine Menge „Attitude & Style“ sowie auf der Bühne bekanntlich durch erstaunliche „Gelenkigkeit & Akrobatik“ :-) wettmachte.

Ich selbst war durchaus auch jemand, der David Lee Roth’s Solo-Karriere nach seinem Rauswurf bei Van Halen „after the“ „1984“-Album im Jahr 1985 „zu einem Großteil recht angetan verfolgte“ :-) und ich führe mir auch heute noch beispielsweise, ab & an, seine Solo-EP „Crazy From the Heat“ (1985) oder DLR-Solo-Songs wie das wunderbare „Yankee Rose“ („Show me your bright lights / And your city lights, all right / I’m talkin` `bout the Yankee Rose / [...] I’m in love with the Yankee Rose“) oder das unsagbar coole „Ladies‘ Nite in Buffalo?“ [„Jazz it up or play it slow / It’s still the only song I know / It’s 2 a. m. and traffic’s slow / Another ladies‘ night in Buffalo“ :-)] aus dem „Eat `Em and Smile“-Album (1986) zu Gemüte, wobei eben diese „David Lee Roth `Solo-Efforts`“ zum Teil, genauso wie einige Van-Halen-Alben, unter Songs „leiden“, die von einem „dahingehudelten & uninspirierten Sprechgesang“ :-) geprägt sind.

Aber „back to“ „Van Halen“ von 1978. Die Tracks sind allesamt, absolut Van-Halen-typisch, eher kurz, ganz und gar nicht „epic“, soll heißen: VH präsentieren einem keine „Stairway to Heavens“ oder „Kashmirs“ oder „Paradise Cities“ oder „November Rains“ oder Sonstiges :-). Nachdem man sich bereits beim „Opener“ „Runnin‘ With the Devil“, einem absoluten Klassiker der Band („Ah-yeah / (Runnin‘ with the Devil) / Oh God, oh God, I’m runnin‘, oh yeah“), von Eddie Van Halen’s „jaw-dropping technique“ überzeugt hat, folgt mit dem Gitarrensolo „Eruption“ ein „instrumental“, das mit Sicherheit „one of the greatest guitar solos of all time“ darstellt, welches dabei half, das sogenannte „Two Handed Tapping“ populär zu machen.

Die Kinks-Coverversion „You Really Got Me“ geriet Van Halen seinerzeit zum populären Radio-Hit, aber ein viel besserer Track ist dann das darauffolgende „Van Halen original“ „Ain’t Talkin‘ `Bout Love“ (Auszug: „You know you’re semi-good lookin` / And on the streets again / Oh yeah, you think you’re really cookin‘ baby / [...] Ain’t talkin‘ `bout love / My love is rotten to the core [...]“), der wohl ein „Anti-Love-Song“ ist, während hingegen das ebenso klassische und ebenso wie „Ain’t Talking...“ „Best-of-Album“-erprobte „One-Night-Stand“-Epos :-) „Jamie’s Cryin‘“ (Auszug: „Now Jamie’s been in love before / And she knows what love is for / It should mean a little, a little more / Than one night stands / [...] Oh, oh, oh, Jamie’s cryin‘“) mit Sicherheit zu den besten Van-Halen-Songs überhaupt gehört.

Nach dem „hingehudelten“ „Atomic Punk“, der einen eher an einige dieser bereits von mir erwähnten David Lee Roth aka „Diamond Dave“-Solo-Songs erinnert :-), wird man in „Feel Your Love Tonight“ wieder mit „great guitar work“ konfrontiert, wobei aber nicht nur Eddie Van Halen seine später, in der rot gefärbten Variante, ikonisch gewordene „Frankenstrat“ (eine Verbindung der Wörter „Frankenstein“ & „Stratocaster“) „zu vollem Einsatz bringt“ :-), sondern auch die Lead- & Background-Vocals auffallend „harmonisch“ daherkommen – „I can’t wait to feel your love tonight (I can’t wait to feel your love tonight) / I can’t wait to feel your love tonight (I can’t wait, I can’t wait) woo!“ :-).

Das weiter oben zitierte „Ice Cream Man“, das von „Diamond Dave“ mit einer unnachahmlich lässigen „seductive attitude“ gesungen wird :-), ist mein persönlicher Favorit auf dem Album, das letztendlich mit „On Fire“ ausklingt, bei dem sowohl Eddie Van Halen, Michael Anthony (Bass) & Alex Van Halen (Drums) als auch David Lee Roth nochmals „full power“ geben.

„Woo baba shooby do wa“ (Copyright: der Song „I’m the One“, der auf „Van Halen“ zwischen „Aint Talkin` `Bout Love“ & „Jamie’s Cryin‘“ „eingeklemmt“ ist) – nun, die Jahre zwischen dem Debütalbum & „1984“, also: zwischen den beiden „Megasellern“ :-), waren „kommerziell gesehen“ nicht unbedingt die befriedigendsten für Van Halen, allerdings waren auch „rein künstlerisch betrachtet“, lässt man vielleicht mal „the album“ „Van Halen II“ (1979) mit Songs wie „Dance the Night Away“ & „Beautiful Girls“ beiseite, diese besagten Post-„Van Halen I“- & Vor-„1984“-Jahre nicht unbedingt die allerbesten, denn: Obwohl die Band einen, wie bereits angedeutet, niemals mit „7- bis 10-Minütern“ belästigt hat :-), so finden sich auf Longplayer wie „Women and Children First“ (1980), „Fair Warning“ (1981) & „Diver Down“ (1982) doch allzu viele Songs, die „nur kurz angedacht sind“, die, um konkreter zu werden, „genau dann enden, wenn sie anfangen, interessant zu werden oder das jeweilige Gitarrenriff gerade erst begonnen hat, einen in den Bann zu ziehen“, so wie das etwa bei dem an sich ja fantastischen Ray-Davies-Cover „Where Have All the Good Times Gone!“ (zu finden auf: „Diver Down“) der Fall ist, das ich aber trotzdem irgendwie „zu meinen VH-Favorites“ zählen muss :-).

Natürlich bietet auch die Van-Halen-Ära mit Sammy Hagar als Lead-Sänger so einige Highlights, so wie zum Beispiel das wunderschöne „Why Can’t This Be Love“ aus 1986 („It’s got what it takes / So, tell me why can’t this be love? / Straight from my heart / Oh, tell me why can’t this be love?“) „from the album“ „5150“ oder das wuchtige „Poundcake“ [„I still love my baby’s poundcake / [...] Let me get on some of that / Uh-huh, uh-hu, ho / Uh-huh, uh-hu, ho / I want some of that“ :-)] „from the album“ „For Unlawful Carnal Knowledge“ (1991), aber mir ist da, obwohl Hagar ganz eindeutig der bessere Sänger ist :-), der charismatischere, extrovertiertere David Lee Roth lieber. 

Ach, übrigens: „A Different Kind of Truth“, das große Reunion-Album von 2012, bei dem man Van Halen nochmals annähernd (ohne Bassist Michael Anthony, der die Band 2005 endgültig verlassen hatte) in der Originalbesetzung mit David Lee Roth am Mikro erleben konnte, habe ich seinerzeit eher als „disappointment“ empfunden, aber wie das so oft ist mit diversen Longplayer, die einen nicht sofort „catchen“: Vielleicht gibt es da doch eine „different kind of truth“ und es bedarf halt lediglich einer „Neuentdeckung“.

56. YOUR ARSENAL – MORRISSEY (1992)

Anmerkung: „Tomorrow / Will it really come? / And if it does come / Will I still be human?“ (aus „Tomorrow“, dem „truly excellent“ letzten Song des Albums) – da, wie aus meinen „great music albums“ herauszulesen ist :-), ich „You Are the Quarry“ (siehe Platz 3) für das beste Morrissey-Album halte, stellt sich klarerweise die Frage nach dem „2nd-best-Morrissey-album“ :-), und dieses ist, „from my point of view“, „Your Arsenal“, denn dieser Morrissey-Longplayer aus dem Jahr 1992 erscheint mir „rockiger“ & „ungleich spannender“ als das erfolgreiche „Vauxhall and I“ (1994), das neben `Moz`-Klassikern wie „Now My Heart Is Full“ & dem einstigen UK-Top-10-Hit „The More You Ignore Me, the Closer I Get“ (Auszug: „The more you ignore me, the closer I get / You’re wasting your time“ (2x) / I will be in the bar with my head on the bar / I am now a central part of your mind’s landscape / Wheter you care or do not [...]“) aber auch „boring stuff“ zu bieten hat bzw. nicht jene Gitarren-getriebene „raw power“ besitzt, über die einige Songs auf „Your Arsenal“ verfügen.

Und auch Morrissey`s „successful“ Solo-Debüt, „Viva Hate“ (1988), welches nicht sonderlich lange nach der Auflösung der Smiths (im Jahr 1987) auf den Markt gekommen ist und das mit dem apokalyptischen & von „Atomkriegs-Ängsten“ getriebenen „Everyday Is Like Sunday“ („[...] This is the coastal town / That they forgot to close down / Armageddon, come Armageddon / Come, Armageddon, come / Everyday is like Sunday / Everyday is silent and grey“) einen meiner absoluten Lieblingssongs innerhalb der „music history“ :-) enthält, kann nicht ganz mit „Your Arsenal“, auf dem Morrissey endgültig die Wandlung vom „brillanten Texter“ hin zum „brillanten Texter und guten Sänger“ :-) vollzogen hat, mithalten.

Nun, ich selbst habe im Grunde „lyrics“ aus zahlreichen „Your Arsenal“-Songs für mein Buch „Some More Movies To Be Murdered By Vol. 2“ verwendet, weil Morrissey-Songs (sowie auch The-Smiths-Songs) ganz generell „tiefe Wahrheiten über alles Mögliche & vor allem über `human relationships`“ :-) enthalten.

Der Opener „You’re Gonna Need Someone On Your Side“, der, obwohl er irgendwie „funny“ & „simple“ ist, zu den besten Album-Opener des Sängers gehört, präsentiert gleich „einen völlig anderen Morrissey“ :-) als auf dem eher schwachen & insgesamt wenig Eindruck hinterlassenden Vorgängeralbum „Kill Uncle“ (1991), welches ich mir „genau einmal, und das unmittelbar, nachdem ich es mir gekauft habe“ :-), angehört habe, denn die „e-guitars“ (von Boz Boorer & Alain Whyte) erzeugen fast ein „Surf Rock“- bzw. „Surfertune“-Feeling (Auszug: „Oh, give yourself a break / Before you break down / You’re gonna need someone on your side / And here I am (2x) / You don’t need to look so pleased“).

Der zweite Song, „Glamorous Glue“, enthält, und da sind sich so einige Fans des Sängers absolut einig :-), „one of the greatest Morrissey-words ever“ („Everyone lies / Where is the man you respect? / And where is the woman you love?“), wobei auch der damalige britische Trend, konservativ zu wählen, soll heißen: die Tories, und offiziell nicht dazu zu stehen :-), erwähnt wird [„We won’t vote conservative / Because we never have“ :-)]. Grundsätzlich zählt „Glamorous Glue“ aber zu den „London-Songs“ („We look to Los Angeles / For the language we use / London is dead, London is dead [...]“) von Morrissey, wobei „Songs about London“ ja bereits bei den Smiths „ein Thema waren“, man denke da nur an den Track „London“ :-), der beispielsweise auf dem tollen The-Smiths-Kompilation-Album „Louder Than Bombs“ (1987) zu finden ist.

Nach „Glamorous...“ folgt mit „We’ll Let You Know“ ein Lied über, wenn man so will, die Mentalität von „Fußball-Fans“ bzw. von „so called“ „Hooligans“ [„And the songs we sing / They’re not supposed to mean a thing / La-la-la-la, la-la-la-la, la-la-la-la“ :-)].

Das umstrittene „The National Front Disco“ (Auszug: „David, the wind blows / The wind blows / Bits of your life away / Your friends all say / Where is our boy? / Ah, we’ve lost our boy [...]“) wurde seinerzeit, aufgrund der angeblich „ambiguous lyrics“, des „Rassismus“ verdächtigt, aber vielmehr ist dieser durchaus geniale Song das Porträt einer „misguided youth“, bei dem „Familie & Freunde“ einen jungen Mann sozusagen an „the attractions of nationalism“ verlieren, was, ebenso wie das „Hooligan“-Problem, damals Teil eines „kulturellen Wandels & Konflikts“ im Königreich war – „Because again and again you’ve explained / You’ve gone to the National, oh / To the National“.

Absolut hörenswert ist auch die Live-Version von „The National Front Disco“ auf dem Morrissey-Live-Album „Beethoven Was Deaf“ aus dem Jahr 1993, das einen Auftritt des Sängers „at The Zenith in Paris“ am 22. Dezember 1992 vor rund 6500 Menschen dokumentiert.

Nach „Certain People I Know“, das als eine Kritik an „materialistic people“ durchgeht :-) und wiederum über exzellente „words“ verfügt („[...] Their clothes are imitation / George the 23rd (dont’t you find this absurd) / I hate to be like certain people I know / They break their necks / And can’t afford to / Get them fixed“), kommen zwei Songs, die als Singles ausgekoppelt wurden, die aber in Wahrheit die beiden schwächsten „tracks“ des Albums verkörpern, nämlich „We Hate It When Our Friends Become Successful“, der von der „Musik-Szene in Manchester“ handelt und von der Eifersucht Morrisseys auf „erfolgreichere Künstler aus Manchester angesichts seiner eigenen ins Stolpern geratenen Post-The-Smiths-Solokarriere“, sowie „You’re the One for Me, Fatty“, wobei der Titel die Aussage/die „Liebesbekundung“ einer einstmals bekannten britischen „actress“ wiedergibt, die mit einem ebenfalls sehr bekannten „overweight magician“ :-) verheiratet war, der besorgt war, dass sie ihn wegen seines Übergewichts verlassen würde :-).

Einige Morrissey-Fans haben es sogar geschafft, diese Tatsache, dass ausgerechnet die zwei schwächsten Songs auf „Your Arsenal“ als Singles ausgekoppelt wurden, als „geniale Strategie des Meisters“ zu bezeichnen :-). Na ja.

Das 92er-Album endet aber, wenn man so will, mit „three masterpieces“. Der Song „Seasick, Yet Still Docked“ ist wunderbar melancholisch & „beautifully tragic“ und handelt gleichsam von der „sadness“, „im Leben nicht das bekommen zu haben, was man wollte“ (Auszüge: „I am a poor freezingly cold soul / So far from where I’m intended to go / [...]“), wobei dieses „Can’t Get What You Want“-Feeling, absolut Morrissey-typisch :-), auch auf „a lover“ oder „a potential lover“ bezogen ist („My love is as sharp as a needle in your eye / You must be such a fool to pass me by“).

Glücklicherweise lässt Morrissey mit „I Know It’s Gonna Happen Someday“ sogleich einen „Counterpart“ zu „Seasick...“ folgen, einen Gegenentwurf, denn der Song ist „full of hope“ und wohl für „all the lovers looking for something special“ :-) bestimmt („My love, wherever you are / Whatever you are / Don’t lose faith / I know it’s gonna happen someday / To you“).

Wohl den besten Schluss-Song auf einem Morrissey-Solo-Album, nach „Speedway“ auf „Vauxhall and I“, stellt zweifellos „Tomorrow“ dar, bei dem es, wenn man das so ausdrücken möchte, um „surrender to the object of affection“ oder auch um „longing for the touch of an unrequited love“ geht („All I ask of you, oh / Is would you tell me that you love me / Tell me, tell me that you love me (2x) / Ah, I know you don’t mean it (2x)“), wobei „Tomorrow“ durchaus auf die komplexeren Songstrukturen des „underrated“ „Southpaw Grammar“-Albums von 1995 vorausweist.

Nun, leider sind diese großartigen Songs vom „Your Arsenal“-Album so ziemlich aus den „Set-Lists“ der „bildlich dokumentierten“ Live-Auftritte des Sängers verschwunden, denn auf „Who Put the `M` in Manchester?“ (2004) sucht man vergeblich nach einem Song aus dem Album und auf „25 Live“ (2013) wird man leider nur mit dem schwachen „You‘re the One for Me, Fatty“ „beglückt“ :-). 

Allerdings bietet das bereits erwähnte Morrissey-Live-Album „Beethoven Was Deaf“ gleich 9 der 10 Songs von „Your Arsenal“ auf, das, daran halte ich fest :-), zu den ganz großen Verdiensten dieses „iconic & enigmatic“ Performers zählt.

55. BROTHERS IN ARMS – DIRE STRAITS (1985)

Anmerkung: „Here comes Johnny singing oldies, goldies / Be-Bop-A-Lula, Baby What I Say / Here comes Johnny singing I Gotta Woman / Down in the tunnel, trying to make it pay / He got the action, he got the motion / Yeah, the boy can play / Dedication devotion / Turning all the night time into the day / He do the song about the sweet lovin‘ woman / He do the song about the knife / He do the walk, he do the walk of life / Yeah, he do the walk of life“ [aus dem Song „Walk of Life“, der nicht nur zu den „lighter moments“ des „Brothers in Arms“-Albums gehört, sondern auch, meines Wissens nach, in den 80ern der erste Dire-Straits-Song war, mit dem ich „konfrontiert“ :-) worden bin und der mich demnach überhaupt erst zu dieser genialen britischen Band „geführt“ hat] – nun, den Dire Straits, dieser Formation um den „Gitarren-Virtuosen“ Mark Knopfler, hätte im Jahr 1978, als die Band ihr letztendlich kommerziell sehr erfolgreiches Debütalbum „Dire Straits“ auf den Markt brachte, inmitten dieser ganzen britischen Punk-Bands, die da „ihr Unwesen trieben“ :-), wohl kaum jemand ernsthaft ein „längeres Leben“ vorhergesagt, aber: Die Dire Straits waren nicht nur damals schon, in den besagten 70s, mit ihrem von „rock roots“ getragenen fantastischen Debüt, welches einige Klassiker zu bieten hatte, allen voran „Sultans of Swing“, der einen „Abstecher in einen Londoner Club“ beschreibt (Auszug: „You step inside but you don’t see too many faces / Coming out of the rain to hear the jazz go down“), aber auch „Down to the Waterline“ („When she’s walking by the river and the railway line / She can still hear him whisper / Let’s go down to the waterline“) sowie „Water of Love“ („Water of love deep in the ground / No water here to be found / Some day baby when the river runs free / It’ll carry that water of love to me“), sondern in der Folge auch in den 80ern, inmitten all dieses zumeist bescheuerten „Pop-Posings“, auf wunderbare Weise „resistent gegenüber Modeerscheinungen“, und die Dire Straits klangen, was ganz dem „lifelong Country-Music-Fan“ Knopfler entspricht, ein wenig „Country-mäßig“, ein wenig „bluesig“, aber eben auch weder sonderlich „loud“ noch sonderlich „angry“ :-).

Bob Dylan hat überhaupt einmal gemeint, dass die Dire Straits, deren Musik gleichsam durch Mark Knopfler‘s „rauen“ Gesang & durch sein „poliertes Fender-Gitarrenspiel“ dominiert scheint, dann letztendlich aber doch wie „one person“ rüberkommen würden, wobei die „Endergebnisse des Zusammenspiels“ zumeist „fresh & timeless songs“ darstellten, die mit absoluter Präzision dargeboten wurden und, aufgrund genauester „social observation“ :-) („And a crowd of young boys they’re fooling around in the corner / Drunk and dressed in their best brown baggies and their platform soles“ – wiederum aus „Sultans of Swing“ von der Debüt-LP), voll von „ergreifenden Situationen“ & „lebendigen `Street`-Charakteren“ waren.

Den Song „Romeo and Juliet“ vom Album „Making Movies“ (1980), bei dem es mir beim Durchhören, angesichts von „great material“ wie „Skateaway“, „Hand in Hand“ oder „Solid Rock“, dann ab & an schon so vorgekommen ist, als ob das in Wahrheit „das beste aller Dire-Straits-Alben“ :-) ist, kann man ohne Weiteres als „quintessenzielles Dire-Straits-Werk“ bezeichnen, denn „Romeo and Juliet“ („A lovestruck Romeo sings a streetsuss serenade / Laying everybody low with a love song that he made / Finds a convenient streetlight / Steps out of the shade / Says something like: `You and me, babe, how about it?`“) bietet einen emotionalen, aber dann doch irgendwie skeptischen Blick auf eine „true romance“ (während hingegen „Tunnel of Love“, ein weiterer „classic“ aus „Making Movies“, eine „dangerous romance“ beschreibt).

Der Dire-Straits-Sound hat sich natürlich im Laufe der sechs Studio-Alben verändert und nach dem „spritzigen & cleanen“ Sound der „early years“ kamen speziell ab „Love Over Gold“ (1982) so etwas wie „atmosphärische Soundeffekte“ hinzu, und man braucht in diesem Zusammenhang nur an das Meisterwerk „Private Investigations“ vom besagten „Love Over Gold“-Album zu denken, an all diese „spooky twists“ und „Ausschmückungen“, der dieser „dunkle & pessimistische Psychotrip“ zu bieten hat [vgl. dazu auch Platz 27 meiner „Great Music Albums“ :-)].

Nun, das mit Abstand populärste und auch erfolgreichste Dire-Straits-Album ist aber, natürlich, das 1985 veröffentlichte „Brothers in Arms“, das für mich, um wieder mal meine „Jugend“ zu strapazieren :-), in den 80ern zu den „allerwichtigsten Platten in meiner Plattensammlung“ gehörte :-), wobei ich sogar eine Videokassette mit den vier Videoclips zu „So Far Away“, „Money for Nothing“, „Walk of Life“ & dem „Titelsong“ „Brothers in Arms“ besessen habe – und das sagt ja wohl einiges über die „tiefe Connection“ :-) aus, die ich zu diesem Longplayer und zu den Dire Straits und zu Mark Knopfler „verspüre“ :-).

„There’s so many different worlds / So many different suns / And we have just one world / But we live in different ones“ (Copyright: der Song „Brothers in Arms“) – diese „National Steel Guitar“, die da „in den Wolken, aber auch unter blauem Himmel schwebt“ und die das Cover ziert, könnte kein besseres Symbol dafür sein, was nach der Veröffentlichung von „Album Nr. 5“ mit der Band passierte, die eben stets mit den „Roots of Rock and Roll“ in Verbindung geblieben war.

Aufs erste Hinhören wirkt „Brothers in Arms“, das, mit über 30 Millionen(!) verkauften Exemplaren weltweit, zu einem wahren Megaseller geriet, jetzt tatsächlich nicht unbedingt als ein Album, das dem „global taste“ in die Hände spielt, denn es ist in Wahrheit, wie eben das Cover, in gewisser Weise „blue in tone“ und tendenziell somit eher melancholisch.

Es beginnt noch dazu mit einem Song, der von dem „pain of seperation“ berichtet, und das mit „touching directness“, wobei der angesprochene „So Far Away“ stets mein „heimlicher Favorit“ auf „Brothers...“ war („Here I am again in this mean old town / And you’re so far away from me / And where are you when the sun goes down / You’re so far away from me / So far away from me / So far I just can’t see [...]“).

Zwischen „So Far Away“ und dem mit „moody keyboards“ & einem fast „schmerzenden Gitarrensound voller `Bedauern & Reue`“ ausgestatteten „Soldaten-Song“ „Brothers in Arms“ (Auszüge: „Through these fields of destruction / Babtisms of fire / I’ve watched all your suffering / As the battles raged higher / [...] But it’s written in the starlight / And every line on your palm / We’re fools to make war / On our brothers in arms“) ist eine Riege an Songs platziert, die zum Großteil „ruhig“, „reflektiv“, aber vor allem „düster“ ist.

Eine Art Trilogie zusammen mit dem „schwermütigen Meisterwerk“ „Brothers in Arms“ bilden die ebenfalls „soldierly themes“ verpflichteten Songs „Ride Across the River“ sowie „The Man’s Too Strong“, wobei diese beiden „tracks“, der erste wirkt ein wenig „exotisch instrumentiert“, der zweite ist zuweilen, vor allem dann, wenn der von Knopfler gesungene Refrain („The man’s too big / The man’s too strong“) gegen Knopfler’s Gitarrenspiel „ankämpft“ :-), „recht intensiv“, mit dem atmosphärischen Schluss-Song nicht mithalten können.

Den vorletzten „track“, nämlich „One World“, habe ich stets, im Vergleich „zum Rest“, trotz des sicherlich wiederum virtuosen Gitarrenspiels, als „ein wenig zu einfach konzipiert“ empfunden [„Can’t get no remedy on my TV / There’s nothing but the same old news / They can’t find a way to be / One world in harmony [...]“ – na ja :-)].

Die Dire Straits haben es immer verstanden, „Saxophones“ brillant einzusetzen, man denke da in diesem Zusammenhang an die grandiose „Live-Version mit Sax“ von „Two Young Lovers“ auf dem Live-Doppel-Album „Alchemy“ aus dem Jahr 1984. Auf „Brothers...“ muss man hier „Your Latest Trick“ erwähnen, der von einem „ruhigen Saxophon-Einsatz“ getragen wird und der eher zu der Kategorie „love-songs that end in disappointment“ gehört, denn darin geht es um eine „late night encounter“ in einer Bar, die offenbar ein eher seltsames Gefühl hinterlassen hat :-) („I don’t know how it happened / It all took place so quick / But all I can do is hand it to you / And your latest trick“).

Fast schon „versöhnliche Klänge“ bietet „Why Worry“, einer meiner Lieblings-Tracks auf dem Album, obwohl es darin, eindeutig :-), um „sadness“, um Traurigkeit, geht („Why worry, there should be laughter after the pain / There should be sunshine after rain / These things have always been the same / So why worry now“), wobei die Drums, die sich dann sozusagen im letzten Abschnitt des Songs „dazugesellen“, schlichtweg grandios sind, genauso grandios wie dieses „sehr sanfte Duell“ ist, das sich kurz darauf noch zwischen diesen Drums & Knopfler’s Gitarre zu entwickeln scheint :-).

„I want my... I want my MTV... I want my... I want my MTV... I want my... I want my MTV... I want my... I want my MTV“ (Copyright: Sting & Dire Straits) – so richtig „gefeiert“ wurde „Brothers in Arms“ aber bekanntlich für seine „lichteren, amüsanteren Momente“, und die sind eben durch das „uplifting“ „Walk of Life“, das es beinahe nicht auf den Longplayer geschafft hätte, und vor allem auch durch den großen Hit „Money for Nothing“ vertreten, Knopfler’s Ode an, wenn man so will, „Blue Collar“-Träume :-), denn Knopfler schlüpft anhand seiner „lyrics“ sozusagen in die Rolle von Arbeitern in „blauen Anzügen“, die mit Mikrowellen, Küchen-Ausstattungen & Farbfernsehern „hantieren“ müssen und sich dabei über „das scheinbar `einfache Luxus-Leben` dieser `stupid Rock-Stars`, die sie da auf MTV sehen“ zu ärgern beginnen :-) [Auszüge: „That ain’t workin‘ that’s the way you do it / Money for nothin‘ and chicks for free / [...] I shoulda learned to play the guitar / I shoulda learned to play them drums“ :-)].

Legendär bei „Money for Nothing“ ist natürlich auch der gesangliche Beitrag von Sting, der diesen „catchy“ „I want my MTV“-Refrain beisteuerte und damit „ein zentrales Element“ des Songs erschuf.

Regelrecht „gigantisch“ ist auch die „Intro-Sektion“ der über acht Minuten dauernden Album-Version von „Money...“, denn nachdem der „Gaststar“ Sting zu Beginn (siehe das Zitat oben) mehrfach bekundet hat, „`sein MTV` haben zu wollen“ :-), steigern die Drums die Spannung dermaßen ins Unerträgliche, bis Mark Knopfler dann endlich mit dem berühmten Gitarren-Riff loslegt und für „Erlösung“ sorgt :-).

Das Album „Brothers in Arms“, das seinerzeit im Übrigen eine ganze Generation für die damals noch als „äußerst innovativ“ geltende „Compact Disc“ begeisterte :-), bildet sicherlich die „strong melodic instincts“ sowie den strukturellen Einfallsreichtum von Knopfler & dessen Bandkollegen, allen voran Bassist & Dire-Straits-Gründungsmitglied John Illsley, ab, und jedem mit „einem halbwegs intakten Draht zur Rock-Musik“ :-) wird es schwerfallen, dieser „irresistible package“, die dieses Rock-Album darstellt, dauerhaft zu widerstehen :-).

54. HOTEL CALIFORNIA – EAGLES (1976)

Anmerkung: „Last night I remember, I was / Running for the door / I had to find the passage back / To the place I was before / `Relax`, said the night man, / `We are programmed to receive. / You can check out any time you like, but you can never leave.`“ (aus der finalen Strophe des Songs „Hotel California“, in welcher der „Night Manager“ dem „main character“ mitteilt, dass „ein Auschecken“ aus diesem Hotel nicht mehr möglich ist) – als ich „vor über 20 Jahren“ :-) einmal einem Bekannten mitgeteilt habe, dass ich ein Fan der Solo-Alben von „Eagles-Member“ Don Henley bin und zufällig sogar noch „von einer anderen Person weiß, die denselben Geschmack besitzt“ :-), hat mir der besagte Bekannte sozusagen „gratuliert“ und hat in der Folge gemeint, dass es dann „schon zwei Typen in Österreich gäbe, die die Solo-`efforts` von Henley mögen“ :-).

Nun, wie auch immer, ich bin auch heute noch ein Fan der Henley-Alben „I Can’t Stand Still“ (1982), „Building the Perfect Beast“ (1984), das den Hit „The Boys of Summer“ („But I can see you - / Your brown skin shinin‘ in the sun / You got your hair combed back and your / Sunglasses on, baby / And I can tell you my love for you will still / Be strong / After the boys of summer have gone“) enthält, sowie „The End of the Innocence“ (1989) mit Songs wie „New York Minute“, „The Heart of the Matter“ oder meinem „favorite“ „I Will Not Go Quietley“, zu dem Guns N‘ Roses-Sänger W. Axl Rose „harmony vocals“ beisteuerte. Aber auch der Henley-Longplayer „Inside Job“ aus dem Jahr 2000 hatte „great material“ wie „Taking You Home“ oder „For My Wedding“ zu bieten.

„Welcome to the Hotel California / Such a lovely place (such a lovely face) / Plenty of room at the Hotel California / Any time of year, you can find it here“ (Copyright: der Song „Hotel California“) – natürlich ist der „enthusiasm“, den ich für den Großteil der Tracks auf den diversen Henley-Solo-Alben empfinde, nicht ganz so groß wie jener, den ich für die „albums“ der Band Eagles empfinde :-), wobei ich, wie ich ja bereits mehrfach in den letzten Jahren habe „durchscheinen lassen“ :-), vor allem das Eagles-Album „The Long Run“ (1979), ähnlich wie das auch bei zwei anderen „Love at First Sight“-Alben meinerseits der Fall war, gemeint sind: „The Joshua Tree“ von U2 & „The Wall“ von Pink Floyd, auf Anhieb „ins Herz geschlossen“ habe – „Didn’t know I was so lonely `til I found you / You can go the distance / We’ll find out in the long run / (In the long run)“ [Copyright: der Song „The Long Run“] :-).

Gut, „The Long Run“ hin oder her, das Album „Hotel California“ aus dem Jahr 1976 ist das weit bekanntere und vor allem auch weit „ikonischere“.

Die Eagles waren in der Mitte der 70er-Jahre so etwas wie die „hottest band in the United States“ :-), denn nicht nur die tolle und lediglich aus 10 Titeln bestehende „Greatest Hits“-Kompilation „Their Greatest Hits (1971 – 1975)“ (1976) drang seinerzeit auf Anhieb verkaufstechnisch fast in „Pink Floyd’sche `The Dark Side of the Moon`-Dimensionen“ vor, sondern auch das „masterful“ „Hotel California“-Album wurde, „wie wir Amerikaner sagen“ :-), „an LP chart-topper in its own right“ und brachte drei Nummer-eins-Hits hervor, nämlich den berühmten „title track“ sowie auch „New Kid in Town“ & „Life in the Fast Lane“.

„The famous“ „Hotel California“, also: der Song, basiert auf einem „instrumental“ des Gitarristen Don Felder, das aber, so erschien es offenbar Don Henley & Glenn Fry, „Raum für Gesang“ :-) bot, wobei der erste „Arbeitstitel“ des „6 ½-Minüters“ tatsächlich „Mexican Reggae“ lautete. Jedenfalls hatten die Eagles noch nie so eine Art von Lied geschrieben, das aber dann gleichsam den gesamten „Songs from the Dark Side of L.A.“-Approach vorgab, von dem das gesamte Album getragen wird, denn darauf wird man mit der Kehrseite von „Fame & Failure“, von „Love & Money“ konfrontiert.

Die Eagles wollten, dass der „Hotel California“-Song grundsätzlich „more cinematic“ klingt, und er sollte, mit dem Ausgangspunkt, dass „ein `tired man` `cross the desert` fährt und bei einem Hotel `hängenbleibt`“, wie eine Episode der TV-Serie „Twilight Zone“ beginnen, in der der „main character“ sich jedes Mal, wenn er durch eine Tür des Hotels geht, einer „new version of reality“ gegenübersieht.

Das ganze „Szenario“ wird dann sogar, wenn man so will, „Fellini-esk“, denn der „müde Mann“ :-) trifft u. a. auf „strange women“ in „shadowy corridors“ [„There she stood in the doorway / I heard the mission bell / And I was thinking to myself / `This could be Heaven or this could be Hell` / Then she lit up a candle and she showed me the way / There were voices down the corridor / I thought I heard them say...“] :-).

Natürlich dienten als „dramaturgische Vorbilder“ auch diverse Filme wie Menschen im Hotel (1932; mit Greta Garbo & Joan Crawford) oder das großartige und in Wien angesiedelte Der Nachtportier (1974; von Liliana Cavani mit Charlotte Rampling & Dirk Bogarde) sowie Psycho (1960; mit Anthony Perkins, Vera Miles & Janet Leigh) von Alfred Hitchcock.

„Surely make you lose your mind / (Life in the fast lane) huh“ (aus dem Song „Life in the Fast Lane“) – so wie am Anfang von „Hotel...“ ein Don-Felder-Gitarrenriff stand, stand zu Beginn des Entstehungsprozesses von „Life in the Fast Lane“ ein Riff von Joe Walsh, der auf dem Album erstmals als „full time member“ der Eagles agierte. Der Titel des Songs wurde von einer Autofahrt von Glenn Fry mit einem Drogendealer inspiriert, der definitiv „too fast“ unterwegs war und nach einem „Hey man, slow down“ von Fry die Worte „Hey man, it’s life in the fast lane“ gesagt haben soll :-).

Grundsätzlich handelt der „Number One Hit“ aber von einem „couple“, das alles hat, also: reich ist, aber in gewisser Weise in einem „spiritual ghetto“ lebt („Eager for action and hot for the game / The coming attraction, the drop of a name / They knew all the right people, they took all the right pills / They threw outrageous parties, they paid heavenly bills“).

Das klassische „New Kid in Town“ („Johnny-come-lately / The new kid in town / Everybody loves you / So don’t let them down“) staubte sogar einen Grammy Award in der Kategorie „Best Vocal Arrangement“ ab und ist ein Song über, „if you will“ :-), die „launische & vergängliche Natur der Liebe & des Ruhms“, wobei die Eagles, die damals eben eine „red hot band“ :-) waren, sich darin gleichsam mit ihrem eigenen „Ableben“ beschäftigen, sozusagen das Gefühl wiedergebend, „that somebody’s going to come along“ und „die Stelle der Band“ im Musik-Business einnehmen werde („You’re walking away / And they’re talking behind you / They will never forget you / Till somebody new comes along“). Der eigentliche „Vater“ von „New Kid in Town“ ist aber der als Co-Autor von Henley & Fry angeführte J. D. (John David) Souther, ein zentraler Protagonist des US-Country-Rock in den 70s sowie ein zentraler „Wegbegleiter“ der Eagles, der auch an Eagles-Klassikern wie „Best of My Love“ (vom Album „On the Border“ aus 1974) oder „Heartache Tonight“ (vom Album „The Long Run“) beteiligt war.

Beteiligt war J. D. Souther allerdings auch an dem „Hotel California“-Song „Victim of Love“ („Tell me your secrets / I‘ll tell you mine / This ain’t no time to be cool / And tell all your girlfriends, your been-around-the-world friends / That talk is for losers and fools / Victim of love / I see a broken heart / And I could be wrong, but I’m not, no, I’m not [...]“), welcher von der Band sogar live aufgenommen wurde, was für eine Gruppe, die für „a lot of overdubbing & editing“ :-) bekannt war, keine alltägliche Sache war.

Weg vom Country-Rock führt dann das von Don Henley gesungene „Wasted Time“ („So you can get on with your search, baby / And I can get on with mine / Maybe someday we will find / That it wasn’t really wasted time“), ein Track, der vor allem auch wegen Glenn Fry’s damaliger Schwäche für „records“, die aus Philadelphia kamen, entstanden war, und Fry hat einmal sinngemäß gemeint, dass Henley bei dem Song „der Teddy Pendergrass der Eagles“ gewesen sei :-) und diese „`Philadelphia-type-production` mit Streichern“ aufgrund seiner erstaunlichen gesanglichen Fähigkeiten möglich gemacht habe.

„The next President of the United States, Joe Walsh“ [Copyright: das Live-Doppel-Album „Eagles Live“ aus 1980; ein Band-Mitglied kündigt sozusagen auf der Bühne den Gitarristen Joe Walsh als „nächsten Präsidenten der USA“ an und Walsh singt dann seinen eigenen Klassiker „Life’s Been Good“, der es beispielsweise als Sample 2013 auf das Eminem-Album „The Marshall Mathers LP 2“ und in den Song „So Far...“ geschafft hat :-)] – auch das „neue Bandmitglied“ Joe Walsh, der dann ebenfalls bei der großen Eagles-Reunion in den 90ern mit von der Partie war, hat „seinen Song“ auf „Hotel California“, nämlich das ruhige „Pretty Maids All In A Row“, bei dem man eine Kostprobe von Walsh’s etwas „knautschiger Stimme“ bekommt.

Der Bassist Randy Meisner hingegen, der beispielsweise den Eagles-Klassiker „Take It To The Limit“ vom 75er-„One of These Nights“-Album interpretierte, verabschiedet sich von der Band, Meisner verließ diese dauerhaft 1977, auf „Hotel California“ mit dem exzellenten „Try and Love Again“ („Should I stay or go? / I really wanna know / Would I lose or win / If I try and love again? / Oh-oh-oh-oh, gonna try and love again [...]“).

Den Schluss-Song „The Last Resort“, der mit rund 7 ½ Minuten Laufzeit der längste Track auf dem Album ist, kann man getrost als „Epos“ bezeichnen, in dem es grundsätzlich um die „human tendency“ geht, Gewalt, Chaos & Zerstörung anzurichten („Some rich men came and raped the land / Nobody caught `em / Put up a bunch of ugly boxes / And Jesus people bought `em“), eben darum, „beautiful places“ wie beispielsweise Hawaii zu „erobern“ und in gewisser Weise zu vernichten („And they called it Paradise / The place to be / They watched the hazy sun / Sinking in the sea / You can leave it all behind / Sail to Lahaina / Just like the missionaries did / So many years ago“).

Nun, Henley, der „The Last Resort“ nicht nur singt, sondern auch „überwiegend zu verantworten hatte“ :-), meinte später, dass der Song, der grundsätzlich von der Idee getragen scheint, dass „alles im Universum miteinander verbunden ist & unser Tun eben zu Konsequenzen führt“, musikalisch wohl „nie ganz zufriedenstellend realisiert“ worden sei, die „lyrics“ aber im Grunde „not so bad“ gewesen wären :-).

„However“: Das „Making“ von „Hotel California“ soll ja eher, um den Titel eines tollen „Live-Songs“ der Eagles zu nennen, einer „Seven Bridges Road“ geglichen haben, die zu passieren eineinhalb Jahre in Anspruch genommen hat, aber „Wasted Time“ war das trotzdem keine, denn, um in „cinematic terms“ zu bleiben :-), das Album war mit über 30 Millionen weltweit verkauften Einheiten schlichtweg „a real Blockbuster“ :-).

53. ALCHEMY – DIRE STRAITS LIVE (1984)

Anmerkung: „I wanna live on solid rock / I’m gonna live on solid rock / I wanna give I don’t wanna be blocked / I’m gonna live on solid rock“ [aus dem Song „Solid Rock“, der hier „live“ gewaltig „rockt“ :-) und eben zu den „tragenden Säulen“ des exzellenten „Making Movies“-Albums von 1980 gehörte, auf dem tatsächlich jeder Song „ein kleines Szenario, `waiting to be filmed`“ gewesen ist] – das mit „Live-Alben“ ist ja so eine Sache :-), denn irgendwie sind die meisten eher „unbefriedigend“, aber es gibt natürlich auch „really good live-album-stuff“, so wie eben Nirvana’s legendäres „MTV Unplugged in New York“ (1994) oder Peter Frampton’s erstaunlich erfolgreiches „Frampton Comes Alive!“ (1976), Garth Brooks‘ „Double Live“ (1998), eines meiner „`favorite` Country-Musik“-Alben jenseits der drei großen Shania-Twain-Longplayer („The Woman in Me“ / „Come On Over“ / „Up!“) :-), und vor allem George Michael’s „Symphonica“ (2014) sowie George Michael’s im Grunde erst viel zu spät in Album-Form veröffentlichter „MTV Unplugged“-Auftritt von `96, der großartige Versionen von Songs wie „Older“ oder „Star People“ zu bieten hatte oder das wunderschöne Bonnie-Raitt-Cover „I Can’t Make You Love Me“.

Sehr „gelungen“ scheint auch „Flashpoint“ (1991) von den Rolling Stones, das Live-Mitschnitte aus den Jahren 1989-90 von der legendären „Steel Wheels / Urban Jungle Tour“ bot, wobei „Flashpoint“, das einen Haufen Stones-Klassiker wie beispielsweise „Start Me Up“, „Rock and a Hard Place“, „Ruby Tuesday“ oder „You Can’t Always Get What You Want“ zu bieten hatte, irgendwie „verdächtig“ war, weil das alles auf CD „viel zu gut geklungen hat für die Rolling Stones“ :-) und nach „massiver Nachbearbeitung“ wirkte, was auch, soweit ich mich erinnern kann, einige Kritiker, vor allem in der guten alten „Bravo“ :-), damals zur Sprache gebracht oder der Band gleichsam unterstellt haben :-).

„Thank you! Love you!“ (Copyright: Mark Knopfler nach der Performance von „Tunnel of Love“ zum Publikum im Hammersmith Odeon) – nun, „Alchemy“ von den Dire Straits dokumentiert einen Auftritt der Band um „guitar hero“ Mark Knopfler vom 23. Juli 1983 im Hammersmith Odeon in London, der sicherlich zu den „greatest live-performances of that era“ zählt.

Die Dire Straits waren, bevor sie 1985 durch das „epoch-making“ „Brothers in Arms“ (siehe Platz 55 der „Great Music Albums“) gleichsam „in die Stratosphäre“ :-) befördert wurden, `83 ohnehin längst in der „Big League“ angekommen und das Live-Doppel-Album „Alchemy“ erschien 18 Monate nachdem die Band mit „Love Over Gold“ im Oktober 1982 ihr „first UK number one album“ vorgelegt hatte, wobei sich „Alchemy“ letztendlich ganze 3 Jahre in den UK-Top-100 hielt, und das vor allem „in the afterglow“ von „Brothers in Arms“ :-).

Zum Vergleich: 1977, also: bevor `78 dann das Debüt-Album „Dire Straits“ erschienen ist, das, nach einem „verhaltenen Anlauf“, schließlich zum „bestverkauften Debüt einer britischen Band“ seit „Led Zeppelin“ (1969) eine Dekade zuvor wurde, hatte die Band noch bei einem New-Wave-Festival auftreten müssen, wo sie Ry-Cooder-Coverversionen zum Besten gab und, wie Bassist John Illsley einmal erzählt hat, vor „Männern in Mokassins“ spielten, die sich gegenseitig anspuckten :-).

Im Hammersmith Odeon, „a couple of years later“, feuert die Band, und das vor einer gesitteten „crowd“, wenn man so will, „aus allen Zylindern“ :-), und dies vom Opener „Once Upon a Time in the West“ „onwards“.

Apropos...Sergio Leone lässt grüßen :-)...„Once Upon a Time in the West“: Dieser Song aus dem zweiten Dire-Straits-Album „Communiqué“ (1979) kommt live gleich noch ein Stück meditativer & epischer als „on the LP“ rüber („Oh, you could even catch a bullet from the peace-keeping force / Even the hero gets a bullet in the chest / Oh yeah, once upon a time in the west“), während der zweite Song, das exzellente „Expresso Love“ („And she was made in heaven / Heaven’s in the world / Is this just expresso love / You know I’m crazy for the girl“) vom „filmischen“ „Making Movies“-Album, die „Drehzahl“ umgehend erhöht.

Der „massive hit“ „Romeo and Juliet“ („Juliet when we made love you used to cry / You said I love you like the stars above I’ll love you till I die / There’s a place for us you know the movie song / When you gonna realise it was just that the time was wrong Juliet?“) ist natürlich auch in der Live-Version ein „touching love song“, so wie es dem Shakespeare’schen Romeo-und-Julia-Thema ja wohl mehr als angemessen scheint :-), und Knopfler legt „ungewöhnlich viel Gefühl“ in die Sache und verwendet auf der Bühne, das „Brothers in Arms“-Album begann offenbar schon „Gestalt in Knopfler’s `imagination`“ anzunehmen :-), bei dem Song die „Steel Guitar“, die dann bekanntlich das Cover von „Brothers...“ zierte.

Nach einer tollen „Darbietung“ des Songs „Love Over Gold“ (vgl. dazu auch Platz 27 der „Great Music Albums“) gerät das „dramaturgische Meisterwerk“ „Private Investigations“ (die letzte Strophe vor dem phänomenalen Instrumental-Part: „Scared for life – no compensation / Private investigations“) zu einem weiteren Höhepunkt von „Alchemy“, und auch hier muss man anmerken, dass, analog zu dem Song „Love Over Gold“, das „investigative Stück“ :-) noch dunkler & intensiver als auf der „Love Over Gold“-LP rüberkommt, sozusagen „bedrückend & beeindruckend“ zugleich ist, wobei auch das Mitklatschen des begeisterten Publikums einiges zur „Gänsehaut-Atmosphäre“ beiträgt.

Das absolute Highlight von „Alchemy“ ist aber die, wenn man so will, „extended version“ von „Sultans of Swing“, die „one of the best live guitar playing ever brought to the stage“ enthält und die definitiv zu „meinen Lieblings-Live-Performances“ :-) zählt, denn wie Knopfler im letzten Drittel gleichsam „mit seinem subtilen Gitarrenspiel die Spannung steigert & dann nochmals das Tempo erhöht“ ist einzigartig. Ein schöner Moment ist auch, wie die Londoner „crowd“ bei der „Sultans of Swing“-Textzeile „Way on downsouth way on downsouth London town“ förmlich ausrastet :-).

„I put my hand upon the lever said let it rock and let it roll“ (Copyright: „Tunnel of Love“) – auf „Part Two“, wie die zweite CD damals bezeichnet wurde, besticht, neben „Solid Rock“ & dem epischen „Telegraph Road“, der auf „Love Over Gold“ schon ein „14-Minüter“ war :-), vor allem der Klassiker „Tunnel of Love“, ein weiterer „großer Film“ :-) aus „Making Movies“ mit „großen `lyrics`“ („And the big wheel keep on turning neon burning up above / And I’m just high on the world / Come on and take a low ride with me girl / On the tunnel of love“). Und Knopfler’s „Tunnel of Love“ ist um Längen besser als das eher öde „Tunnel of Love“ von Bruce Springsteen von dessen Album „of the same name“ :-) aus 1987.

Mark Knopfler hat ja „after the Dire Straits“ eine mittlerweile sehr langlebige Solo-Karriere gestartet, aber „side projects“ gab es schon während der Zeit als Dire-Straits-Mastermind, und so hat er beispielsweise zusammen mit „the band‘s then Drummer“ Pick Withers 1979 Bob Dylan bei dessen Album „Slow Train Coming“ „assistiert“, das seinerzeit, musikalisch gesehen, „gleich die 60s & die 70s zusammen“ für beendet erklärt hat :-).

„And now...this is some music from the `Local Hero`-film“ (Copyright: Knopfler zum Publikum im Rahmen von „Alchemy Live“) – ein weiteres zentrales „Neben-Projekt“ Knopflers war die Filmmusik zu der heutzutage fast vergessenen und in Schottland angesiedelten „Öko-Komödie“ Local Hero (1983; Regie: Bill Forsyth) mit Burt Lancaster & Peter Riegert. Gleichsam „for the final encore“ der „Alchemy“-Shows performten die Dire Straits dann das wunderschöne Instrumental „Going Home“, bei dem Knopfler sein „Theme from `Local Hero`“, mit Unterstützung von Keyboarder Alan Clark, zunächst gleichsam „solo“ zu spielen beginnt und sich dann allmählich die restlichen Band-Mitglieder (Bassist John Illsley, Rhythmus-Gitarrist Hal Lindes & Drummer Terry Williams) sowie die „additional musicians“ „dazugesellen“ – ein wirklich schöner, sehr edler „Konzertausklang“.

Übrigens: „Going Home“ wurde später so eine Art Hymne für Knopfler’s „beloved football club“ Newcastle United :-).

Da das Konzert vom Juli `83 auch mit Kameras dokumentiert wurde, kommt man nicht umhin anzumerken, dass die „Bühnenoutfits“ der Dire Straits schlichtweg eine (80er-Jahre-typische) „Katastrophe“ sind :-), und Knopfler sieht mit seinem weißen Stirnband & seinen weißen Schweißbändern um die Handgelenke, die sein sonstiges Jeans- & T-Shirt- & rotes Sakko- & rote „boots“-Outfit „ergänzen“, aus wie ein „Tennis-Profi auf Abwegen“ :-).

52. ACHTUNG BABY – U2 (1991)

Anmerkung: „It’s no secret that the stars are falling from the sky / It’s no secret that our world is in darkness tonight / They say the sun is sometimes eclipsed by the moon / Y` know I don’t see you when she walks in the room / [...] Love, we shine like a / Burning star / We’re falling from / The sky... tonight“ (aus dem Song „The Fly“, der zu den zahlreichen Highlights des Albums gehört und ein wahrlich brillantes/unvergessliches Gitarren-Solo von The Edge enthält) – Bono hat im Zusammenhang mit dem Album „Achtung Baby“ von 1991 einmal gemeint: „Man muss sich zuerst von der einen Ausdrucksweise der Band abwenden, bevor man zur nächsten übergehen kann. Und dazwischen gibt es nichts. Man muss alles aufs Spiel setzen“ (Copyright: Bono).

Tja, das Problem für den geneigten „listener“ zu Beginn der 90er-Jahre war aber der Umstand, dass nicht nur U2, sondern so gut wie kein „hero“ aus den 80ern mehr so klang wie „in den 1980s“ :-), denn: Michael Jackson’s „Dangerous“ (1991) wirkte, was auch an der Absenz des „Off the Wall“/„Thriller“/„Bad“-Produzenten Quincy Jones gelegen haben mag und trotz des Songs „Black or White“, irgendwie „dünn“, genauso „dünn“ wie Prince’s Soundtrack zu dem Film „Graffiti Bridge“ (1990), lässt man mal den „great song“ „Thieves in the Temple“ beiseite :-).

Die Dire Straits wirkten 1991 auf „On Every Street“... „Howdy!“ :-) ...endgültig „wie eine amerikanische Band statt wie eine britische“, und auch George Michael schien auf „Listen Without Prejudice Vol. 1“ (1990) nicht mehr „derselbe“ wie auf „Faith“ (1987) zu sein :-) und Bruce Springsteen’s „Doppelschlag“ „Human Touch“ & „Lucky Town“ (beide 1992) hatte, so war der Eindruck, mal abgesehen von den beiden großartigen Songs „Human Touch“ und „Better Days“, „wenig zu bieten“. Nun, heutzutage wirken all die genannten Alben, inklusive U2’s „Achtung Baby“, wie Zeugnisse von Musikern „in their late prime“ :-).

„Achtung Baby“ ist in gewisser Weise sogar der Grund, „warum U2 immer noch hier sind“, das Album wurde für die Band gleichsam zum „Drehpunkt“, an dem es vorwärts gehen oder alles in sich zusammenbrechen und es zu einer Auflösung wegen der berühmten „künstlerischen Differenzen“ hätte kommen können.

Ein kurzer Rückblick: Mit „The Joshua Tree“ (1987) hatten die Iren endgültig die USA erobert, aber das „Live & Studio“-Album „Rattle and Hum“ und vor allem auch der gleichnamige Kino-Film, der auf vielleicht etwa naive Art & Weise gleichsam U2’s „Journey to discover American music“ dokumentierte :-), stieß speziell in den USA auf Kritik und Bono & Co wurden dort durchaus als anmaßende „megalomaniacs“ betrachtet („Es sah so aus, als ob wir zu den Leuten sagen würden: `Wir machen euch mit eurer Musik bekannt`. Das ist wirklich schade“ - Bono).

Wie auch immer, als mittlerweile langjähriger Fan des „uplifting“ „Rattle and Hum“ kann ich das nicht ganz nachvollziehen :-), aber, wie der „long-time“-U2-Produzent Brian Eno (Bono über Eno: „Alle britischen Rock `n` Roll-Leute, sogar die Punk-Rocker wie Joe Strummer und Paul Simonon[von The Clash; Anm.], waren auf der Kunsthochschule. John Lennon – Kunsthochschule. Eric Clapton – Kunsthochschule. Jimmy Page – Kunsthochschule. Sie waren alle auf der Kunsthochschule. Brian Eno war unsere Kunsthochschule“) das einmal so ähnlich zum Ausdruck gebracht hat, war dadurch „das kollektive Ego der Band beleidigt“, welche gegen Ende der 80er dann tatsächlich das Gefühl hatte, „physisch erschöpft“ & „kreativ ausgelaugt“ zu sein, und sich wie „eine große Rock-Band, die Amok lief“ empfand.

Insofern war der Plan von U2 im Zusammenhang mit einem „Nachfolge-Album“ zu „The Joshua Tree“ und „für den musikalischen Einstieg in die 90er-Jahre“ eher der, „eine große Kettensäge zu nehmen und den `Joshua Tree` abzuholzen“ :-).

Bono & The Edge hatten sich, während der Bassist Adam Clayton & der Drummer Larry Mullen Jr. nach eigenen Angaben „mit anderen Dingen beschäftigt waren und sich ein wenig alleingelassen fühlten“, im Sinne dieser besagten Suche nach „einer neuen Ausdrucksweise“ zu Beginn der 90er wieder mit Bands wie Joy Division „from Manchester“ oder Kraftwerk auseinandergesetzt, und vor allem Kraftwerk’s „Die Mensch-Maschine“ von 1978 soll großen Einfluss auf U2 gehabt haben, wobei seinerzeit, angesichts der großen politischen Veränderungen in Deutschland (Fall der Berliner Mauer etc.), eine ganze Reihe an experimenteller & avantgardistischer „music from Germany“ existierte, darunter auch von Bands wie Einstürzende Neubauten, die für U2 ebenfalls keine „Unbekannten“ waren :-).

Um gleichsam „einen eigenen Weg“ „into dance music“ zu finden und um „`Groove-Music` ohne Klischees & mit rhythmischer Raffinesse“ :-) einzuspielen, zog es die Band bekanntlich nach Berlin, in eine Stadt, die ja bereits von David Bowie einmal als „sehr therapeutische Stadt für einen Künstler“ bezeichnet worden ist, vor allem auch deswegen, weil Bowie dort, so hat er das jedenfalls später behauptet, „anonym“ war und offenbar auf der Straße nicht erkannt wurde :-).

In Berlin, das U2 auch mit „Culture-Collision“ :-) gleichsetzten, genauer: in den „Hansa Ton Studios“ in Berlin, fand die Band dann nach anfänglichen Schwierigkeiten, zunächst ging‘s nämlich eher „each man for himself“ :-), nach und nach zu einer „spirituellen Identität“ für das „Achtung Baby“-Album, und zwar vor allem durch den Song „One“, einem der ganz großen Tracks der Musikgeschichte, der „a bittersweet song about disunity“ ist, ein ehrlicher Song über „Uneinigkeit & Blockadehaltung“ (Auszug: „You say love is a temple, love a higher law / Love is a temple, love the higher law / You ask me to enter, but then you make me crawl / And I can’t be holding on to what you got, when all you got is hurt / One love, one blood, one life, you got to do what you should [...]“).

Aber, der Reihe nach :-): Bereits der Opener „Zoo Station“, der sich, was den Titel betrifft, tatsächlich auf die Berliner „railway station“ „Zoologischer Garten“ bezieht, die einst für ihr hohes „drug dealers, prostitutes and pimps“-Aufkommen berühmt-berüchtigt war, man denke da auch an den deutschen Film-Klassiker Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo [1981; u. a. mit David Bowie „as himself“ :-)] von Regisseur Uli Edel, überrascht den „listener“ und zeugt gleich von der „reinvention“ der Band, die mit einem „industrial influenced sound“ „aufhorchen“ lässt („Time is a train makes the future the past / Leaves you standing in the station / Your face pressed up against the glass / I’m just down the line from your love... Zoo Station [...]“).

Das großartige „Even Better Than the Real Thing“ ist, in einem insgesamt „sehr ernsten Album“, vergleichsweise ein „fun bit of Rock `n` Roll“ geworden und soll, laut Bono, in jedem Fall von einer „certain sexual tension“ handeln :-) („Well my heart is where it’s always been / My head is somewhere in between / Give me one more chance, let me be your lover tonight / [...] / You’re the real thing / Yeah the real thing / You’re the real thing / Even better than the real thing“).

Nach dem Über-Klassiker „One“, der also mehr oder weniger im Studio in Berlin der „Schlüsselmoment“ war, in Rahmen dessen sich für U2 auch „der Rest des Albums offenbarte“ :-), wird man dann, was für eine Band, die einmal gemeint hat, dass „Musik für sie zur Zeit von `Achtung Baby` eine Art Sakrament war“ :-), nicht weiter verwunderlich scheint, mit dem religiösen „Last-Supper-Jesus & Judas“-Szenario „Until the End of the World“ konfrontiert („And you know I love the element of surprise / In the garden I was playing the tart / I kissed your lips and broke your heart / You, you were acting like it was the end of the world“), bevor der „Who’s gonna tame you?“-Song :-) „Who’s Gonna Ride Your Wild Horses“ eine „toxic relationship“ porträtiert, für die als Vorbild, so wurde das zumindest kolportiert, eine „affair“ diente, welche ein „ungenanntes Mitglied der Band `on tour` gehabt haben soll“ :-) („You’re dangerous, `cos you’re honest / You’re dangerous, you don’t know what you want / Well you left my heart empty as a vacant lot / For any spirit to haunt / [...] Who’s gonna ride your wild horses? / Who’s gonna drown in your blue sea?“).

Ein weiterer Favorit meinerseits auf „Achtung Baby“, neben „The Fly“ & „Even Better Than the Real Thing“, war immer schon, also: auch damals in den 1990s :-), und ist immer noch die geniale „heartbreak-anthem“ „So Cruel“, die die Themenbereiche „Eifersucht“, „Obsession“ und, wenn man so will, „Besitzgier“ abhandelt, aber eben vor allem eine Liebesbeziehung im Zentrum hat, die offenbar „tragically wrong“ gelaufen ist (Auszüge: „Who crossed the line, who pushed who over? / It doesn’t matter to you, it matters to me / [...] Oh, love, you say in love there are no rules / Oh, love, sweetheart, you’re so cruel“).

Für das brillante „The Fly“, der sich gleichsam „thematisch nahtlos in all diese `persecuted, paranoid laments` von `Achtung Baby` einreiht“ :-) und ein „bitter breakup song“ ist (noch ein Auszug: „A man will rise / A man will fall / From the sheer face of love / Like a fly from a wall / It’s no secret at all“), hat Bono sozusagen den „Character“ „The Fly“ erfunden, den er dann auch bei der spektakulären „Zoo-TV“-Tour auf der Bühne „gegeben“ hat und für den er von Lou Reed die Sonnenbrille, von Jim Morrison die Lederhose sowie von Elvis Presley die Jacke & auch ein wenig die Haare :-) „geklaut“ hat, mit anderen Worten: Bono hat sich, vor allem zum Zwecke der Parodie, einen „Rock-Star“ aus einem Baukasten zusammengebaut, einen echten „leather-clad egomaniac“ :-), wenn man so will. Noch einprägsamer als die Bühnenfigur „The Fly“ war aber bei der besagten Tour dann nur noch der „devilish“ „Mister MacPhisto“ :-).

„Johnny, take a walk with your sister the moon / Let her pale light in, to fill up your room / [...] It’s alright, it’s alright, it’s alright / She moves in mysterious ways [...]“ (Copyright: „Mysterious Ways“) – ein wahrer U2-Klassiker ist natürlich auch „Mysterious Ways“, ein Song, der von einem Mann handelt, der „with little or no romance“ lebt und, so wie Bono im Zusammenhang mit dem Track gemeint hat, „die Tendenz zur `glorification of women` hat“ :-). Sicherlich zählte „Mysterious...“ seinerzeit zu jenen Stücken auf „Achtung Baby“, die einen „umgehend `gecatcht` haben“ und die man, auch als „alter U2-Fan aus den 80er-Jahren“, im Grunde „sofort akzeptiert“ hat :-).

Nie so richtig `gecatcht` haben mich hingegen „Ultra Violet (Light My Way)“ & „Acrobat“, beides Songs, die ebenfalls von „spirituellen Krisen“ und von „struggles with self-identity“ handeln, allerdings nicht so „einnehmend“ wie die restlichen Songs auf „Achtung Baby“ – „And don’t let the bastards grind you down“ [Copyright: „Acrobat“] :-).

Richtige „Juwelen“ sind hingegen „Tryin‘ To Throw Your Arms Around The World“, in dem der „Protagonist“ nach einer „night in town“ betrunken nach Hause torkelt und „drunk ambitions“ zeigt [„Six o`clock in the morning, you’re the last to hear the warning / You been tryin` to throw your arms around the world / [...] Gonna run to you, run to you, run to you; be still / Gonna run to you, run to you, woman, I will“] :-), sowie natürlich der geniale Schluss-Song „Love Is Blindness“, der ebenfalls zu den „death of a relationship“-Liedern des Albums gehört („Love is blindness, I don’t want to see / Won’t you wrap the night around me? / Oh, my love / Blindness“), was nicht weiter verwunderlich ist, denn er wurde primär von der Tatsache „inspiriert“, dass The Edge’s erste Ehe seinerzeit „zu einem Endpunkt“ gekommen war, was, wie Bono einmal gemeint hat, für die gesamte Band irgendwie „a difficult situation“ & „hard to handle“ gewesen sei.

Gut, „miserable stuff“ hin oder her :-), „Achtung Baby“ und vor allem auch die gigantische „Zoo-TV“-Tour mit all ihren „vidi-walls“ & „`bizarre slogans`, die da auf die Retina gebrannt wurden“, präsentierten letzten Endes sogar irgendwie „a more cheerful U2“ :-), was allein schon im bunten Artwork des Albums zum Ausdruck kam, denn dieses markierte auch das Ende der „mürrischen Männer“, die Anton Corbijn’s Schwarzweißbilder in den 80er-Jahren stets abgebildet hatten :-), denn der Starfotograf wurde bei „Achtung Baby“ von der Band „an die Erfindung der Farbfotografie“ erinnert :-).

Ach ja: „One“ ist im Laufe der Zeit einige Male gecovert worden, darunter auch von Johnny Cash, aber keine Cover-Version war besser als die, welche U2 „zur Hälfte selbst zu verantworten hatten“, denn die „best cover version of `One`“ ist immer noch jene, die die Band zusammen mit der R&B-Ikone Mary J. Blige 2006 „zum Besten gegeben hat“ :-).

51. GOOD OLD BOYS – RANDY NEWMAN (1974)

Anmerkung: „We’re Rednecks, we’re Rednecks / And we don’t know our ass / From a hole in the ground / We’re Rednecks, we’re Rednecks / And we’re keeping the / N*****s down“* (aus dem Song „Rednecks“, der gleichzeitig der Opener des Albums ist; *sämtliche Texte gemäß CD-Booklet) – zu dem brillanten Singer & Songwriter Randy Newman (wahrscheinlich populärster Song: „Short People“ vom Album „Little Criminals“ aus dem Jahr 1977) bin ich sozusagen erst „über einen filmischen Umweg“ geraten, denn ein einstmals sehr populärer Joe-Cocker-Song, nämlich das großartige „You Can Leave Your Hat On“ aus dem Adrian-Lyne-80er-Jahre-Erotik-Klassiker 9 ½ Wochen (1986) mit Kim Basinger & Mickey Rourke, der auch über eine in der Tat denkwürdige „Striptease-Szene“ im Film gelegt ist :-), stammt in Wahrheit aus der Feder von Newman und war bereits Teil von dessen großartigem Album „Sail Away“ aus dem Jahr 1972, das man, wie eben auch „Good Old Boys“, getrost zu den ganz großen Alben der Musikgeschichte zählen kann, und das nicht zuletzt wegen des fantastischen Titelsongs, der die „African Slavery“ thematisiert („Sail away / Sail away / We will cross the mighty ocean / Into Charleston Bay“ ), und wegen des besagten „You Can Leave...“, der gleichsam „in der Originalfassung jenseits des Cocker’schen Kommerzes“ tatsächlich als das rüberkommt, was er ist, nämlich als das Porträt eines „Nerd“, der, wie Newman das einmal so ähnlich ausgedrückt hat, irgendwie der „King of Sleazy, but in a very weak way“ :-) ist („Baby take off your coat... / (Real slow) / Baby take off your shoes... / (Here I’ll take your shoes) / Baby take off your dress / Yes. Yes. Yes. / You can leave your hat on (3x)“).

Nun, nach dem „stunning“ „Sail Away“ lieferte Newman 1974 mit „Good Old Boys“ einen, sagen wir mal, „konzeptuellen `Circle of Songs`“ ab, der gleichsam „Das Gute, das Böse & das Hässliche“ des amerikanischen Südens thematisierte. Der „groundbreaking“ & „hoch kontroversielle“ Longplayer wird von manchen, und ich schließe mich dieser Meinung vorbehaltlos an :-), als eines der ambitioniertesten & besten Alben der gesamten „rock era“ betrachtet.

Es bedarf gewiss einer Menge Mut und vor allem auch einer ganzen Menge an „musikalischer Skills“, um dermaßen „dangerous ground“ zu betreten und um sich gleichsam in dieser nicht peinlichen und vor allem auch nicht anmaßenden Art & Weise mit „Rassen-Fragen“ auseinanderzusetzen, mit „race relations“, wobei sämtliche dieser „challenging songs“ so etwas wie einem „Southern Discomfort“ „huldigen“ :-).

„Last night I saw Lester Maddox / On a TV show [...]“ (Copyright: „Rednecks“) – Newman’s eindrucksvolle und genauso zeitlose wie ernste „musikalische Kurzgeschichten-Sammlung“ startet mit „Rednecks“, aus dem bereits weiter oben zitiert wurde, und der Song gibt auch gleichzeitig sozusagen „die eigene Entstehungsgeschichte“ wieder, denn Newman schrieb ihn als Reaktion auf die Behandlung des einstigen Langzeit-Gouverneurs von Georgia Lester Maddox in der „Dick Cavett Show“ „on TV“, denn Maddox kam in der in New York aufgezeichneten Show praktisch nicht zu Wort und wurde vom Publikum ausgelacht, was Newman quasi „angry“ werden ließ bezüglich der „New York Audience“ und bezüglich des „TV host“. Diese Vorgänge rund um den als „Rassisten“ & „bad guy“ geltenden Maddox empfand Newman als einen Beleg dafür, dass „the Northeners“ im Grunde genauso „reich an Vorurteilen“ waren als die „Leute des Südens“ („If they think they’re better than / Him they’re wrong / So I went to the park and I took / Some paper along / And that’s were I made this song“). Nichtsdestotrotz ist „Rednecks“ eine giftige Abrechnung mit dem „Südstaaten-Rednecks-Spirit“ („We talk real funny down here / We drink too much and we / Laugh too loud / [...]“), die eben auch „das N-Wort“ nicht ausspart.

Keine „einfachen Antworten“ und kein „Easy Listening“ :-) zeichnen aber auch die anderen Songs auf „Good Old Boys“ aus.

So ist „regionalism“ ein Thema in „Birmingham“, der ein „Nirgendwo ist es schöner auf der Welt“-Feeling verbreitet („Birmingham, Birmingham / The greatest city in Alabam‘ / You can travel `cross this / Entire land / But there ain’t no place / Like Birmingham“), während der „Fan- & Live-Favorite“ „Marie“, den Newman selbst als „völlig untypisch“ für ihn ansieht, als ambivalenter Love-Song daherkommt („[...] Sometimes I’m crazy / But I guess you know / And I’m weak and I’m lazy / And I’ve hurt you so / [...] But I love you and I loved you the / First time I saw you / And I always will love you Marie“).

Das wiederum völlig „Newman-typische“ „Mr. President (Have Pity on the Working Man)“ wurde zufälligerweise aufgenommen, als Richard Nixon seinerzeit, im August `74, das Weiße Haus wegen des Watergate-Skandals verlassen musste (Ausschnitt: „We’re not asking you to love us / You may place yourself high / Above us / Mr. President have pity on / The working man“ usw.).

Ein echtes Highlight auf „Good Old Boys“ und einer meiner Lieblings-Randy-Newman-Songs ist aber „Louisiana 1927“, der „das große Hochwasser & den großen Dammbruch von `27“ thematisiert und über eine ausnehmend schöne Eingangspassage verfügt, die zumindest mir persönlich jedes Mal „Gänsehaut“ verursacht (der besagte Beginn: „What has happened down here / Is the winds have changed / Clouds roll in from the north / And it starts to rain / Rained real hard and rained / For a real long time / Six feet of water in the streets / Of Evangeline“).

Das Thema „Alkoholismus/Sucht zwecks Ertragens der Realität“ wird dann in den brillanten Tracks „Guilty“ & „Rollin‘“ aufgearbeitet, wobei „Guilty“ damals auch als Single veröffentlicht wurde (Auszug aus „Guilty“: „[...] Got some whiskey from the barman / Got some cocaine from a friend / [...] You know, I just can’t stand myself / And it takes a whole lot / Of medicine / For me to pretend that I’m / Somebody else“).

Neben Lester Maddox kommt aber vor allem auch noch eine zweite ambivalente „Südstaaten-Figur“ auf „Good Old Boys“ vor, und zwar der „Depression-era politician“ Huey P. Long, der, wie man auf der Rückseite des Albums unter einem S/W-Foto von Long erfahren kann, zwischen 1928 – 1935 sowohl „Governor of Louisiana“ als auch „Senator“ war. Das Original zur, für Newman’s Verhältnisse, raren Coverversion „Every Man a King“ stammt von Long, der dann wiederum als „character“ auch im Zentrum des darauf unmittelbar folgenden Songs „Kingfish“ steht.

„Old lady stand on the corner / With a purse in her hand / She does not know but in a / Minute or so / She will be robbed by a naked man“ (Copyright: „Naked Man“) – „Little Criminals“ heißt eben nicht nur ein Album von Newman, sondern „little criminals“ waren stets auch ein Teil des „Newman-Song-Personals“. Ein weiteres Lieblingsstück meinerseits auf „Good Old Boys“ ist das formidable „Naked Man“, in dessen Zentrum eben ein Mann steht, der, „while naked“ :-), offenbar im Begriff ist, einer alten Frau die Geldbörse zu stehlen [„Beware, beware, beware of / The Naked Man“ :-)].

Newman, der bekanntlich auch für populäre & sogar Oscar-prämierte Filmmusik (für: Die Monster AG von 2001) verantwortlich zeigte, hat, wie der Filmemacher David Lynch, in seinem Werk gleichsam stets die „dark corners of human nature“ untersucht und einen „schonungslosen Blick“ auf Figuren gelegt, die manche als „Monster“ empfinden würden. Der Singer-Songwriter titulierte Lynch’s bahnbrechende TV-Serie Twin Peaks (1990/91; 2017) einmal als „fake weird“, während er Lynch’s Kinoklassiker Blue Velvet (1986), völlig zurecht :-), als „sort of real weird“ bezeichnete, und dies im Zusammenhang mit seinem eigenen Song „Back On My Feet Again“, der als 11. und vorletzter Track auf „Good Old Boys“ enthalten ist, denn den genialen „Back On My Feet Again“ sah Newman tatsächlich als „genuinely strange song“ :-) an, der irgendwie auch das Zeug zu einem „Single-Hit“ gehabt hätte, der er nie geworden ist :-) („Doctor, Doctor, what you say / How `bout letting me out today? / Ain’t no reason for me to stay / Everybody’s so far away / Get me back on my feet again / Back on my feet again / Open the door and set me free / Get me back on my feet again“).

Nicht unerwähnt lassen bei einem Album, das seinen detailreichen und eben „gnadenlosen“ Fokus auf „subjects“ wie „race“, „love“ und „death“ wirft, darf man das wunderbar sarkastische „Love and Marriage“-Epos „A Wedding in Cherokee County“, welches von einer „einzigartigen Verbindung“ :-) berichtet [„[...] I think she’d kill me if she could / Maybe she’s crazy I don’t know / But maybe that’s why I / Love her so / [...] Maybe we’re both crazy / I don’t know / Maybe that’s why I love her so“ :-)].

Ein witziger „dokumentierter Randy-Newman-Live-Moment“, der etwa auf dem Best-Of-Album „Lonely at the Top“ (1987) zu finden ist, ist jener Moment, als Newman den „titelgebenden“ Song „Lonely at the Top“ vom „Sail Away“-Album live singt und, aufgrund des eigenen nicht unbedingt riesigen kommerziellen Erfolges seiner „hard & provocative truth“-Alben & -Songs, bei der Textzeile „And all the money I have made“ zusammen mit dem Publikum zu lachen beginnt :-). 

Allerdings drang Newman, der in seinen Songs auch immer sehr gut „in Rollen schlüpfen“ konnte :-), mit dem 74er-Album „Good Old Boys“, auf dem sogar „kommerzielle Giganten“ wie die beiden Eagles-Masterminds Don Henley & Glenn Frey „Background Vocals“ beisteuerten, trotz „tiefsinniger Texte“ & „subtiler Orchestration“ :-), seinerzeit bis auf Nummer 36 der US-Album-Charts vor – „Oh, it’s lonely at the top“ :-).

50. SCOUNDREL DAYS – A-HA (1986)

Anmerkung: „They forgive anything, but greatness / These are the scoundrel days“ (aus dem „really fabulous title track“ „Scoundrel Days“) – nun, bemerkenswerterweise ist das erfolgreiche Debütalbum von a-ha, nämlich „Hunting High and Low“ aus dem Jahr 1985, rein „Anschaffungs-chronologisch“ betrachtet, das letzte aus der Reihe der „großen Alben“ der norwegischen Band, die in meinen Besitz gewandert sind, und zu den besagten „großen a-ha-Alben“ zähle ich sämtliche Longplayer vom Debüt bis inklusive „East of the Sun, West of the Moon“ (1990), auf dem sich, unter anderem, der wirklich formidable Song „Crying in the Rain“ befindet.

Natürlich, das melancholisch angehauchte „Hunting...“, mit dem Morten Harket, Magne Furuholmen & Paul Waaktaar-Savoy Mitte der 80er-Jahre „von England aus durchstarteten“, enthält den Welthit „Take On Me“, der von einem der besten Musikvideos aller Zeiten „flankiert“ wurde, sowie das geniale titelgebende „Hunting High and Low“ und „The Sun Always Shines on T.V.“, einen Song, den man ebenfalls als „a-ha-Klassiker“ bezeichnen muss, aber ansonsten bietet das 85er-Debüt, das ich erst so seit 14 oder 15 Jahren mein Eigen nenne, mal abgesehen vielleicht noch von dem Song „Train of Thought“, auch ein wenig „Füllmaterial“.

Album Nummer Nr. 2 hingegen, „Scoundrel Days“, das im Oktober ´86 in die „record stores“ und wohl nur wenig später in meine Plattensammlung gelangte, halte ich persönlich für so etwas wie „ein musikalisches Meisterwerk“ und würde es auf jede „Best of the 80s-Music“-Liste setzen, genauso wie „The Raw and the Cooked“ (1988) von den Fine Young Cannibals, welches auf diversen „LP-Bestenlisten, die 80er-Jahre betreffend“ ebenfalls oftmalig „unterschlagen“ wird.

„Scoundrel Days“, im Übrigen mitproduziert von dem ehemaligen Cliff-Richards-Mitstreiter Alan Tarney, ist definitiv „darker“, „herausfordernder“ und „vielfältiger“ geraten als der „Vorgänger“, soll heißen: es bietet Songs „of a more complex nature“ und kommt, was auch die „record company“ der Band damals so sah, „much less commercial“ daher als „Hunting...“ (und im Grunde auch als „Stay on These Roads“ von 1988 mit dem James-Bond-Song „The Living Daylights“ oder dem Hit „Touchy!“).

Ein neues „Take On Me“ sucht man hier also vergebens, dafür wird man im Opener „Scoundrel Days“ gleich einmal mit der „eskalierenden Energie“ von Morten Harket‘s reichlich unverwechselbarer Stimme konfrontiert, die nicht nur den Titelsong („And see...as our lives are in the making: / We believe through the lies and the hating / That love goes free“), sondern „später auf der LP“ auch „Manhattan Skyline“ zu einem Erlebnis macht.

Nach dem von brillanten „lyrics“ getragenen „The Swing of Things“ („Have I come to the point where I’m losing the grip / Or is it still time to get into the / The swing of things“) folgt ein Song, den ich generell zu meinen absoluten Lieblingssongs zähle, nämlich das rockige „I’ve Been Losing You“, der während einer Australien-Tournee der Band entstanden war und der eben überraschend „dominante“ „E-Guitar-Parts“ enthält und somit wenig „pop-star-material“-artig daherkommt („Oh c’mon please now / Talk to me / Tell me: things I could find helpful“).

Der Song „October“ wiederum ist stellvertretend für die Schiene „verspielte Exzentrizität“, die es ebenfalls auf „Scoundrel Days“ gibt und zu der man auch das „lockere“ „Maybe, Maybe“ sowie den „würdigen Schluss-Akt“ „Soft Rains of April“ zählen kann („The soft rains of April are over / The ferry across the water to Dover, over“).

Zwei absolute a-ha-Highlights bleiben auch, „of course“, das über „symphonische Qualität“ & „episch anmutende Melancholie“ und einem reichlich „aufregenden & abwechslungsreichen `pacing`“ verfügende „Manhattan Skyline“ („Now I must wave goodbye / Wave goodbye / You know / I don’t want to cry again (2x) / Don’t want to say goodbye [...]“) sowie das „launige“ „Wolfs-Epos“ „Cry Wolf“, das man seinerzeit, in den 80s und als „Hitparaden-Verfolger“, am ehesten als „veritablen Single-Hit inklusive einem ungewöhnlich gestalteten `typischen a-ha-Video`“ wahrgenommen hat („You can tell all your desperate jokes / To a world that puts / Love on hold / Cry wolf / Time to worry now“).

Während ich persönlich „The Weight of the Wind“ als schwächsten Song innerhalb von „Scoundrel Days“ bezeichnen würde, der „gut in den Strophen“, dafür aber umso „nerviger im Refrain“ ist, stellt „We’re Looking for the Whales“ so eine Art „Geheimfavorit“ meinerseits dar, welcher, vor allem, über einen einprägsamen & „einnehmend gesungenen“ Chorus verfügt („Born into this world with our eyes wide open / Girl / We’re looking for a little, bewildered girl (2x) / We’re looking for the whales“). 

So wie „zweite Bücher“ oder „zweite Filme“ sollen ja auch „zweite Alben“ durchaus ihre „Tücken in der Herstellung“ haben, im Fall von „Scoundrel Days“, von a-ha’s „Schurken-Tage“, jedoch muss man sagen, dass die darauf enthaltenen 10 Songs in gewisser Weise das Dokument einer „Leistungssteigerung“ einer Band waren, die, und das bildet dieses „2nd-Album“ außerdem deutlich ab, offenbar „gekommen war, um zu bleiben“. 

49. TUNNEL OF LOVE – BRUCE SPRINGSTEEN (1987)

Anmerkung: „Well it’s Saturday night / You’re all dressed up in blue / I been watching you awhile / Maybe you been watching me too“ (aus „Tougher Than the Rest“, dem zweiten Song „on the Album“) – nun, das Jahr 1987 kann man wohl als so eine Art „Multi-Platinum Year“ innerhalb der Musikgeschichte bezeichnen, denn eine ganze Reihe „äußerst erfolgreicher Longplayer von äußerst bekannten ´musicians`“ sind in diesem Jahr auf den Markt gekommen, die längst allesamt Klassiker-Status besitzen.

So war Prince mit der Doppel-LP „Sign o` the Times“ am Start, seiner zweitwichtigsten Platte nach dem „Purple Rain“-Album, U2 pflanzten ihren „Joshua Tree“, George Michael lieferte mit „Faith“ sein Solo-Debüt ab, Def Leppard hatten mit „Hysteria“ einen wahren Megaseller im Bereich des „Hard Rock“ und Michael Jackson’s lang erwartetes Nachfolge-Album zu „Thriller“, nämlich „Bad“, war in aller Munde.

Aber auch der „Boss“, Bruce Springsteen, ging `87 mit neuem Material an den Start, und in gewisser Weise hatte er dieselbe „schwierige Aufgabe“ zu bewältigen wie Jackson, denn Springsteen sah sich sicherlich mit dem „übergroßen Schatten“ konfrontiert, den das ikonische „Born in the U.S.A.“-Album (1984) aufgrund des immensen „commercial success“ gleichsam „auf alle weiteren kreativen Projekte“ warf, auch angesichts der Tatsache, dass Hits wie „Glory Days“, „Dancing in the Dark“, „I’m on Fire“ oder „My Hometown“ ganz sicher nicht nur zu „US-Allgemeingut“ geraten waren, wobei man auch sagen muss, dass „Born...“ ohnehin ein Longplayer war, der gefühlt aus lauter „Singles“ oder zumindest „singletauglichem Material“ bestand, ähnlich wie beispielsweise auch das U2-Album „All That You Can’t Leave Behind“ aus dem Jahr 2000, zu dem ich noch kommen werde.

Die Spannung war also damals unter den Fans wirklich groß, wie „ein neues Album von Bruce Springsteen“ klingen würde, und der Moment, in dem ich, „for the first time“, „die neue Springsteen-Single“, das großartige „Samstag-Abend-Ausgeh-Szenario“ „Tougher Than the Rest“ („Some girls they want a handsome Dan / Or some good-lookin‘ Joe, on their arm / Some girls like a sweet-talkin‘ Romeo“), das mittlerweile zu meinen Lieblingssongs „vom Boss“ :-) zählt, im Radio gehört habe, ist mir, komischerweise, ziemlich genau in Erinnerung geblieben, ähnlich genau wie der Moment, in dem ich 1991, endlich :-), „die lang erwartete neue Guns N’ Roses-Single“ „You Could Be Mine“ (vom „Use Your Illusion II“-Album) „on the Radio“ gehört habe.

„Well“, „Tunnel of Love“ ist, wie der Name gleichsam „völlig korrekt andeutet“ :-), ein Album voll mit „Love-Songs“ geworden, die allesamt „unterschiedliche Facetten von Beziehungen aufarbeiten“, von Liebe, von „erfüllter“ bis „zerbrochener“ sozusagen („Spare parts / And broken hearts / Keep the world turnin‘ around“ – aus dem Song „Spare Parts“).

Allerdings ist das Song-Material insgesamt, von der Wirkung her, weniger „opulent“ geraten wie jenes auf „Born...“, und eine gewisse „gechilltere“ Note, wie etwa bei „Cautious Man“, der eine „Story über `a man called Bill Horton`“ erzählt („On his right hand Billy’d tattooed the word love / And on his left hand was the word fear / And in which hand he held his fate was never clear“), lässt einen an die „ruhigen“, gleichsam „meditativen“ Songs denken, die das Album „Nebraska“ (1982) dominierten.

Im tollen Opener „Ain’t Got You“ zum Beispiel, den man „durchaus autobiografisch verstehen könnte“, prallen „Celebrity Life“ & „longing“, also: das „Leben als Star“ & „echte Sehnsucht“, aufeinander („Well I got all the riches baby any man ever knew / But the only thing I ain’t got honey I ain’t got you“), während „All That Heaven Will Allow“ („I got a dollar in my pocket / There ain’t a cloud up above / I got a picture in a locket / That says baby I love you“) nicht halb so „melodramatisch“ daherkommt, wie es die „titelbezogene“ Anlehnung an den Douglas-Sirk-Film „All That Heaven Allows“ (1955) vielleicht vermuten ließe :-).

Ein echtes Highlight auf „Tunnel...“ ist natürlich auch das Ohrwurm-artige „Brilliant Disguise“, das es so gut wie auf jede „Best Of“-Kompilation von Springsteen geschafft hat („I hold you in my arms / As the band plays / What are those words whispered baby / Just as you turn away“), während hingegen der „title track“ des Albums, „Tunnel of Love“ („It’s so easy for two people to lose each other / In this tunnel of love“), für meinen Geschmack jedenfalls, etwas zu stark „Spät-80er-Jahre-Mäßiges“ an sich hat und wie ein „Song, den man über den Abspann eines nicht allzu ambitionierten Films aus jener Zeit gelegt hat“ :-) wirkt.

Ein „favorite“ meinerseits ist aber beispielsweise auch der vorletzte „track“ „When You’re Alone“, in dem wieder mal, wie eben öfters bei Springsteen, man denke da an „Johnny 99“ vom „Nebraska“-Album, ein „Johnny“ vorkommt („Times were tough love was not enough / So you said sorry Johnny I’m gone gone gone“) :-).

Nun, auch wenn dieses eher „kurzweilige“ Album sicherlich nicht ganz das Standing anderer Springsteen-Longplayer genießt und vielleicht gegenüber „Born in the U.S.A.“ für viele wie „one step back“ wirkte, „I love `Tunnel of Love`“ :-) und betrachte das Album als „das zweite große Springsteen-Album, das mich in den 80ern gleichsam `musikalisch entscheidend mitsozialisiert` hat“.

48. ALL THAT YOU CAN’T LEAVE BEHIND – U2 (2000)

Anmerkung: „A mole, living in a hole / Digging up my soul / Going down, excavation / I and I in the sky / You make me feel like I can fly / So high, elevation“ (aus dem Song „Elevation“, der gemeinhin als Song über „Sexualität & Transzendenz“ interpretiert wurde) – nun, wie ich bereits mehrfach innerhalb der „Great Music-Albums“ angedeutet habe, bleiben einem „gewisse Prägungen, den Musik-Geschmack betreffend“ ewig, und bei U2 ist es halt so, dass man sich als „a person“, die mit Alben wie „War“ (1983), „The Unforgettable Fire“ (1984), „The Joshua Tree“ (1987) & „Rattle and Hum“ (1988) aufgewachsen ist, im Grunde bei jeder, und das gilt selbst für „Achtung Baby“ (1991), neuen Album-Veröffentlichung der Band zunächst etwas enttäuscht gefragt hat: „Das soll das neue Album von U2 sein?“ :-).

Während ich „Achtung Baby“ längst als „genial & als Meilenstein“ empfinde :-), bin ich mit „Zooropa“ aus 1993 nie so richtig „warm geworden“, und es ist bezeichnend, dass mir darauf der von Johnny Cash und nicht von Bono gesungene Song „The Wanderer“ noch am besten gefällt :-). Das eher experimentell ausgerichtete „Pop“ hingegen (1997) wird von mir in Abständen von ein paar Jahren „regelrecht gefeiert“, bevor es dann wieder „aus meiner Gedankenwelt und in der Versenkung verschwindet“, allerdings halte ich den „zugehörigen“ Konzertmitschnitt „Popmart: Live from Mexico“ für „eines der besten Dokumente eines U2-Konzerts“.

Bei „All That You Can’t Leave Behind“, der Titel wurde übrigens dem Song „Walk On“, in dessen Zentrum die birmanische Friedensnobelpreisträgerin Aung San Suu Kyi steht, entnommen („And love is not the easy thing... / The only baggage you can bring / Is all that you can’t leave behind“), verhielt es sich eher so, dass ich das Album, auch angesichts von „tracks“ wie „Peace on Earth“ oder „When I Look At the World“, zunächst als irgendwie „banal“ empfunden habe, da das „authentisch Kämpferische“, das man in den 80ern in Songs wie „Pride (In the Name of Love)“ oder „Sunday Bloody Sunday“ zu finden glaubte, darin nicht zu spüren war.

Nun, „All That...“, welches vom Rolling-Stone-Magazin in den frühen 2000er-Jahren sogar mal einen Platz unter den „200 besten Alben der Musikgeschichte“ zugewiesen bekommen hat, ist ganz und gar nicht nicht „banal“ :-), sondern markiert vielmehr die „Abkehr vom Experiment“ & die „Rückkehr zu klareren Songstrukturen“, ohne jedoch eine „Back to the Roots“/„Back to the 80s“-Botschaft auszusenden.

Der Opener „Beautiful Day“ („It’s a beautiful day, the sky falls / And you feel like it’s a beautiful day“), so etwas wie „der Lieblings-U2-Song aller Leute, die sich in Wahrheit gar nicht mit U2 auskennen“ :-), wird gefolgt von dem großartigen Michael-Hutchence-Tribut „Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of“, der in gewisser Weise eine „fiktionale Unterhaltung“ von Bono mit seinem Freund, dem durch Suizid 1997 aus dem Leben geschiedenen INXS-Sänger, darstellt („And if the night runs over / And if the day won’t last / And if your way should falter / Along the stony pass / It’s just a moment / This time will pass“).

Die drei Songs „Kite“, „In A Little While“ & „Wild Honey“ habe ich persönlich immer, „for whatever reasons“, als eine Art „Trio“ empfunden, irgendwie als „zusammengehörig“, wobei sie das thematisch im Grunde gar nicht sind, aber auf einem Album, das vordergründig „aus lauter `Einzelkämpfern` & potenziellen Singles“ besteht, wirken diese „tracks“ dennoch wie eine „edle musikalische Trilogie“.

Im Zentrum von „In A Little While“ („In a little while / Surely you’ll be mine / In a little while...I’ll be there“) steht, glaubt man Bono, offenbar ein „Hangover“, welches „die Nacht zuvor“ in seltsamer Distanz erscheinen lässt. „Wild Honey“ wiederum spielt mit „origins of species and humanity“-Momenten („In the days / When we were swinging from the trees / I was a monkey / Stealing honey from a swarm of bees“), ist aber letztendlich „some kind of `sweet Love Song`“, da Bono’s „lyrics“ zu verstehen geben, dass er „`ihr` selbst `damals`, als Honig-stehlender `monkey`, hinterhergejagt wäre“ („I could taste / I could taste you even then / And I would chase you down the wind“) :-).

„This song is about letting go of somebody you don’t wanna let go off. Could be a lover, could be a father, could be a child, could be a friend. This is `Kite`“ (Copyright: Bono zum Publikum im Rahmen eines Konzerts im Juni 2001 in Boston) – der beste Song auf „All That...“ ist und bleibt aber „Kite“ („Did I waste it? / Not so much I couldn’t taste it / Life should be fragrant / Rooftop to the basement“), eine „melodic“ Meditation über „love & loss“, über „Liebe & Verlust“, der ursprünglich offenbar von einem „Einen-Drachen-steigen-lassen-Ausflug“ Bonos mit seinen „two daughters“ inspiriert wurde („In summer I can taste the salt in the sea / There’s a kite blowing out of control on a breeze“).

Ein Highlight ist aber auch der ruhige Schluss-Song „Grace“, der das „biblische Konzept von Gnade“ aufgreift, diese „grace“ aber gleichzeitig zu einer „woman“ mit dem Namen „Grace“ macht, die „Musik kreiert, wo immer sie auch hingeht und auftaucht“ :-) („Grace, it’s the name for a girl / It’s also a thought that changed the world / And when she walks on the street / You can hear her strings / Grace finds goodness in everything“).

Zusammen mit „All I Want Is You“ vom „Rattle and Hum“-Album sowie „Love Is Blindness“ vom „Achtung Baby“-Album ist „Grace“ sicherlich mit der beste „final song“ auf einem U2-Album.

Übrigens: Dieses „Das soll das neue Album von U2 sein?“-Gefühl, das ich bei „All That You Can’t Leave Behind“ letztendlich zu Unrecht hatte, befiel mich 2004 beim nächsten U2-Album „How to Dismantle an Atomic Bomb“ dann gleich wieder :-).

47. OK COMPUTER – RADIOHEAD (1997)

Anmerkung: „Karma police / Arrest this man / He talks in maths / He buzzes like a fridge / He’s like a detuned radio“ (aus dem Song „Karma Police“, einem der absoluten Höhepunkte des Albums) – wenn es um die „besten Alben der 90er-Jahre“ geht, dann kann keiner an Radiohead’s „OK Computer“ vorbei, genauso wenig wie an „Nevermind“ (1991) von Nirvana oder an „Ten“ (1991) von Pearl Jam.

Obwohl ich, wie aus meinem Ranking ja eindeutig hervorgeht :-), das Album „The Bends“ (1995) mittlerweile diesem Radiohead-Album von `97 vorziehe, so ist und bleibt „OK Computer“ ein faszinierendes Meisterwerk, und „es gab eine Zeit“, so „um 2005 herum“ :-), wo ich „OK...“ gut zwei- bis dreimal die Woche gehört habe, da ich es, ähnlich wie „The Dark Side of the Moon“ (1973) oder „The Wall“ (1979) von Pink Floyd, als eine Art „bewusstseinserweiterndes Ereignis“ wahrgenommen habe, als eine düstere, aber lohnende musikalische Reise mit philosophischem Tiefgang, mit einem erstaunlichen „Klangteppich“ sowie mit auf „sinnvolle“ Weise eingesetzten elektronischen Effekten.

Nun, „philosophischer Tiefgang“ kann einem von einem „work of art“ ja auch vorgegaukelt werden :-) und die zum Teil kryptischen Thom-Yorke-typischen „lyrics“ der Songs auf „OK Computer“ sind eher aus der Kategorie „What do you think it’s about?“ :-), aber ich „unterstelle“ dem Album, dass es „irgendein nicht so angenehmes Lebensgefühl“ der damaligen Zeit, sozusagen „die fortschreitende Digitalisierung betreffend“ :-), brillant abbildet, wobei man auch sagen könnte, dass „OK...“ als Musikalbum dieselben Qualitäten besitzt wie der ebenfalls im Jahr 1997 veröffentlichte David-Lynch-Film „Lost Highway“, denn so wie der Psycho-Thriller „Lost Highway“ etwas von einer virtuos „auf Zelluloid gebannten psychischen Störung“ besitzt, so wirkt das Radiohead-Album eben wie eine virtuos „auf einen Tonträger gepresste `mental disorder`“.

„OK Computer“ ist darüber hinaus, „ein richtiges Album“, das, im Gegensatz zu „The Bends“, „geschlossener“, fast ein wenig „Konzept-Album-artig“ wirkt und über keine „offensichtlichen Chartstürmer“ :-) verfügt, obwohl sich das einprägsame „Karma Police“ („Phew / For a minute there / I lost myself / I lost myself“) oder das komplexe und mit einem virtuosen Gitarrensolo von Jonny Greenwood „ausgestattete“ „Paranoid Android“ [„Please could you stop the noise? / I’m tryin a get some rest / From all the unborn chicken / Voices in my head? / Huh / What’s that? (I may be paranoid, but not an android)“] seinerzeit sogar in die UK-Top-Ten verirrten :-), was heutzutage schlichtweg undenkbar wäre.

Großartig innerhalb „der ersten Hälfte“ des aus 12 Songs bestehenden Albums sind aber auch der Opener „Airbag“ („In an intastella burst / I am back to save the universe!!“) sowie das „Epos-artige“ „Exit Music (For A Film)“ („Sing us a song / A song to keep us warm / There’s such a chill / Such a chill“), ein „track“, der langsam beginnt & dann „die Spannung steigert“, bis diese „am Ende unerträglich wird“ – das Ganze hat definitiv etwas von „Ingmar Bergman plus Suspense“ :-).

Ein recht originelles „interlude“ bildet das von einer „Computer-Stimme“ tatsächlich nur gesprochene „Fitter Happier“, in dem gleichsam „eine Liste bestehend aus guten Vorsätzen“ aufgezählt wird (eine Auswahl: „[...] Eating well (no more microwave dinners and saturated fats) / [...] Careful to all animals (never washing spiders down the plughole) / [...] An empowered & informed member of society (pragmatism not idealism) / [...] Fitter, healthier and more productive“), lauter „How to `better` yourself“-Botschaften, die aber lediglich, wie „zwischen den Zeilen“ und am Schluss herauszuhören ist („A pig / In a cage / On antibiotics“), der „society“ dienen, „jemanden zu bändigen“ :-).

Der Song „Electioneering“ („I will stop / I will stop nothin‘ / Say the right things / When electioneering / I trust I can rely on your vote“) ist dann hingegen „ein ziemlich hartes Stück Rock-Musik“, während „Climbing Up the Walls“ trotz Thom Yorke’s elektronisch verzerrter Stimme reichlich intensiv rüberkommt, bevor das melancholische „No Surprises“ („A heart that’s full up like a landfill / A job that slowly kills you / Bruises that won’t heal“) mehr oder weniger schon das Finale des Albums einleitet, das dann mit dem von subtiler Gitarrenarbeit & einem tollen Solo „unterstützten“ „Lucky“ („Kill me Sarah / Kill me again / With love / It’s gonna be a glorious day“) sowie dem exzellenten „The Tourist“ („Hey man slow down / Idiot slow down“), einem großartigen und reichlich schwermütigen „trip“, der zu den allerbesten Songs von „OK Computer“ gehört, vollendet wird.

Diesem in der Tat irgendwie „gigantischen“ Rock-Album nachfolgen lassen haben Radiohead dann das sperrige „Kid A“ (2000), das sich darin gefallen hat, klassische Song-Schemata aufzulösen, und es ist in gewisser Weise bezeichnend, dass der „Kid A“-Song „Everything In Its Right Place“ Teil eines anderen „schwer zugänglichen Werks“ wurde, nämlich Teil des „reichlich seltsamen“ Tom-Cruise-Films Vanilla Sky (Regie: Cameron Crowe) aus dem Jahr 2001, der einem den Sitznachbarn im Kino ebenfalls eine „What do you think it’s about“-Frage hat stellen lassen :-).

46. AUTOMATIC FOR THE PEOPLE – R.E.M. (1992)

Anmerkung: „Hey kids, where are you? / Nobody tells you what to do, baby / Hey kids, shake a leg / Maybe you’re crazy in the head, baby“ (aus dem Song „Drive“) – nach dem Longplayer „Out of Time“ (1991) waren die einstigen Progressive-Rock-Helden R.E.M. endgültig im Bereich des „mainstream fame“ angekommen, allerdings habe ich den „Millionenseller“ „Out of Time“ immer als ein Album empfunden, das im Grunde nur über lediglich drei Songs verfügt, die meinen persönlichen Geschmack so wirklich treffen, nämlich die beiden Klassiker „Losing My Religion“ & „Shiny Happy People“ und der wunderbare Schluss-Song „Me In Honey“ („It’s all the same, share the pain with me / It’s all the same, save the shame for me / Left me to love / What it’s doing to me“), der aber überhaupt zu meinen Lieblingssongs von R.E.M. gehört.

Da waren mir R.E.M.-Werke aus den 80ern, so wie, natürlich, das „great Album“ „Murmur“ (1983), aber auch „Document“ (1987) mit Song-Highlights wie „Finest Worksong“ oder „The One I Love“ und der weitgehend gelungene Longplayer „Green“ (1988), der so großartige „Tunes & R.E.M.-Hymnen“ wie „Pop Song `89“, „Stand“, „Turn You Inside-Out“, „World Leader Pretend“ oder „Orange Crush“ enthielt, irgendwie „näher“.

1992 ließen aber R.E.M. dem „multi-platinum success“ „Out of Time“, der eben von dem Versuch gekennzeichnet war, „nicht als die Rock-Band rüberzukommen, die man in den 80s gewesen ist“ :-), eines ihrer besten Alben nachfolgen, das aus der Sicht der Bandmitglieder sozusagen auch das bis dato „kohäsivste“ darstellte, welches man auf den Markt gebracht hatte, nämlich „Automatic for the People“.

Der grandiose Opener „Drive“ zählt ebenfalls zu meinen persönlichen R.E.M.-„favorites“, den ich früher zum Beispiel auch stets auf Flugreisen gehört habe, und zwar vorzugsweise dann, wenn das Flugzeug im Begriff war, von der Landebahn abzuheben, denn das, also: der Song zusammen mit dem „Take off“-Moment, bereitete einem, ohne zu übertreiben, echte Gänsehaut :-). Zu erwähnen ist auch das tolle Schwarz-Weiß-Video zu dem Song, in dem R.E.M.-Sänger Michael Stipe gleichsam beim „crowd-surfing“ ist, soll heißen: von einer Masse von Fans „auf Händen getragen“ wird, nur dass man dabei das Gefühl hat, dass er von dieser Masse von Fans „worshipped & torn apart“ zugleich wird :-).

Grundsätzlich sollen Stipe & Co bei den Aufnahmen zu diesem „8th Album of R.E.M.“, das in weiten Teilen in Athens (Georgia), in New Orleans sowie in Seattle eingespielt wurde, vor allem das Thema der „mortality“, der Sterblichkeit, im Kopf gehabt haben, die „Fragilität & gleichzeitige Schönheit des Lebens“, wenn man so will.

In einem Song wie „Try Not to Breathe“ geht es zum Beispiel darum, dass eine Person gleichsam „bereitwillig ins Grab“ steigt, aber gegenüber „ihren Lieben“, von denen sie möchte, dass sie sich an sie „with love“ zurückerinnern, betont, „a full life“ gelebt zu haben („I will try not to breathe / This decision is mine / I have lived a full life / And these are the eyes that I want you to remember“), während „Sweetness Follows“ dominiert von „grief“, von Trauer, ist („It’s this little things, they can pull you under / Live your life with joy and thunder / Yeah, yeah we were altogether / Lost in our little lives / Oh, but sweetness follows“), aber nicht ohne zu betonten, dass „togetherness amongst the living“ der Schlüssel dazu ist, nicht dauerhaft im „eigenen kleinen Leben“ gefangen zu bleiben.

Neben dem „subject“ der Sterblichkeit spielte auch eine gewisse Nostalgie beim Schreiben der Songs eine Rolle, und so wurde „Everybody Hurts“ („If you’re on your own in this life / The days and nights are long / When you think you’ve had too much / Of this life to hang on / [...] Well, everybody hurts sometimes / Everybody cries / Everybody hurts, sometimes“), einer der wohl schönsten Songs der Musikgeschichte, welcher übrigens zunächst als Duett zwischen Patti Smith & Michael Stipe geplant war [das Problem war nur, dass Smith damals gerade auf „`sabbatical` vom Musik-Business“ war :-)], von Nazareth’s „Love Hurts“ (1976) inspiriert.

In „The Sidewinder Sleeps Tonight“ („This here is the place where I will be staying / There isn’t a number, you can call the pay phone / Let it ring a long, long, long, long time“), einem weiteren Favoriten meinerseits auf „Automatic...“, wird zu Beginn die „falsetto melody“ des klassischen „The Lion Sleeps Tonight“ von der Band The Tokens aus dem Jahr 1961 „zitiert“, bevor der „listener“ aber „ganz woanders hingeführt wird“ :-) und sich einem „vernebelten & verschleierten Refrain“ („Call me when you try to wake her up (Call me when you try to wake her up)“ usw.) gegenübersieht – „I don’t want anybody to be able to figure out what this is“, hat Michael Stipe, der ohnehin für seine zuweilen „kryptischen Lyrics“ bekannt ist, mal diesbezüglich gesagt :-).

Ein „key track“ ist sicherlich auch „Monty Got a Raw Deal“, der etwas mit dem Leben von Montgomery Clift & dessen dramatischen „fall from the silver screen“ zu tun hat („Monty this seems strange to me / The movies had that movie thing / But nonsense has a welcome ring / And heroes don’t come easily / [...] Don’t waste your breath (your breath) / For the silver screen“).

Definitiv einer der wichtigsten R.E.M.-Songs, der stets auch ein „Liebling der Fans bei Live-Konzerten“ war, ist und bleibt aber das brillante „Man on the Moon“, der allerdings ebenfalls aus „puzzleartigen `lyrics`“ besteht.

„If you believe they put a man on the moon / (Man on the moon)“ (aus: „Man...“) – Stipe hatte den Song, welcher der letzte war, der für „Atomatic...“ aufgenommen wurde, angeblich erst nach „some kind of writer’s block“, einer Schreibblockade, fertigstellen können, die sich aber offenbar im Endeffekt gelohnt hat :-), denn mit seinen wissenschaftlichen, religiösen und verschwörungstheoretischen Anspielungen & „references“ („Egypt was troubled by a horrible asp / Yeah-yeah-yeah-yeah / Mister Charles Darwin had the balls to aks / Yeah-yeah-yeah-yeah“) sowie einer „Elvis-Imitation“ („Hey Andy, are you goofing on Elvis? `Hey, baby`[gesungen wie von Elvis Presley] / Are you losing touch?“) gerät das Ganze, wie das mal ein Musikkritiker so ähnlich formulierte, zu einer „Raum & Zeit krümmenden Epistel an `the great beyond`“.

Nun, der wichtigste, wenn man so will, „narrative link“ innerhalb von „Man on the Moon“ ist aber dieser „Andy“, der da vorkommt :-), und gemeint ist damit der „in seiner Zeit“ umstrittene US-Komiker Andy Kaufman (1949 – 1984), der Anfang der 90er bereits eine „weitgehend vergessene Figur“ war, den aber nicht nur R.E.M. als „`Hero` mit tausend Gesichtern“ in ihrem Song auftauchen lassen, sondern dem dann auch der Regisseur Milos Forman 1999 mit seinem Film Der Mondmann / OT: „Man on the Moon“ mit Jim Carrey & Courtney Love ein durchaus berührendes Denkmal gesetzt hat.

„By the way“: Die zahlreichen „Yeahs“, die in „Man on the Moon“ vorkommen, sind dem Umstand geschuldet, dass Stipe sozusagen „in Konkurrenz zu Nirvana’s Kurt Cobain“ treten wollte, der all diese Songs mit zahlreichen „Yeahs“ darin geschrieben hatte :-) – „I was determined to challenge myself to write a song that had more `yeah’s` than anything that Kurt had written“ (Copyright: M. Stipe).

Das in der Tat sensationelle „Automatic for the People“, das den „Soundtrack der frühen 90er“ ganz entscheidend mitgeprägt hat und „durchaus gut gealtert ist“, erwies sich als „creatively“ und „commercially“ äußerst zufriedenstellend für die Band und es wurden „over 18 million copies worldwide“ abgesetzt, was fast dem Doppelten des Vorgängers „Out of Time“ entsprach.

45. MONSTER – R.E.M. (1994)

Anmerkung: „You’ve got a little worry / I know it all too well / I’ve got your number / But so does every kiss and tell / [...] You came to bang, bang, bang, bang, bang / Then blame, blame, blame“ (aus dem Song „Bang and Blame“, der vielleicht am ehesten nach dem „klassischen R.E.M.-Territorium“ klingt) – ja, gleich noch ein R.E.M.-Album :-). Nach dem „kommerziellen `peak`“ mit den beiden Longplayers „Out of Time“ & „Automatic for the People“, auf denen „akustische Elemente“ sowie „Pop-Orchestration“ eine „ungewöhnlich hohe Anzahl“ von Balladen mit sich gebracht hatten, empfand das Quartett Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills & Michael Stipe, dass es an der Zeit war, „in die entgegengesetzte Richtung“ zu gehen und ein „big risk“ einzugehen, wobei R.E.M. ja ohnehin, ähnlich wie die „kommerziellen Überflieger der 70er“ Pink Floyd, schon zuvor eine Band war, deren „Mainstream-Erfolg“ sich eher durch „das Fällen unorthodoxer Entscheidungen“ eingestellt hatte als durch das allzu offensichtliche Streben, „music for the masses“ zu produzieren :-).

Nun, „Monster“, das „9th Album of R.E.M.“, welches mir persönlich also „noch eine Spur besser gefällt als der Vorgänger `Automatic...`“ :-), ist sicherlich das lauteste & raueste der Band, und statt mit „Up-Tempo-Rock-Songs“ wurde man zum Teil mit einem fast sexy & sinister klingenden Michael Stipe („I thought he really went sexy with the lyrics which I really enjoyed“ – Mike Mills über Stipe) sowie „abstract noises“ & Tremolo-Effekten konfrontiert, was „Monster“ zu einem Werk machte, das sozusagen „keinerlei Entsprechung in der Diskografie von R.E.M. hatte“.

Die Band wollte also „like a different band“ klingen und den Musikern war bewusst, dass die Fans eher bereit für ein „Automatic for the People Part II“ gewesen wären und „a new record“ unausweichlich durch das „strahlende Prisma“ der beiden Vorgänger-Alben betrachten würden.

Wichtige Inspirationsquellen für R.E.M. waren damals, einerseits, aber auch U2 und die „theatralische Richtung in puncto Rock-Musik“, die die Iren mit „Achtung Baby“ & „Zooropa“ eingeschlagen hatten, sowie, andererseits, die Grunge-Bewegung, die, ums mit einem Songtitel von Pearl Jam zu sagen, Mitte der 90er-Jahre noch ziemlich „Alive“ war :-).

Nun zu einigen Songs dieses insgesamt bemerkenswerten und aus „12 Liedern“ bestehenden Albums, in deren Zentrum durchaus „`creepy characters`, die von diversen Obsessionen geplagt werden“ stehen, wobei Michael Stipe betont hat, dass das alles der Fantasie entsprungen und eben nicht „autobiographical“ zu verstehen ist.

„`What’s the frequency, Kenneth?` is your Benzedrine, uh-huh“ – der Opener „What’s the Frequency, Kenneth?“, den man als größten Hit des Longplayer & als „Best-Of-Album-Fixstarter“ bezeichnen muss, handelt, wenn man so will, von „media and marketing“ und spielt darüber hinaus mit Zitaten aus dem Richard-Linklater-Film Rumtreiber / OT: „Slacker“ von 1990.

Einer dieser besagten „nicht autobiografischen `creepy characters dealing with bad obsessions`“ :-) steht dann im Mittelpunkt von „Crush with Eyeliner“, wobei der besagte „crush“ des „schwärmerischen Erzählers“ ein, wie’s in den Lyrics heißt, „[...] real woman-child“ ist, in das er „vernarrt“ zu sein scheint („[...] I could be your Frankenstein / My crush with eyeliner / I am smitten / I’m the real thing (I’m the real thing) / Won’t you be my valentine? / My crush with eyeliner“).

Der offenbar „nach einem berühmten Scorsese-Movie mit Robert De Niro & Jerry Lewis“ benannte :-) Song „King of Comedy“ („Make your money with exploitation / Make it holy illumination / Say a prayer at every station [...] / I’m not king of comedy / I’m not your magazine / I’m not your television“), von dem die Band zugeben musste, dass er „live“ de facto „unspielbar“ war, handelt vom Spannungsfeld zwischen Kunst & Kommerz, von dem Wunsch nach „freiem künstlerischem Ausdruck“ und der Tatsache, lediglich „a cog in the machine“ zu sein :-).

Ein weiterer „tune“, der, genauso wie „Bang and Blame“, noch am ehesten nach „den guten alten R.E.M.“ klingt :-) und der gleichzeitig zu meinen „Lieblingssongs auf `Monster`“ gehört, ist „I Don’t Sleep, I Dream“, welcher einem die „Affektiertheit“ des vorangegangenen „King of Comedy“ auch gleich wieder vergessen lässt („There’s one thing I can guarantee / You won’t have to dig, dig too deep / Said leave me to lay, but touch me deep / I don’t sleep, I dream / I’ll settle for a cup of coffee / But you know what I really need“).

Im faszinierenden „Strange Currencies“ wird man mit einem „lovelorn protagonist“ :-) konfrontiert („[...] And I don’t know what you mean to me / But I want to turn you on, turn you up, figure you out / I wanna take you on / These words, `You will be mine` (2x) / All the time“), wobei der Song von INXS-Sänger Michael Hutchence „inspired“ wurde, von dem damals offenbar nicht nur Bono „geklaut“ :-) hat, sondern auch Stipe, der mit Hutchence ebenfalls sehr gut befreundet war und diesen, absolut zurecht, für einen „oft vergessenen & übersehenen ´touchstone` der damaligen Musiker-Generation“ hielt.

Einen zentralen Track stellt auch „Tongue“ dar, den Stipe als „ziemlich brutal“ bezeichnet hat. Das Besondere an dem Song ist, dass er aus einer „female perspective“ geschrieben ist und von einer Person handelt, die „being used“ ist und sozusagen nichts dagegen unternimmt („I want to tell you how much I hate this / Don’t leave that stuff all over me / It pains me / Please just leave me“), wobei am Ende der Vergleich mit einem „Karamell-Bonbon“ auftaucht, das „weggeworfen wurde und Staub sammelt“ („Caramel turn on a dusty apology“).

Der „Guitar Part“ in „Let Me In“, der als Tribut-Song an Kurt Cobain gedacht war, welcher bekanntlich „in early 1994“ freiwillig aus dem Leben geschieden war, stammt übrigens von Bassist Mike Mills und nicht von Gitarrist Peter Buck, wobei Buck auf „Monster“ aber ohnehin eine stilistische Abkehr von seinem „klirrenden Gitarren-Sound“ zelebrierte, der ansonsten die R.E.M.-Ästhetik stets ganz entscheidend bestimmt hatte. Mills spielt auf „Let Me In“, in dem auch „Rettungsfantasien“ („I had a mind to try to stop you / Let me in, let me in / Well, I got tar on my feet / And I can’t see all the birds look down and laugh at me / Clumsy, crawling out of my skin“) vorkommen, sogar eine Gitarre der Grunge-Ikone Cobain.

„Monster“ ist, im besten Sinne, ein „seltsames“, intensives & teilweise „erschreckendes“ Album geworden, das seinerzeit völlig zu Unrecht eine „shitty reception“ erfahren hat, den berühmten „test of time“ aber im Grunde besser überstanden hat als beispielsweise „Out of Time“ :-).

44. UP! – SHANIA TWAIN (2002)

Anmerkung: „`Cause I’m keeping you / Forever and for always...That’s right, Willie!... / We will be together all of our days / Wanna wake up every morning to your sweet face – always [...] ...Happy Birthday, Willie!“ (die beim Singen auf einem Stuhl sitzende Shania Twain wendet sich immer wieder an den neben ihr mit seiner Gitarre stehenden Willie Nelson; aus einer „Live-Perfomance“ von „Forever and For Always“, einem der zentralen Hits aus dem Album „Up!“, im Rahmen einer Art „Willie Nelson & Friends“-Veranstaltung anlässlich des 70. Geburtstags des Musikers) – nun, wirft man einen Blick in meine „CD-Bestände“ :-), so zeigt sich, dass ich, lässt man mal „Greatest Hits“-Alben von Künstlerinnen wie Cher, Linda Ronstadt, Christina Aguilera oder Loretta Lynn beiseite, unter anderem „wichtige Alben“ von folgenden Sängerinnen besitze: Carole King („Tapestry“), Joni Mitchell („Blue“), Patti Smith („Horses“), Tori Amos („Little Earthquakes“), Mary J. Blige („My Life“), Lauryn Hill („The Miseducation of Lauryn Hill“), Madonna („True Blue“, „Music“, „Ray of Light“), Katie Melua (z. B. „The House“), Dido (z. B. „No Angel“ & „Life for Rent“) & Whitney Houston („Whitney Houston“ & „Whitney“) :-).

Meine absolute Lieblingssängerin „seit rund 20 Jahren“ :-) ist aber, wie ich ja auch schon mal in einer Beschreibung (siehe Platz 25) ihres Millionen-Sellers „Come on Over“ (1997) leicht angedeutet habe :-), Shania Twain, und in letzter Zeit habe ich mich, wiederholt :-), in diverse Live-Auftritte der Sängerin, so wie „Live in Dallas“ (1998) oder „Up! – Live in Chicago“ (2003) „eingearbeitet“, wobei vor allem der Auftritt in Dallas aus `98, im dessen Rahmen natürlich Songs aus „The Woman in Me“ & „Come on Over“ präsentiert werden, „great energy“ besitzt und „big fun“ darstellt, aber auch der interessante „Rasta-Look“ von Twain trägt irgendwie „seinen Teil“ zur „tollen Live-Atmosphäre in Texas“ bei :-) – „Shania Rocks!!!“, wie’s auf einem „selbstgeschriebenen“ Plakat eines weiblichen Fans heißt, gilt „in der Halle in Dallas“ letztendlich fast noch mehr als bei dem „Open-Air-Auftritt im Park in Chicago“, wo das besagte Plakat tatsächlich in die Höhe gehalten wurde :-).

2002 kam also das „von den (zumeist tatsächlich weiblichen) Fans lang erwartete“ :-) Nachfolge-Album zu „Come on Over“ auf den Markt, nämlich „Up!“, das ich dann, aus welchen Gründen auch immer, „im Jahr 2005“, glauben Sie’s oder nicht :-), wohl ähnlich oft gehört habe wie Radiohead’s „OK Computer“ :-).

„Up!“ bot Twain die Gelegenheit & die Freiheit, all ihre „musical roots“ zu erforschen und „many styles of music“ durchzuexerzieren. Diese „Stil-Vielfalt“ ist, nach eigenen Angaben, auch als Reminiszenz an jene Zeit zu verstehen, in der die Sängerin in ihrer Jugend der „local radio station“ lauschte, die, und das alles innerhalb von nur einer Stunde :-), Songs von so unterschiedlichen „artists“ wie Stevie Wonder, den Bee Gees, Supertramp & Dolly Parton spielte.

„Up!“ geriet in gewisser Weise zu einem „Mega-Projekt“, da die Absicht, „Music with different flavors“ zu kreieren, gleich 19 Songs sowie 2 CDs benötigte, denn hatte man schon von „Come on Over“ eine nicht so „Country-lastige“ „internationale Version“ angefertigt, die allerdings meiner Meinung nach der originalen Country-Version „unterlegen“ war, so bestand das ohnehin „musikalisch farbenfrohe“ :-) Album „Up!“ gleich von vornherein aus einer „Green CD“, die ein „more acoustic down-home feel“ verbreitet, und einer „Red CD“, die einen „electric, rockier-edged sound“ anzubieten hat. Abhängig, in welcher Stimmung man ist, kann man also zwischen den „Styles“, zwischen der Country-Version & der Pop-Version, wählen, so der Grundgedanke von Twain.

Den Titelsong dieses sehr erfolgreichen Albums, den Opener „Up!“ („Up – up – up / Can only go up from here / Up – up – up – Up / Where the clouds gonna clear“), kann man durchaus als „uplifting“ bezeichnen :-), aber das erste Highlight stellt sicherlich „I’m Gonna Getcha Good!“ dar, zu dem ein sehr spezieller & durchaus witziger Videoclip gedreht wurde, in dem Twain, ein wenig gekleidet wie eine „mixture“ aus „Superheldin“ & Emma Peel :-), in einer „Star-Wars-artigen Stadt“ und auf einem futuristischen „motorcycle“ fahrend von einem riesigen „flugfähigen“ Roboter verfolgt wird, was den „Love-Song-Text“ dieses „catchy tune“ („Oh, yeah / So, don’t try to run - / Honey, love can be fun / There’s no need to be alone - / When you find that someone“) wahrlich „ironisch bricht“ und man sich zunächst fragt, wem eigentlich „die amouröse Absicht, die da so entschlossen bekundet wird“ („I’ve already planned it - / Here’s how it’s gonna be / I’m gonna love you and - / You’re gonna fall in love with me“) gelten soll :-).

„Now this next song is very important to me. I really believe that beauty is much much beyond skin deep, even though we have very many beautiful people here tonight“, meinte Twain im Rahmen ihres Chicago-Konzerts vor einer Performance von „She’s Not Just A Pretty Face“, einem Song aus „Up!“, der als eine Art „appreciation“ gedacht ist („No, she’s (she’s) not (not) - / Just a pretty face / She’s (she’s) got (got) – everything that takes“ usw.).

Definitiv einer der besten Shania-Twain-Songs ist und bleibt aber „Forever and For Always“ („And there ain’t no way - / I’m letting you go now / And there ain’t no way - / And there ain’t no how / I’ll never see that day“), ein Lied, wie die Sängerin ebenfalls einmal ihren Fans „live zu verstehen gab“, über „love that lasts forever“, wobei eben auch Country-Ikone Willie Nelson (Jahrgang 1933) „bei seinem 70er“ :-) von Twain damit „angesungen“ wurde :-). In diese „Songs über `eternal love`“-Schiene passt im Übrigen auch „When You Kiss Me“, der das Album abschließt.

Ein echtes Highlight ist sicherlich das „Money makes the world go around“-Epos „Ka-Ching!“ („Can you hear it ring / It makes you wanna sing / It’s such a beautiful thing – Ka-ching!“), das nicht nur vom „Klingeln einer Registrier-Kasse“ begleitet wird, sondern außerdem von einem formidablen Video flankiert wurde – man denke nur an die „big rattlesnake“ in der finalen Szene dieses Videoclips :-).

Während selbst „I’m Jealous“, ein Song über, wie unschwer zu erraten ist :-), Eifersucht („If I were the moon, I could / Catch your eye – I’m jealous of the moon“ usw.), keine wirklich schlechte Stimmung verbreitet :-), ist „It Only Hurts When I’m Breathing“ („And it only hurts when I’m breathing / My heart only breaks when it’s beating“) der einzige „heartbreak-song“ auf „Up!“ geworden, welcher, genauso wie der „break-up-song“ „Nah!“, auch bei (dokumentierten) Konzerten zum Einsatz gekommen ist, im Gegensatz etwa zu „Ain’t No Particular Way“ [der „Prolog“: „(Here it comes / Mmm, the thing about love)“], den ich persönlich aber für einen der besten Songs des Longplayer halte.

Nach eigenen Angaben ist (oder war zumindest damals) einer von Twain‘s „favorite places to be“ ihr Auto :-), und ein ansprechender Up-Tempo-Song auf „Up!“ ist „In My Car (I’ll Be the Driver)“ geworden, da diese „Präferenz“ darin irgendwie zu spüren ist und „das Auto“ darüber hinaus zum einzigen Ort hochstilisiert wird, an dem „innerhalb der Beziehung“ echte Freiheit herrscht :-) („Ah, it’s all right if you sleep with / Your socks on – oh, babe! It’s okay! / And you can hurt my head with / Your favorite rock song / I don’t mind – yeah, that’s fine / [...] But in my car – I’ll be the driver / In my car – I’m in control“).

„Up!“ bietet im Grunde nicht mehr und nicht weniger als „19 Ohrwürmer“ an, wobei ich persönlich so gut wie nie zur „roten CD“, also: zur „Pop-Version“, greife, sondern fast immer zur „grünen CD“, zur „Country-Version“, die mir eben, wie schon bei „Come on Over“, musikalisch „weit näher ist“ :-).

43. SYNCHRONICITY – THE POLICE (1983)

Anmerkung: „If we share this nightmare / Then we can dream / Spiritus mundi / If you act, as you think / The missing link / Synchronicity“ (aus dem Song „Synchronicity I“, der definitiv zu meinen The-Police-„Favorites“ zählt) – mit Sting, dem Mann mit dieser wahrlich unverwechselbaren „Trademark-Stimme“, das erste Mal „konfrontiert“ worden :-) bin ich, soweit ich mich erinnern kann, nicht durch seine Musik, sondern in den „1980s“ durch seine Rolle in dem David-Lynch-Film Dune – Der Wüstenplanet (1984), wo der „musician“ jemanden verkörpert, der gerne mit „knifes“ hantiert und dann irgendwann mit einem Messer den späteren Blue-Velvet- & Twin-Peaks-Star Kyle MacLachlan attackiert, der in dem leider von Lynch „etwas in den Wüsten-Sand gesetzten“ Science-Fiction-Epos als „Paul Atreides“ zu sehen ist :-).

Was die Musik von Sting betrifft, kam man in der zweiten Hälfte der 80er, als Musik-Fan, kaum an diversen Songs aus den tollen Solo-Alben „The Dream of the Blue Turtles“ (1985), welches das brillante „If You Love Somebody Set Them Free“ oder das ansprechende „Love Is The Seventh Wave“ („There is no deeper wave than this / Listen to me girl / [...] I said love is the seventh wave“) enthält, und „...Nothing Like the Sun“ (1987), das den „Über-Klassiker“ „Englishman in New York“ („I’m an alien, I’m a legal alien / I’m an Englishman in New York“) sowie „They Dance Alone (Cueca Solo)“ & „Fragile“ in seinen Reihen hat, vorbei.

Als „great“ muss man aber auch Sting’s Solo-Alben „The Soul Cages“ (1991), das z. B. „All This Time“ mit sich brachte, und speziell „Ten Summoner’s Tales“ (1993), welches, unter anderem, Meisterwerke wie das melancholische „Fields of Gold“, aber auch Hits wie „If I Ever Lose My Faith in You“, „Heavy Cloud No Rain“ oder „Love Is Stronger Than Jusice (The Munificent Seven)“ aufzuweisen hatte, bezeichnen.

Nun, bekanntlich gibt es aber ein mehr als interessantes „musikalisches Vorleben“ :-) zu der Solo-Karriere von Sting, und meine „Einstiegsdroge“ in das Universum der einstigen „Super-Band“ The Police, in der sich gleichsam drei absolute Meister ihres Fachs, eben der begnadete Songwriter & Bassist Sting, der „‘great guitar-player‘ mit völlig eigenem Stil“ Andy Summers sowie der „‘great drummer‘ mit unverwechselbarem `Getrommel`“ Stewart Copeland, zusammenfanden, war für mich jener „80er-Jahre-Moment“, als im österreichischen Radio der einstige UK-„Number-One“-Hit „Don’t Stand So Close to Me“ („Young teacher, the subject / Of schoolgirl fantasy / She wants him so badly / Knows what she wants to be“ usw.) aus dem Album mit dem „reichlich exaltierten“ & „verdächtig nach Weltmusik“ :-) klingenden Titel „Zenyatta Mondatta“ (1980) zu hören war, der mich dazu animierte, mein erstes aus einer ganzen Reihe von The-Police-Greatest-Hits-Alben zu kaufen, nämlich die meines Wissens nach seinerzeit „first compilation“ dieser Art betitelt mit „Their Greatest Hits“ (1990), auf der sämtliche zentralen Songs, begonnen von „Roxanne“, „Can’t Stand Losing You“ & „So Lonely“ über „Message in a Bottle“, „Walking on the Moon“ bis hin zu „Every Breath You Take“ zu hören waren – „whatever the heart of a The Police-Fan desired“ also :-).

Nun, The Police haben mit ihren lediglich fünf Studio-Alben sicherlich ein makelloses Œuvre hinterlassen, wobei ich persönlich das „Synchronicity“-Vorgängeralbum „Ghost in the Machine“ (1981), das mit „Spirits In The Material World“, „Every Little Thing She Does Is Magic“ & „Invisible Sun“ („There has to be an invisible sun / It gives its heat to everyone / There has to be an invisible sun / That gives us hope when the whole day‘s done“ usw.) natürlich drei echte Klassiker aufwies, ein wenig „überproduziert“ empfand und insgesamt sogar irgendwie „leicht öde“, kein Vergleich jedenfalls zu „Zenyatta...“ (1980), „Regatta de Blanc“ (1979) & dem Debüt „Outlandos d’Amour“ (1978).

„Synchronicity“, erschienen 1983, das fünfte & finale Album der dreiköpfigen Band, das alles in allem ein wenig „`entspannter` & weniger `ruhelos` wirkt“ als die vier davor, gehört zweifellos zu den besten Alben der 80er-Jahre und fand sich außerdem auch regelmäßig in „Greatest Albums of All Time“-Listen, wobei, was wiederum die Bestätigung einer „uralten Theorie“ von mir ist :-), gewisse „tensions“, Spannungen, die dann zur Auflösung der Band geführt haben, auf dem Album zu spüren sind, ein Umstand, der aber, wie bei „Abbey Road“ (1969) von den Beatles oder „The Long Run“ (1979) von den Eagles, der Qualität keinen Abbruch getan hat, eher im Gegenteil.

Das zweiteilige „Epos“ „Synchronicity I & II“, der Teil II ist dann als „Track 6“ auf dem Album „gereiht“, ist durchwegs „a philosophical masterpiece“, in dem es um, „patterns“, um „Muster des Lebens“, geht, um „Parallel-Ereignisse“, die „symbolisch miteinander verbunden“ sind, wobei ich „Synchronicity I“ („A sleep trance, a dream dance / A shared romance / Synchronicity“) insgesamt mitreißender empfinde als die einstige Singleauskoppelung „Synchronicity II“ („Many miles away something crawls from the slime at the / Bottom of a dark Scottish lake“).

Der Song „Walking in Your Footsteps“, der über „Weltmusik-Elemente“ verfügt, hat etwas „Prähistorisches“ an sich :-) und vergleicht das „Sterben der `human race`“ mit dem Sterben der Dinosaurier („Hey Mr. Dinosaur / You really couldn’t ask for more / You were God’s favourite creature / But you didn’t have a future / Walking in your footsteps“) – The Police’s „Jurassic Park“, wenn man so will :-).

In die Kategorie „persönlicher Favorit meinerseits“ fällt hingegen wieder der von Sting geschriebene Song „O My God“, der oftmals „underrated“ oder gar „vergessen“ wird, „wenn jemand glaubt, sich mit `Synchronicity` auseinandersetzen zu müssen“ :-), aber das religionskritische Werk mit diesen zahlreichen „Fill it ups“ im Text ist schlichtweg fantastisch („Take the space between us - and fill it up some way (2x) / Fill it up, fill it up, fill it u-u-up, fill it u-u-up, fill it u-u-up, fill it u-u-up / [...] My God you must be sleeping / Wake up it’s much too late“).

Irgendwie „schräg“, aber irgendwie auch „fascinating“ :-) ist dann hingegen Andy Summers‘ „Mother“, ein Song, der etwas, wie die Kritik damals angemerkt hat, „Dadaistisches“ an sich hat, mich aber eher, durch das Mutter-Bild, das da entworfen wird („Well every girl that I go out with / Becomes my mother in the end“ usw.), an Alfred Hitchcock’s Psycho oder an einen Dario-Argento-Film oder generell eben an einen „Psycho-Thriller mit Horrorelementen“ erinnert :-).

Zur Bedeutung von Stewart Copeland’s „Miss Gradenko“ („Are you safe Miss Gradenko? / Miss Gradenko are you safe?“) gibt es einige „Interpretationsansätze“, wobei er wohl am ehesten von „verbotener Liebe in einem totalitären System“ handelt. Na ja, Elton John’s „Nikita“ aus 1985 ist eindeutig der schönere Song :-).

Die damalige Seite 2 der LP bot schließlich gleich 3 große Police-Klassiker, wobei natürlich der Megahit „Every Breath You Take“, den „a lot of years“, heutzutage kann man ja davon wahrlich nicht mehr ausgehen :-), so gut wie jeder kannte und der also „Allgemeingut“ war, wohl der schönste Song über...Stalking bleibt :-) („O can’t you see / You belong to me / How my poor heart aches with every step you take / [...] I’ll be watching you / Every move you make / Every step you take“).

Großartig ist, neben „Klassiker Nr. 2“ „Wrapped Around Your Finger“ („You consider me the young apprentice / Caught between the Scylla and Charibdes“ usw.), auch „Klassiker Nr. 3“ „King of Pain“, wobei im Zentrum der genialen „lyrics“, die mit zu den besten gehören, die Sting jemals geschrieben hat, eine Person steht, die sozusagen „so viel `empathy` besitzt, `that it hurts`“ („I have stood here inside the pouring rain / With the world turning circles running `round my brain / I guess I always thought that you could end this reign / But it’s my destiny to be the king of pain / [...] I’ll always be the king of pain...“).

Die „Rückkehr zu Weltmusik-Einflüssen“ :-) markiert hingegen dann „Tea in the Sahara“ („My sisters and I / Have one wish before we die / And it may sound strange / As if our minds are deranged / Please don’t ask us why / Beneath the sheltering sky / We have this strange obsession / You have the means in your possession“ usw.), der von Paul Bowles‘ grandiosem Roman „The Sheltering Sky“ („Himmel über der Wüste“) aus dem Jahr 1949 inspiriert wurde, den der italienische Regisseur Bernardo Bertolucci 1990 mit John Malkovich & Debra Winger in durchaus gelungener Weise für die Kinoleinwand adaptiert hat.

Als „Bonus-Track“ auf Kassetten- & CD-Ausgaben von „Synchronicity“ war seinerzeit, also: `83, was später dann zum Standard bei den diversen CD-Ausgaben des Albums wurde, aber auch noch Andy Summers‘ brillanter „Killer-Song“ „Murder by Numbers“ zu finden, der, wie so einige Songs dieser würdigen „Abschiedsvorstellung“ einer großen Band, in Aufbau & Wirkung etwas „Filmisches“ an sich hat.

„It’s murder by numbers one two three / It’s as easy to learn as your ABC“ – im Zentrum von „Murder...“ steht „senseless violence“ verübt von „Massenmördern der unterschiedlichsten Sorten“ inklusive „politischen Führern“ („But you can reach the top of your profession / If you become the leader of the land / For murder is the sport of the elected / And you don’t need to lift a finger of your hand“).

Ach ja, ein echtes „Schmuckstück“ :-) meiner Sting-Sammlung stellt eine insgesamt aus 3 CDs sowie einer DVD („Rough, Raw & Unreleased: Live at Irving Plaza“) bestehende „Box“ aus dem Jahr 2011 dar, die mit „25 Years“ betitelt ist und welche mit, wie’s auf dem Cover versprochen wird, zahlreichen „intimate photos“ :-) sowie „complete lyrics“ & „newly written commentary by Sting“ seine Solo-Arbeiten betreffend ausgestattet ist.

42. NEW ADVENTURES IN HI-FI – R.E.M. (1996)

Anmerkung: „I wore it like a badge of teenage film stars / Hash bars, Cherry mash and tinfoil tiaras* / Dreaming of Maria Callas / Whoever she is [...] / Aluminium, it tastes like fear / Adrenaline, it pulls us near (I’ll take you over there) / It tastes like fear (I’ll take you over)“ (*tinfoil tiaras: „Alufolien-Diademe“; aus dem Song „E-Bow the Letter“, zu dem Patti Smith die „Background Vocals“ beisteuerte, die ja immer wieder von der Band, speziell von Michael Stipe & Peter Buck, als „major influence“ genannt wurde) – nun, die meisten meiner „Lieblingssongs“ von R.E.M. sind, lässt man mal „Me in Honey“ aus „Out of Time“ & „Drive“ aus „Automatic for the People“ beiseite :-), eher im „Frühwerk“ zu finden, so wie zum Beispiel „(Don’t Go Back to) Rockville“ („Looking at your watch a third time / Waiting in the station for the bus / Going to a place that‘s far / [...] Don’t go back to Rockville (3x) / And waste another year“) oder der „Hochwasser in Athens, Georgia“-Song „So. Central Rain (I’m Sorry)“ (aus dem Beginn: „Did you never call? / I waited for your call / These rivers of suggestion are driving me away / The trees will bend, the cities wash away / The city on the river there is a girl without a dream“) vom Album „Reckoning“ (1984) oder „Fall on Me“ („[...] Buy the sky and sell the sky and tell the sky and tell the sky“ usw.) aus dem Album „Lifes Rich Pageant“ (1986), das, „by the way“, nach einer „phrase“ („life’s rich pageant“) benannt ist, die Peter Sellers in dem Inspektor-Clouseau-Film „A Shot in the Dark“ (OT; 1964; Regie: Blake Edwards; Co-Starring: Elke Sommer) von sich gibt :-).

Ein weiteres Beispiel wäre noch „Driver 8“ („[...] And the train conductor says / Take a break, Driver 8 / Driver 8, take a break / We can reach our destination / But we’re still a ways away, but it’s still a ways away“) aus dem „sehr dunkel geratenen“ Album „Fables of the Reconstruction“ von 1985, wobei das „character-driven“ „Fables...“ vielleicht am ehesten als „Vorgänger“ zu „New Adventures...“ angesehen werden kann, da auch das 85er-Album voll von Figuren ist, „die irgendwo hinwollen, aber noch nicht dort sind oder gar nie dort hinkommen“ :-).

Eine „Ausnahme von der Frühwerk-Regel“ bildet aber auch der oben zitierte „E-Bow the Letter“ aus dem genialen „Spätwerk“ des „Quartetts R.E.M.“ betitelt mit „New Adventures in Hi-Fi“, wobei der Song, der also ebenfalls zu meinen „R.E.M.-Favorites“ zählt, dem früh verstorbenen „teenage film star“ River Phoenix (1970 – 1993; z. B.: Gus Van Sant’s My Private Idaho von 1991 mit Co-Star Keanu Reeves), dem Bruder von „Joker“-Darsteller Joaquin Phoenix, gewidmet ist.

Das Album „New Adventures...“ ist allein deswegen schon bemerkenswert, weil es geschrieben und aufgenommen „on the road“ wurde, und zwar während jener Konzert-Tournee, auf die sich die Band ab Jänner 1995 im Zusammenhang mit ihrem Album „Monster“ begeben hat und die tatsächlich die erste Tournee der Band gewesen ist, seit R.E.M. im November 1989 ihre „Green“-Tour beendet und sich anschließend also eine „Tournee-Abstinenz“ verordnet hatten :-). Interessant in diesem Zusammenhang ist natürlich auch der Umstand, dass R.E.M. in diesen „freiwillig Konzert-losen“ Jahren zu einer der bedeutendsten Bands der Welt mutiert waren, wenn nicht sogar zur „biggest band in the world“ :-), und somit für die besagte Tour gleich 3 Alben im Gepäck hatten, deren Songs (wie: „Losing My Religion“ / „Everybody Hurts“ / „What’s the Frequency, Kenneth?“ etc.) „nie auf der großen Bühne“ zum Einsatz gekommen waren.

„New Adventures in Hi-Fi“, das bei mir 1996/97 „in einer Art Dauerschleife gelaufen ist“ :-), unterscheidet sich vom „elektrischen Overdrive“, von dem „Monster“ bestimmt war, sowie von dem „Folk-Country-Pop“-artigen Style, der „Out of Time“ & „Automatic...“ dominierte. Der „Approach“ ist eher ein „filmischer“ und eher der eines, wie’s ein „big R.E.M.–Fan“ & Musikjournalist mal ausgedrückt hat, „independent road movie“, in dem es um Bewegung & Flucht geht, während „Out of Time“ & „Automatic...“ eher „Blockbuster-Kino“ waren und „Monster“ vielleicht etwas von einem (anspruchsvolleren) „Action-Film“ hatte :-).

Bereits in dem von Michael Stipe persönlich angefertigten „Schnappschuss“, der das ikonische Cover ziert, spiegelt sich gleichsam die Perspektive des gesamten Albums wider, denn zu sehen ist, in Schwarzweiß, ein sogenannter „Inselberg“ in der Amargosa Desert im Südwesten Nevadas und unweit der Route 95, auf der man, wenn man möchte, auch „All the Way to Reno“ ist :-).

Es geht also um eine Reise durch „dunkle Landschaften“, in denen sich „damaged souls“ & „`Characters` in gleichsam `todgeweihten` `landscapes` & Beziehungen“ tummeln und natürlich auch „der Tod selbst“ eine Rolle spielt, mit anderen Worten: dieses Musik-Album enthält sämtliche Themen, die mich auch als Film- & Kino-Fan interessieren :-).

Das „cinematic story telling“ von „New Adventures...“ startet mit „How the West Was Won and Where It Got Us“, wobei man hier den erwähnten „bird“ sowie das „sad story of my life“-Motiv („The canary got trapped in the uranium mine / A stroke of bad luck, now the bird has died / [...] The story is a sad one, told many times / The story of my life in trying times / Just add water, stir in lime / How the west was won and where it got us / Aah!“) irgendwie „stellvertretend“ für die „diversen Dilemmas“ anführen kann, in denen sich die „main characters“ sämtlicher „13 Songs mit Text“ befinden, die auf dem insgesamt aus „14 Tracks“ bestehenden Album enthalten sind.

„The Wake-Up Bomb“ ist ein „true“ Rock-Song („I get high in my low-ass boot-cut jean / I like being seen / [...] My head’s on fire and high esteem / Carry my dead, bored, been there, done that, anything / Oh, the wake-up bomb“) und R.E.M. klingen darin so, wie sie wahrscheinlich bereits auf „Monster“ gerne geklungen hätten :-).

Ganz im Sinne der „programmatischen `Escape`-Ausrichtung“ des Longplayers sind auch das Epos „Leave“ (der Beginn: „Nothing could bring me closer / Nothing could bring me near / Where is the road I follow / To leave, leave?“), das „in den `1990s`“, wenn ich mich da korrekt erinnere :-), noch mein „favorite track“ auf „New Adventures...“ war, sowie „Departure“ („Well, everybody is young forever / There’s so much to tell you, so little time / I’ve come a long way since the whatever / Shit, I still see a word, think of you [...]“).

„It really rocks“, heißt es auch in „Undertow“, der durch Peter Buck’s besonders intensiv geratenes Gitarrenspiel „auffällt“, sowie in „Bittersweet Me“, in „So Fast, So Numb“ („You love it, you hate it / You want to re-create it / Now! This is here, this is me / This is what I wanted you to see [...]“) und dem großartigen „Binky the Doormat“, den ich, heute wie damals, für einen der besten Songs auf dem Album halte („This is horror movie stuff / The muffin is peach, you’re `makin` love‘ / You mean this opera involves handcuffs? / I lay defeated“) :-).

Ein würdiger, „meditativer“ Ausklang & Abschluss dieser epischen „Tour de Force“, die uns „New Adventures...“ bietet, der noch dazu mit einem adäquaten „I’m outta here“ endet :-), ist dann natürlich „Electrolite“, bei dem Michael Stipe „an der Westküste und in Hollywood“ :-) gewisse „Rollenspiele“ betreibt („If I ever want to fly / Mulholland Drive / I am alive / Hollywood is under me / I’m Martin Sheen / I’m Steve McQueen / I’m Jimmy Dean“).

„Well“, der „Let’s challenge ourselves with writing and recording a new record on the road“-Ansatz von R.E.M. hat zu einem Album voll von „akribischer Brillanz“ und zahlreichen „references“ geführt, und „New Adventures in Hi-Fi“ besitzt tatsächlich, wenn man sich drauf einlässt :-), den von der Band angestrebten „Trance-artigen“ Effekt, welchen z. B., um eines der deklarierten diesbezüglichen Vorbilder von Berry/Buck/Mills/Stipe zu nennen, auch ein Album wie Patti Smith’s „Radio Ethiopia“ von 1976 besitzt.

Allerdings: „New Adventures...“ stellte auch „The End of R.E.M. as we know it“ :-) dar, denn danach machte die Band dann sozusagen als Trio weiter.

 41. MAKE IT BIG – WHAM! (1984)

Anmerkung: „If you were there, you’d know / If you were there, you’d know / [...] That I care“ (aus „If You Were There“, der einzigen Cover-Version auf „Make It Big“, denn der Song stammt ursprünglich von der US-Soul- & Funk-Band The Isley Brothers) – es gibt bestimmte Songs oder Alben, die es beim Anhören schaffen, dass man einen verstorbenen „artist“, der im Laufe des eigenen Lebens zweifellos eine „certain role“ gespielt hat, besonders, nennen wir’s am besten so :-), „vermisst“.

Bei dem INXS-Sänger Michael Hutchence (1960 – 1997), „for example“, ist das, für mich persönlich, nicht das Album „Kick“ (1987), sondern der Song „Original Sin“ [„Dream on white boy (white boy) / Dream on black girl (black girl) / And wake up to a brand new day“ usw.] aus 1984, während im Zusammenhang mit Kurt Cobain (1967 – 1994) bei mir witzigerweise eher das Album „In Utero“ (1993) diesen Effekt herbeiführt als die Alben „Nevermind“ (1991) oder das ohnehin erst posthum erschienene „MTV Unplugged in New York“ (1994). Bei AC/DC, um ein weiteres Beispiel zu nennen, wird einem gleichsam der „tragic loss“ ihres ehemaligen Sängers Bon Scott (1946 – 1980), der dann bekanntlich zu „Back in Black“ (1980) geführt hat, speziell auf dem Live-Album „If You Want Blood You’ve Got It“ aus dem Jahr 1978 bewusst, angesichts der tollen Live-Versionen von „Whole Lotta Rosie“ oder „Let There Be Rock“.

Nun, um musikalisch einen möglichst großen Sprung von Nirvana & AC/DC zu machen :-), bei George Michael (1963 – 2016) wird dieser, ums mit einem „song title“ der Rolling Stones zu sagen :-), „Miss You“-„effect“ viel mehr von dem Wham!-Album „Make It Big“ „freigesetzt“ als von den diversen GM-Solo-Alben, wenngleich auch die EP „Five Live“ aus 1993 mit begeisternden Live-Versionen von „Killer“, „Papa Was a Rolling Stone“ oder speziell von Bob Telson’s „Calling You“ da ab und an mit „Make It Big“ mithalten kann :-).

Es mag sein, dass es ganz und gar nicht „cool“ ist oder nie „cool“ sein wird, dieses Pop-Album aus den 80ern, welches im Übrigen „Produced and Arranged by George Michael“ ist, „very good“ zu finden, aber Fakt ist, dass sich die gesangliche Brillanz von GM bereits hier präsentiert, und niemand, der den Song „Like a Baby“ hört, der offenbar von einer „romance“ irgendwo „under foreign skies“ handelt :-), wird behaupten können, dass der Brite nicht singen konnte – „Loving you was as good as gold / As good as gold“ :-).

Das zweite Wham!-Album, das von Sony-Music übrigens auch mal in die Reihe „Alben für die Ewigkeit“ aufgenommen wurde, wo es sich beispielsweise in der Gesellschaft von Werken „like“ Bob Dylan‘s „MTV Unplugged“ (1995) befand :-), ist im Grunde voll von Wham!-Klassikern, lässt man das reichlich amüsante „Credit Card Baby“ [„You can have my credit card, baby / But keep your red hot fingers off of my heart lady“ :-)] oder den leicht melancholischen Love-Song „Heartbeat“ („Another summer, another vacation is over / A September morning with the sun and the smell of the clover“), den ich großartig finde, mal beiseite.

Der Opener „Wake Me Up Before You Go-Go“ („You put the boom boom into my heart / You send my soul sky high when your lovin‘ starts“) macht vielleicht wirklich keinen Sinn :-), dafür aber höllisch Spaß, und das Video, in dem GM & Andrew Ridgeley in diesen „Choose Life“-T-Shirts „in front of a lot of female fans“ herumlaufen, ist aus heutiger Sicht „ein wahrlich erschütterndes Dokument der 80er-Jahre“ :-).

„Everything She Wants“ hingegen, der zweite „track“ „on the album“, kommt da musikalisch/rhythmisch schon weit anspruchsvoller daher, wobei es der Song, als einer der wenigen Wham!-Songs, ja auch in spätere Live-Auftritte des Solo-Künstlers GM geschafft hat, was, außer, dass er auf der Bühne bei den Textzeilen „I guess I must have loved you / Because I said you were the perfect girl for me“ aus den bekannten Gründen kurz ein „ironisches Lächeln“ auf den Lippen hatte :-), von einer gewissen „acceptance“ zeugt. Noch dazu ist das in S/W gedrehte Video zu „Everything She Wants“, das anscheinend Live-Auftritte von Wham! dokumentiert, allein schon durch die Tanzbewegungen von „George“, bei denen es sich im Grunde um ein „Sich-schnell-im-Kreis-Drehen“ handelt :-), sehenswert.

Das Video zu „Freedom“, einem weiteren klassischen Song des Duos („I don’t want your freedom / I don’t want to play around“ usw.), der auf „Make It Big“ zwischen „Like a Baby“ & „If You Were There“ platziert ist, dokumentiert, was überhaupt nicht zu dem Inhalt des Songs passt, eine Konzertreise von Wham! nach China :-), und hier kann man beispielsweise GM bei der Chinesischen Mauer sehen, wie er einen Journalisten filmt, der offenbar gerade ihn filmen möchte :-), oder man wird mit etwas bizarr anmutenden „Martial Arts sequences“ konfrontiert, die chinesische Kampfkünstlerinnen & Kampfkünstler „bei der Arbeit“ zeigen. Wie auch immer: Der Song fehlt bekanntlich auf keiner „Greatest Hits“-Zusammenstellung von Wham! und wurde durch George Michael’s „Abrechnung mit seiner Wham!-Vergangenheit“ „Freedom! `90“ dann auch „fortgesetzt“ und sozusagen „hintertrieben“.

So wie ich GM „in seinen jungen Jahren am liebsten in Erinnerung behalte“ :-) trat er dann in dem Video zu „Careless Whisper“ auf („I’m never gonna dance again / Guilty feet have got no rhythm / Though it’s easy to pretend / I know you’re not a fool“), eine Ballade, die den eindrucksvollen und über sechs Minuten langen Schlusspunkt von „Make It Big“ bildet und die ich, „by the way“, seit „many, many years“ zu meinen Lieblingssongs zähle. Der bartlose GM, der sich in dem besagten Video vor schwarzem Hintergrund an den dicken weißen Seilen festhält und im Laufe der „dramatischen Story“, die einem da präsentiert wird, den „Hetero-Lover“ mimt, das hat schon was :-).

Nun, „Make It Big“ besitzt ganz sicher nicht das Standing von „great 80s pop albums“ wie „Thriller“ von Michael Jackson oder gar „Purple Rain“ von Prince :-), aber auch jenseits der „rosaroten Fanbrille“ betrachtet ergibt sich aus den lediglich 8 Songs in der Tat „ein Album für die Ewigkeit“.

40. 13 – BLACK SABBATH (2013)

Anmerkung: „Is this the end of the beginning or the beginning of the end?“ (aus dem Album-Opener „End of the Beginning“) – nun, irgendwie war „13“ schon der „Anfang vom Ende“ einer großen Band, aber das Album war auch „ein Neubeginn“, denn dass Ozzy Osbourne, Tony Iommi und Geezer Butler, also: mit Ausnahme von Drummer Bill Ward die originalen Mitglieder der Band, noch einmal ein „new studio album“ abliefern würden, war nicht wirklich zu erwarten, wobei das großartige Live-Album „Reunion“ aus dem Jahr 1998, das einmal so etwas wie ein verlässlicher „Reisebegleiter“ für mich persönlich auf diversen „train journeys“ war, ja davon zeugte, dass das „Zusammenspiel“ in der Ur-Besetzung, trotz aller Konflikte davor, wieder für „magic live moments“ von Black Sabbath sorgen konnte. Die beiden „Studio-Tracks“, die dem von „great Sabbath-classics“ wie „War Pigs“ & „Iron Man“ getragenen Konzertmitschnitt aus Birmingham auf „Reunion“ „angefügt“ waren, nämlich „Psycho Man“ & „Selling My Soul“, ließen allerdings „Schlimmes“ vermuten für den Fall, dass sich die Band noch einmal zu einem Studio-Album in der Originalbesetzung mit „Ozzy“ entschließen würde, denn die beiden „tracks“ waren genau von der Sorte und in gewisser Weise von der Banalität/Klischeehaftigkeit, die das Potential in sich birgt, den eigenen Mythos zu zerstören – Bryan Ferry zum Beispiel hat angesichts dieser zweifellos „bestehenden Gefahr“, nämlich, dass eine „legendary rock-band“ „schlechtes neues Songmaterial“ abliefert, stets ein „new“ Roxy-Music-Studio-Album ausgeschlossen :-).

Black Sabbath, das ist für mich „eine Band mit Ozzy Osbourne hinter dem Mikro“, auch wenn der einstige Osbourne-Nachfolger Ronnie James Dio gewiss ein großer Sänger war und speziell der Longplayer „Heaven and Hell“ von 1980, auf dem Dio seine begnadete „Rock-/Heavy-Metal-Stimme“ bei mittlerweile ebenso klassischen Sabbath-Songs wie „Neon Knights“, „Children of the Sea“ oder dem grandiosen „title track“ zur vollen Entfaltung bringen konnte, sicherlich ein großes Album darstellte.

Ozzy Osbourne hat ja, das sei der Vollständigkeit halber angeführt, in den „Sabbath-freien Jahren“, und davon gab es bekanntlich eine Menge nach seinem Abgang aus der Band „after the album“ „Never Say Die!“ (1978), einige wirklich gelungene Solo-LPs vorgelegt, allen voran natürlich „Blizzard of Ozz“ (1980) und „Diary of a Madman“ (1981), auf denen noch der legendäre und leider bei einem „flying accident“ 1982 verstorbene Gitarrist & Osbourne-Freund Randy Rhoads zu hören war.

„Reanimation of the sequence rewinds the future to the past / To find the source of the solution the system has to be recast“ (wiederum aus „End of the Beginning“) – die große Frage im Zusammenhang mit „13“ war also genau jene, die sich bei den Eagles im Konnex mit „Long Road out of Eden“ (2007) stellte, dem ersten Eagles-Studio-Album nach „The Long Run“ von 1979, nämlich: Wie klingt eine Band „after all these years“ auf einem „complete new studio-album“?

Nun, das Ergebnis bei Black Sabbath ist ungleich befriedigender und „überraschender“ als bei den Eagles, deren 2007er-Comeback-Album ein wenig „inhomogen“ daherkam, denn „13“ wirkt so, als ob Sabbath & Osbourne nie getrennte Wege gegangen wären!

„13“ hat demgemäß etwas „Zeitloses“ an sich und macht beim Durchhören einen fast schon „unheimlichen“ Eindruck, denn nicht nur Tony Iommi, ohnehin ein begnadeter Gitarrist und im Übrigen einer meiner Lieblingsgitarristen, wird darauf seinem Ruf als „King of Riffs“ gerecht und liefert ein abwechslungsreiches „Riff-Gewitter“ auf den zum Teil „überlangen“ 8 Songs ab, sondern auch „Ozzy’s Vocals“ hinterlassen im Grunde die bereits angesprochene „impression“, dass die „years of separation“ nach „Never Say Die!“ nicht stattgefunden haben :-).

Nach dem brillanten Opener „End of...“ folgt mit „God is Dead“ eine Sabbath-typische interessante „theologische Diskussion“ („The blood runs free, the rain turns red / Give me the wine, you keep the bread / The voices echo in my head / Is God alive or is God dead? Is God dead?“) und mit „Loner“ ein zwar stereotypes, aber dafür „wohlklingendes“ „Einzelgänger-Epos“ („He’s just a loner / He never says hello / A friend to no one / He’s got no place to go“), das auch bei der „13“ zugehörigen Tournee häufig zum Live-Einsatz gekommen ist und das mich selbst einmal zu einem „Song-technischen Einsatz in einem Text“ :-), nämlich bei der „Aufarbeitung“ des finalen Daniel-Craig-Bonds Keine Zeit zu sterben, animiert hat.

Ein weiteres Highlight und, wenn man so will, Black Sabbath’s „Space Oddity“ oder „Rocket Man“, ist der Song „Zeitgeist“, denn da „fliegt offenbar jemand mit einem `Spaceship` durchs Weltall“ („The love I feel as I fly endlessly through space / Lost in time / I wonder will my ship be found“) und dieser Track verbreitet genau das „I’m falling through the universe again“-Gefühl, das in den Lyrics auch explizit angesprochen wird :-).

Der sogenannte „Geist der momentanen Zeit“ oder, banaler ausgedrückt, „der momentane Zustand der Welt“ ist es auch, der dann in „Age of Reason“ von „Ozzy“ besungen wird, wo, wie in den großen Sabbath-Hymnen à la „Electric Funeral“, das Bild einer „shattered world that’s gonna die“ beschworen wird („These times are heavy and you’re all alone / The battle‘s over but the war goes on“). 

Nun, „I don’t want to live forever but I don’t want to die“, heißt es in dem Song „Live Forever“, und „13“ war wohl tatsächlich Black Sabbath‘s „final studio album“, aber die Band hat damit, wie gesagt, ihren Mythos eher bekräftigt als zerstört, und die „groß aufspielenden älteren Herren“ aus 2013 sind mir momentan fast lieber als mein alter Black-Sabbath-Favorite „Vol. 4“ von 1972, wo die Band, um zwei „great“ Songs auf dem Longplayer hervorzugehen, eher durch „Changes“ ging und bekanntlich etwas „Snowblind“ agierte :-).

39. FAITH – GEORGE MICHAEL (1987)

Anmerkung: „`Cause I gotta have faith...“ (aus dem Song „Faith“) – es ist etwas schwer in Worte zu fassen, „a bit difficult to describe“ :-), wie enorm groß der Einfluss dieses Albums von George Michael auf mich „in my youth“ gewesen ist. „Faith“, das erste „solo album“ des ehemaligen Wham!-Sängers, stellte neben „Bad“ (1987) von Michael Jackson, welche im Übrigen die allererste LP war, die ich „in my life“ besessen habe, den wohl wichtigsten Teil meiner Vinyl-Sammlung in den „1980s“ dar und bildete sozusagen den „Grundpfeiler“, auf dem dann alles Weitere „aufgebaut“ wurde :-).

Meine „joyful anticipation“ auf diesen „first solo effort“ von George Michael, von dem ich ja schon zuvor, als er eben Teil des Pop-Duos Wham! gewesen ist und zusammen mit Andrew Ridgeley so „great pop-songs“ wie „I`m Your Man“ oder „The Edge of Heaven“ abgeliefert hat, „a big fan“ war, muss sehr groß gewesen sein, denn an eine spezielle „school episode“ erinnere ich mich sozusagen immer noch, als ob sie „yesterday“ stattgefunden hätte :-). Als wir nämlich 1987 „in school“ gefragt wurden, was wir denn „so als Nächstes planen“, habe ich den „Plan“ geäußert, mir, sobald das möglich ist, „Faith von George Micheal“ zu kaufen :-).

Nun, natürlich hat diese „George Michael macht auf Hetero“-Phase im Nachhinein etwas „Seltsames“ und „Unauthentisches“ an sich, wobei der seinerzeit kontroversiell diskutierte Song „I Want Your Sex“ („There’s things that you guess / And things that you know / There’s boys you can trust / And girls that you don’t“) , der es bis auf Platz 2 der „US Billboard Hot 100 Singles Charts“ schaffte, im Grunde der schlechteste & „plakativste“ auf „Faith“ ist, und auch musikalisch irgendwie wenig befriedigend :-). In den USA weigerte sich damals der „American Top 40“-„host“ Casey Kasem sogar, den Titel des Songs zu nennen, und sprach statt von „I Want Your Sex“ nur von der „new single by George Michael“.

Der Song „Father Figure“ [„(Baby) / I will be your father figure / (Oh Baby) / Put your tiny hand in mine / (I’d love to)“ usw. :-)], der einer der großen Fan-Favorites war, den George Michael später dann sowohl bei „MTV-Unplugged“ als auch auf der „25 Live“-Tour gesungen hat, ist da, vergleichsweise, „künstlerisch wertvoller“, und das Video, in dem Michael, wie in dem Video zu „I Want...“, den „Hetero-Lover“ in diversen „love scenes“ mimt, ist sogar mein persönliches GM-Lieblingsvideo geblieben, denn: GM als „Taxifahrer, der auch in der Nacht `sunglasses` trägt“ und offenbar ein Model, das sein Fahrgast war, so etwas wie „stalkt“, ist echt „kultig“ :-).

Der titelgebende Song „Faith“, der die zweite Singleauskoppelung darstellte und es auf die Nummer-1-Position der „US Billboard Hot 100“ schaffte, kam gleichsam auch „Outfit-technisch“ „iconic“ daher, denn GM mit Sonnenbrille, mit Lederjacke, in „aufgeschlitzten“ Blue Jeans & mit Gitarre war genau die „Ausstattung“, mit der die Fans den Sänger schließlich auch bei der „Faith“-World-Tour zu Gesicht bekamen, wobei die „leather jacket“ dann 1990 in dem Video zu dem „Befreiungssong“ „Freedom! `90“ aus dem „Listen Without Prejudice Vol. 1“-Album gleichsam als „Relikt aus einer ´inauthentic period`“ in der Nähe von zahlreichen Supermodels in einem Kleiderkasten in Flammen aufging :-).

„I’ve had enough of danger / And people on the streets / I’m looking out for angels / Just trying to find some peace“ (aus „One More Try“) – mein Lieblingssong auf „Faith“ ist und bleibt aber „One More Try“, der die damalige „Seite A“ der LP abschloss, und diese „Originalversion“ dieser edlen & wunderschönen Pop-Ballade ist meines Erachtens zugleich auch die „best version“ des Songs, auch wenn sich George Michael nachher im Rahmen von Live-Auftritten bemüht hat, daraus eine „soulige Ballade“ zu kreieren.

Die „B-Side“ von „Faith“ hatte im Grunde nicht weniger zu bieten als die „A-Side“, denn „Hard Day“, „Look at Your Hands“ & der US-Nummer-1-Hit „Monkey“ besaßen eine „energy“, die man später, quasi als „Fan der ersten Stunde“ :-), auf George-Michael-Alben ziemlich vermisst hat.

Ein völlig „vergessener“ und unterschätzter Song ist allerdings, was mir völlig unbegreiflich ist, „Hand to Mouth“, der, neben all der Fantasien bezüglich „sex and love“, die auf „Faith“ zu finden sind :-), ungewohnt „ernst“ sowie „sozial- und Amerika-kritisch“ rüberkommt („Jimmy got nothing made himself a name / With a gun that he polished for a rainy day / A smile and a quote from a vigilante movie / Our boy Jimmy just blew them all away / [...] I believe in the gods of America / I believe in the land of the free / But no one told me / (No one told me) / That the gods believe in nothing“).

Den wiederum sehr edel klingenden Abschluss des 80s-Vinyl-Albums bildete, auf der CD-Version war ja dann noch als „Track 10“ ein etwas zu „gechillter“ „Part 3“ von „I Want Your Sex“ mit dem Titel „A Last Request“ angefügt :-), die geniale Ballade „Kissing a Fool“ („I guess you were kissing a fool / You must have been kissing a fool“), die durch ihren jazzigen Approach einen stilistischen Bruch zur sonstigen „popmusikalischen Ausrichtung“ von „Faith“ darstellt, wobei ich den Song insgesamt als zweitbesten nach „One More Try“ auf dem Album empfinde.

Nun, an sich war „Faith“ nie, was den reinen Klang des Albums betrifft, das „`written, arranged` & auch `produced by` George Michael“ ist, eine „Soundperle“, aber die „Remastered Edition“ des Albums aus 2010 hat da „soundtechnisch“ wohl das Maximum herausgeholt. Das wirklich Bemerkenswerte an dieser „Remastered Edition“ ist jedoch die „Disc Two“, auf der unter anderem zwei GM-Live-Versionen von Stevie-Wonder-Songs zu finden sind, nämlich eine Version von „I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)“ und eine von „Love’s in Need of Love Today“. Beide Live-Tracks, speziell „I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)“, gehören zum Besten, was ich gesanglich je im Bereich der „live music“ gehört habe – einfach nur grandios!

38. LIVE AT READING – NIRVANA (2009)

Anmerkung: „I’m going to Hollywood / They’ll know that I’m so good [...] / I’ll just sit an grin / The money will roll right in“ (aus der großartigen Live-Cover-Version des Songs „The Money Will Roll Right In“, welcher ursprünglich von der US-Punk-Band Fang stammt) – das war schon ein Aufgebot an tollen „bands and musicians“, mit dem die Besucherinnen und Besucher des Reading-Festivals in England zwischen dem 28. und dem 30. August 1992 da konfrontiert wurden, denn am 29. August konnte man die legendären US-Rapper/Hip-Hop-Pioniere von Public Enemy als Hauptact erleben, dem zuvor Bands wie die Smashing Pumpkins oder Henry Rollins und seine Rollins Band gleichsam „den Live-Boden bereitet“ haben. Am Sonntag, dem 30. August, war „die Besetzung auf der Bühne“ dann im Grunde noch spektakulärer, denn vor dem „Hauptact“ Nirvana waren, unter anderem, Nick Cave and the Bad Seeds, Mudhoney, die Beastie Boys und Pavement zu sehen gewesen, also fast allesamt Bands, mit Ausnahme von Mudhoney, die für mich persönlich irgendwann „important“ gewesen sind :-).

Nirvana’s Auftritt beim Reading-Festival, der 2009 dann glücklicherweise eben auch auf CD gepresst wurde, geriet, wie ihr späteres legendäres „MTV Unplugged in New York“-Album, zu einer wahren „Machtdemonstration in Sachen Live-Rock“, allerdings zu einer, die damals nicht wirklich zu erwarten gewesen ist, denn der Megaseller & „Grunge-Begründer“ „Nevermind“ aus 1991 lag schon eine Zeit lang zurück und die zuvor gnadenlos gehypte Band hatte ein wenig die Gunst der „music press“ in den USA verloren. Außerdem kämpfte Kurt Cobain selbst wieder verstärkt mit Drogenproblemen und auch seine Ehe mit Courtney Love war oftmals ein nicht allzu „positiv besetztes“ Thema „in public“. Darüber hinaus lag auch das Album „In Utero“, das dann erst im September 1993 auf den Markt kam, noch in weiter Ferne, obwohl mit dem wunderbaren „Dumb“ („I think I’m dumb / Or maybe just happy / Think I’m just happy“) oder dem Courtney Love zugewidmeten „great song“ „All Apologies“ („What else could I write? / I don’t have the right / What else should I be? / All apologies“) einige „Appetizer“ auf das dritte und bekanntlich letzte reguläre Album der Band in der Set-List zu finden waren.

Cobain selbst agiert in Reading, bei den 24 dargebotenen Songs, weitegehend „stimmsicher“ & „energiegeladen“ und auch Cobain’s Mitstreiter Dave Grohl & Krist Novoselic scheinen in „Top-Form“ :-), und abgesehen von einer paar unerreichten „live versions“ ihrer Klassiker, die die Band beispielsweise 1991/92 im Rahmen von „gut dokumentierten“ Konzerten in Tokyo, Melbourne oder Amsterdam dargeboten haben, bekommt man auf „Live at Reading“ durchwegs „mitreißende Versionen“ von Werken wie „In Bloom“, „Come As You Are“, „Lithium“, „On A Plain“, „Territorial Pissings“ oder der ultimativen Grunge-Hymne „Smells Like Teen Spirit“ zu hören – „With the lights out / It’s less dangerous / Here we are now, entertain us / I feel stupid and contagious“ :-).

Die wahren Highlights, wie das so oft bei Konzerten ist, sind aber „abseits des Band-internen Mainstreams“ :-) zu finden. Zunächst ist da einmal einer meiner Nirvana-Favorites, nämlich „Aneurysm“, in dem Cobain die letztendlich für ihn „nicht so gut gelaufene“ Beziehung mit seinem „ex-girlfriend“ Tobi Vail, der einstigen Schlagzeugerin der „feministischen Punk-Band“ Bikini Kill, aufarbeitete [„Come on over, do the twist, ah-ha / Overdo it and have a fit, ah-ha / Come on over and shoot the shit, ah-ha / Love you so much, it makes me sick, ah-ha“ :-)].

Großartig sind aber beispielsweise auch Cobain’s „Selbsteinschätzungssong“ „Negative Creep“ („I’m a negative creep / I’m a negative creep / I’m a negative creep and I’m stoned!“) sowie „Blew“, eine „Mediation“ über „Gefangenschaft & Kontrolle“ in Beziehungen („Is there another reason for your stain? / Could you believe who we knew stress or strain? / Here is another word that rhymes with shame“), also über ein Thema, das „Kurt“ stets musikalisch beschäftigt hat.

Ich persönlich hätte mir noch das Nirvana-Frühwerk „Floyd the Barber“ aus 1987 auf der Set-List in Reading gewünscht :-), aber ich greife stattdessen halt ab und an auf eine bei einem Konzert in Amsterdam aufgenommene Live-Version dieses abgründigen „tracks“ zurück, in dem ein Besuch in einem Rasier-Saloon für den Kunden tödlich endet, da, nach erfolgter Rasur, gleichsam eine Meute in das Geschäft eindringt und ihn „in Stücke schneidet“ („They take turns and cut me up“).

Übrigens: ein wenig „sad“, weil eben „visionär“, war seinerzeit der Beginn der Nirvana-Show in Reading, denn wenn man sich die „professionell mitgefilmte“ Version von „Live at Reading“ zu Gemüte führt, wird man Zeuge davon, wie der „Patient“ Kurt Cobain, der darüber hinaus eine wirklich bizarre blonde Perücke trägt :-), zunächst mit einem Rollstuhl auf die Bühne geschoben wird. Schließlich steht er auf, singt die Worte „Some say `Love, it is a river [...]`“ aus dem Bette-Midler Song „The Rose“ ins Mikro und fällt daraufhin sozusagen „tot um“ und bleibt dann ein paar Momente „regungslos“ liegen. 

37. LISTEN WITHOUT PREJUDICE VOL. 1 – GEORGE MICHAEL (1990)

Anmerkung: „But today the way I play the game has got to change / Oh yeah / Now I’m gonna get myself happy“ (aus dem Song „Freedom! `90“, den GM auch als „my confessional“ bezeichnet hat, also: als seinen „Beichtstuhl“) – nun, was macht man, wenn man sozusagen „the top of the mountain“ erreicht hat, so wie das bei George Michael nach dem Album „Faith“ der Fall gewesen ist, das sich zum Beispiel allein in den USA „in über 10 Millionen Haushalte eingeschlichen“ :-) hatte?

Eine Möglichkeit wäre gewesen, und das hätte ihm gewiss weder seine Plattenfirma noch der Großteil seiner Fans übelgenommen, einfach „Faith Part II“ abzuliefern :-). Aber GM hat sich, nach der 19-monatigen und 137 Auftritte umfassenden „Faith-World-Tour“, für einen anderen Weg entschieden, genauso wie U2 nach dem „Joshua Tree“-Album nicht „The Joshua Tree Part II“ abgeliefert haben, sondern das „neuartige“ „Achtung Baby“ (1991).

Ohnehin muss man festhalten, dass sich der Sänger selbst in den Zeiten von Wham! ungern „wiederholt“ hat, und der „musikalische Sprung“ vom „Wham Rap! (Enjoy What You Do?)“ (1982) bis zu dem genialen „Where Did Your Heart Go?“ (1986), den ich zusammen mit „I’m Your Man“ zu meinen Wham!-Lieblingssongs zähle, ist, rein qualitativ betrachtet, enorm – „Where did your heart go? / Did you put it on a train? / Did you leave it in the rain? / Or down in Mexico?“ :-).

„Listen Without Prejudice Vol. 1“, das wiederum „written, arranged and produced by George Michael“ ist und welches der Sänger als „[...] first record I’ve really enjoyed making“ bezeichnet hat, war also mehr, wenn man so will, „auf Musik“ als „auf Image“ aufgebaut, und GM war sich völlig im Klaren darüber, dass dieser „Approach“ in seinem Zusammenhang fast zwangsläufig dazu führen würde, dass „Listen...“ rein kommerziell mit „Faith“ nicht mithalten werde können („Chances are I’m not going to sell as many records. It’s important to sell records, but what’s more important is to make better music. [...]“ – GM).

Das Cover des Longplayers ziert ja, diesem angesprochenen „Musik statt Image“-„approach“ also völlig entsprechend, nicht GM selbst, sondern ein berühmtes Foto aus dem Jahr 1940 des späteren Stanley-Kubrick-Mitarbeiters Arthur „Weegee“ Fellig, das einen völlig überfüllten Strand auf Coney Island abbildet und wohl so etwas wie „massed and joyful humanity“ zelebriert.

Der „Listen...“-Opener „Praying For Time“ ist „üppig“ produziert und zeigt gleich den „neuen, `troubled` George“, mit dem man es zu tun bekommt, denn die Lyrics sind ziemlich „apokalyptisch“ und „desillusioniert“ („This is the year of the hungry man / Whose place is in the past / Hand in hand with ignorance / And legitimate excuses / [...] These are the days of the empty hand / Oh you hold on to what you can / And charity is a coat you wear twice a year“).

Das Highlight des gesamten Albums stellt aber klarerweise „Freedom! `90“ dar, ein Song, in dem GM mit seiner (Wham!-)Vergangenheit als „Poster-Boy für die MTV-Generation“ aufräumt („I was every little hungry schoolgirl‘s pride and joy / And I guess it was enough for me“) und auch von der Notwendigkeit, „die Show“ zu stoppen, singt („[...] I think it’s time I stopped the show / There’s something deep inside of me / There’s someone I forgot to be / [...] I just hope you understand / Sometimes the clothes do not make the man“), wobei das Video, das von dem späteren Seven- & Fight-Club-Regisseur David Fincher inszeniert wurde und in dem bekanntlich, durch die Mitwirkung von Naomi Campbell, Cindy Crawford, Linda Evangelista, Tatjana Patitz & Christy Turlington, ein hohes „Supermodel-Aufkommen“ herrscht :-), sicherlich zu den besten „videoclips“ der Musikgeschichte zählt.

Endgültig in der „intelligenten `adult music`“ angekommen :-) ist GM dann mit dem spartanisch daherkommenden Stevie-Wonder-Cover „They Won’t Go When I Go“ („No more lying friends / Wanting tragic ends / Though they do pretend / They won’t go when I go“) sowie mit „Cowboys & Angels“, einer „saga“ über „Machtkämpfe“ in menschlichen Beziehungen („When your heart’s in someone else’s hands / Monkey see and monkey do / Their wish is your command / You’re not to blame / Everyone’s the same“).

Zwei meiner Favorites auf dem Album, nach „Freedom! `90“, den ich aber ohnehin zu meinen absoluten Lieblingssongs zähle :-), sind „Something to Save“ und „Waiting for That Day“. „Something...“ kann als „Plädoyer für `emotional openness`“ betrachtet werden („If you’ve got something to say / Why don’t you say it / If you’ve got something to give / Why don’t you give it to me“) und „Waiting...“ als Song über eine „unrequited love“ („And if these wounds / They are self inflicted / I don’t really know / How my poor heart could have protected me / But if I have to carry this pain / If you will not share the blame / I deserve to see your face again“), wobei George Michael dieses großartig arrangierte Lied dann tatsächlich mit einer „berühmten Erkenntnis“ der „großen Rock-Philosophen“ Rolling Stones :-) enden lässt („You can’t always get what you want...“).

Einen wunderbaren Abschluss bildet schließlich das wiederum eindeutig autobiografische „Waiting (Reprise)“ („Well there ain’t no point in moving on / Until you’ve got somewhere to go / And the road that I have walked upon / Well it filled my pockets / And emptied out my soul“), das kurz, aber eindringlich ist, und diesen Abschluss von „Listen...“ hat GM dann beispielsweise auch als „short opener“ für Konzerte im Rahmen seiner „25 Live-concert tour“ verwendet.

Nun, George Michael hat mit „Listen Without Prejudice Vol. 1“, retrospektiv betrachtet, sicherlich die richtigen Schlüsse aus der „When you’ve reached the top of the mountain, where is there to go?“-Frage, die er sich nach „Faith“ hat stellen müssen, gezogen, denn das Album klingt wahrlich zeitlos und gilt heute nicht nur als „great George Michael album“, sondern generell als „great piece of music“.

36. APPETITE FOR DESTRUCTION – GUNS N‘ ROSES (1987)

Anmerkung: „Here I am / And you’re a Rocket Queen / I might be a little young / But honey I ain’t naive“ (aus „Rocket Queen“, dem brillanten und epischen „final song“ des Albums) – wenn, wie erwähnt, „Bad“ von Michael Jackson und „Faith“ von George Michael gleichsam die „Grundlagen“ meiner „Pop Music“-Sammlung waren, dann war „Appetite for Destruction“ definitiv das Zentrum meiner „Rock Music Collection“ :-).

Die „Lage in Sachen Rock-Musik“ war Ende der 80er im Grunde irgendwie traurig, denn einerseits waren „Pop Metal Bands“ wie Poison oder Skid Row unterm Strich „harmlos“ und die geschminkten „bad boys“ von Mötley Crüe, für die ich, rein musikalisch betrachtet, immer was übrighatte, waren auch nicht wirklich „mehrheitsfähig“ :-).

„I see you standin‘ there / You think you’re so cool / Why don’t you just / Fuck off“ (aus „It’s So Easy“) – mitten in dieses auffällige „Rock-Musik-Vakuum“ sind dann Guns N‘ Roses geplatzt, sozusagen die „Fab Five Bad Boys of Rock n‘ Roll“, die mit ihrem Debütalbum „Appetite for Destruction“ auch gleich ihre „finest hour“ ablieferten und, so ehrlich muss man sein :-), ihren „musical peak“ erreichten.

Nun, die Originalbesetzung von Guns N‘ Roses (W. Axl Rose, Slash, Izzy Stradlin, Duff „Rose“ McKagan & Steven Adler), die damals, im Gegensatz zu späteren Jahren, wo es zu diversen Konflikten vor allem zwischen Axl & Slash kam, „panache and chemistry“ vereinte :-), lieferte ein „raues“, „dreckiges“ und vor allem „authentisch“ klingendes Album ab, das sich beispielsweise auch von anderen, im Grunde völlig „überproduzierten“ damaligen Megasellern im Bereich der Rock-Musik, wie beispielsweise Def Leppard’s „Hysteria“ (1987), gravierend unterschied.

„Appetite...“ zählt zu jener Kategorie von Musik-Alben, auf denen sich, alles in allem, keinerlei „filler“ finden, nur „killer“ sozusagen :-), und gleich der reichlich intensive Opener „Welcome To The Jungle“ gehört bekanntlich zu den ganz großen G N‘ R-Hymnen, gerade auch deswegen, weil man das Gefühl hatte, dass die Band mit der „cruel cruel world“, die sie da gesanglich und musikalisch mit „explicit lyrics“ aufarbeitete, auch wirklich vertraut war [„Welcome to the jungle / We’ve got fun `n` games / We got everything you want / Honey we know the names / We are the people that can find / Whatever you may need / If you got the money, honey / We got your disease“ :-)].

In der Folge wird man, so zum Beispiel in „Nightrain“ („Loaded like a freight train / Flyin‘ like an aeroplane / Feelin‘ like a space brain / One more time tonight“), und ganz dem Klischee von Sex, Drugs & Rock `n` Roll entsprechend :-), mit zahlreichen Anspielungen auf den „exzessiven Konsum diverser Substanzen“ konfrontiert, wobei Axl‘s „lyrics“ zu „Mr. Brownstone“, was die Grundthematik oder Grundproblematik betrifft, ja nahezu genial sind („I used ta do a little but a little wouldn’t do / So the little got more and more / I just keep tryin‘ ta get a little better / Said a little better than before“).

Auch nach dem berühmten Song „Paradise City“, der ebenfalls zu den ganz großen Hymnen der Band zählt [„Take me down / To the paradise city / Where the grass is green / And the girls are pretty / Take me home“ :-)], geht es mit „extraordinary“ und weitgehend „iconic“ gewordenem G N‘ R-Song-Material weiter, wobei ich persönlich, was die ursprüngliche „Seite B“ des originalen Vinyl-Albums betrifft, zu den beiden „Love Songs“ „Think About You“ („Ooh it was the best time I can remember / Ooh and the love we shared – is lovin‘ that’ll / Last forever“) und „Sweet Child O‘ Mine“ („She’s got a smile it seems to me / Reminds me of childhood memories / Where everything / Was as fresh as the bright blue sky“) tendiere, denn hier zeigt sich Axl, wie später dann bei „November Rain“ auf dem Album „Use Your Illusion I“ (1991), von einer „ungleich romantischeren Seite“ :-) als beispielsweise in einem Song „like“ „My Michelle“, in dem, unter anderem, wahrlich schreckliche familiäre Verhältnisse beschrieben werden („Your daddy works in porno / Now that mommy’s not around / She used to love her heroin / But now she’s underground“).

„By the way“: der Song „You’re Crazy“ ist in der Akustik-Version auf der EP „G N’R Lies“ (1988) sogar besser als hier auf „Appetite for Destruction“ :-).

Nun, „Appetite...“ wurde seinerzeit nicht nur zum „best-selling debut album of all time“, sondern zählt bekanntlich ganz generell auch zu den „best-selling records of all time“. Allerdings kann dieses makellose Stück Rock-Musik auch getrost zu den, legen wir’s großzügig an :-), „50 besten Alben der Musikgeschichte“ gezählt werden.

Mit dem „Album-Doppelschlag“ „Use Your Illusion I & II“ von 1991, auf dem dann bemerkenswerterweise vor allem auch der „Rhythmus-Gitarrist“ Izzy Stradlin tolles Material beisteuerte, hätten Guns N‘ Roses, rein qualitativ, in eine ähnliche Sphäre vordringen können, allerdings befinden sich, speziell auf „Vol. II“, einige veritable „Gurken“, so wie zum Beispiel das bescheuerte „Get in the Ring“ oder der unnötige „Rap-Song“ „My World“ :-).

35. CELEBRATION DAY – LED ZEPPELIN (2012)

Anmerkung: „`T was in the darkest depths of Mordor / I met a girl so fair / But Gollum, and the evil one / Crept up and slipped away with her“ (aus „Ramble On“, der eben auch mit „Herr der Ringe“-Elementen spielt und gleich als zweiter „Live-Song“ auf das Album gepresst wurde) – das Erste, was mir zu den britischen Rock-Legenden Led Zeppelin einfällt, ist, dass es kaum zu glauben ist, wie unerhört viele „records“ diese Band verkauft hat :-), denn nicht nur das, um diesen Ausdruck schon wieder zu strapazieren :-), „ikonische“ vierte und grundsätzlich „untitled“ Album, welches auch als „Led Zeppelin IV“ (1971) bezeichnet wird und auf dem sich „the famous“ „Stairway to Heaven“ befindet, geriet zu einem wahren „Verkaufsschlager“, sondern bereits das Debüt „Led Zeppelin“ (1969), zu dem ich witzigerweise nie so recht einen Draht gefunden habe :-), genauso wie das brillante „Led Zeppelin II“ (1969) oder das 1973 veröffentlichte „Houses of the Holy“.

Lange Zeit hielt sich bei mir sogar der „Glaube“, dass es sich bei Led Zeppelin, die gerade auch in den USA unglaubliche „record sales“ zu verbuchen hatten, ohnehin um „an American band“ handle :-), denn die Musik ist jetzt nicht zwingend „British“. Neben den Alben „II“ & „IV“ hat mich dann vor allem auch das 1975 veröffentlichte Doppelalbum „Physical Graffiti“ beeindruckt, das mit „Kashmir“ („Oh, let the sun beat down upon my face / And stars fill my dream / I’m a traveller of both time and space“), welcher auch auf „Celebration Day“ enthalten ist, einen Song aufweist, den die Band vielleicht zurecht als ihre „größte musikalische Leistung“ bezeichnete.

Nun, der Film „The Song Remains the Same“ von 1976, der die Band „performing in New York“, und zwar im Madison Square Garden, im Jahr 1973 zeigte, war ja lange Zeit das einzige wirkliche „Live-Dokument“ von Led Zeppelin, und dies hatte, jedenfalls aus meiner Sicht :-), so seine Längen. Aber nach und nach wurden auch andere „great live performances“ dieser großartigen Band, die aus dem (Super-)Gitarristen Jimmy Page, dem Sänger Robert Plant, dem Bassisten John Paul Jones und der leider 1980 verstorbenen Drummer-Legende John „Bonzo / the Beast“ Bonham bestand, „ausgegraben“.

Besonders hervorzuheben in diesem Zusammenhang ist da der Auftritt der Band in der Royal Albert Hall im Jahr 1970, als „Zeppelin“ bereits ein „full-blown phenomenon“ war und „Led Zeppelin II“ sowohl in England als auch in den USA die „No. 1 position“ in den Charts eingenommen hatte. In der Albert Hall kann man auch die vielleicht beste Live-Version von John Bonham’s berühmtem „drum solo“ „Moby Dick“ erleben, wobei Led Zeppelin 1970 live dennoch insgesamt noch „understated“ agierten, ganz im Gegensatz zu der „grandeur“, die ihre Performances dann den Rest der 70er-Jahre über haben würden.

Beim „Heimspiel“ im Earls Court 1975 in London, das „five nights“ umfasste, gab es allerdings auch ein „intimes“ „acoustic segment“, das in gewisser Weise das „MTV-Unplugged“-Setting von „musicians sitting on stools“ :-) vorwegnahm und in dessen Rahmen Songs wie „Going to California“ aus „Led Zeppelin IV“ oder „Bron-Y-Aur Stomp“ aus „Led Zeppelin III“ (1970) performt wurden.

„Good times, bad times / I know I’ve had my share“ (aus dem Live-Opener „Good Times Bad Times“) – nun, am 10. Dezember 2007 wurde, ähnlich wie bei Black Sabbath im Rahmen des „Reunion“-Konzerts Ende der 90er in Birmingham, in der Londoner O2-Arena ein „fan dream“ Wirklichkeit und Led Zeppelin, bestehend aus Page, Plant & Jones sowie begleitet von Jason Bonham, dem Sohn von „Bonzo“, spielten, nach der Auflösung der Band im Jahr 1980, wieder „ernsthaft“ zusammen „live“. Die Frage, ob man immer noch in der Lage war zusammenzuspielen, und zwar „so powerful and exciting“ wie seinerzeit, wurde bereits im ersten „rehearsal“ beantwortet, denn die „energy“ und die „chemistry“ war „absolutely still there“, wie im Nachhinein alle Mitglieder der Band versicherten.

Das Konzert in der O2-Arena geriet dann folglich auch tatsächlich zum „Celebration Day“ und bietet für den Zeppelin-Fan zahlreiche „Gänsehautmomente“, aber ohne, dass bei den insgesamt 16 Songs eine „sentimentale Atmosphäre“ verbreitet wird :-).

Zu den Highlights der „CD 1“ zählen „Ramble On“, einer meiner Led-Zeppelin-Favorites, sowie „Black Dog“ („Hey hey mama said the way you move / Gonna make you sweat, gonna make you groove“), ein Klassiker aus dem vierten Album, welches mit dem Song bekanntlich eröffnet wird.

Auf der „CD 2“, bei der man auch das „unvermeidliche“ „Stairway to Heaven“ mit dem genialen Gitarren-Solo von Jimmy Page, das zu den besten Gitarrensoli der Musikgeschichte gehört :-), zu hören bekommt, sticht, neben „Kashmir“, auch das „luftige“ „Misty Mountain Hop“ hervor, wobei aber die beiden Schluss-Songs, nämlich das ekstatische „Whole Lotta Love“ („You need coolin‘ / Baby, I’m not foolin‘“) aus „Led Zeppelin II“ und das mitreißende, getriebene „Rock and Roll“ („It’s been a long time since I rock and rolled / It’s been a long time since I did the stroll“) aus „IV“, quasi die „Krönungen“ dieses veritablen „Celebration Day“ sind.

34. THE IMMACULATE COLLECTION – MADONNA (1990)

Anmerkung: „Open your heart to me, baby / I hold the lock and you hold the key / Open your heart to me, darlin‘ / I’ll give you love if you, you turn the key“ (aus dem Hit „Open Your Heart“, der ursprünglich auf dem Album „True Blue“ zu finden war) – wie ich bereits einmal im Zusammenhang mit „The Very Best of Linda Ronstadt“ (2002) erwähnt habe (siehe Platz 16, weiter unten), gibt es definitiv sogenannte Greatest-Hits-Alben, die mehr sind als eine „bloße Zusammenstellung einer Reihe von Hits“ und die „ein künstlerisches Eigenleben“ entwickeln. „Musterbeispiele“ in diesem Zusammenhang sind hier das schon einmal bei der Ronstadt-Kompilation genannte „Best of“-Album von Al Green aus 1975 („Greatest Hits“) oder, um ein neues Beispiel neueren Datums zu nennen :-), das 1998 erschienene Doppel-Album „Ladies & Gentlemen – The Best of George Michael“, auf dem sich auch, neben bekannten Solo-Hits wie „Careless Whisper“ :-), die geniale Bonnie-Raitt-Cover-Version „I Can’t Make You Love Me“ aus der „MTV-Unplugged“-Zeit findet oder die formidable Live-Version des Queen-Klassikers „Somebody To Love“, die GM zusammen mit „dem Rest von“ Queen bei dem großen Freddie-Mercury-Tribute 1992 im Wembley-Stadion gesungen hat, oder, was besonders erfreulich ist, „I Knew You Were Waiting (For Me)“ mit Aretha Franklin, das ich für eines der besten Duette der Pop-Geschichte halte – „When the valley was low it didn’t stop me, no no / I knew you were waiting, I knew you were waiting for me“ :-).

Nun, das erste Best-of- / Greatest-Hits-Album von Madonna, der großen „Zeitgenossin“ von Michael Jackson, Prince & George Michael, die zusammen mit den „drei Herren“ mehr oder minder das Pop-Musik-Geschehen in den 80s dominierte, zählt definitiv auch zu den „ganz großen Alben dieser Art“, und da fällt nicht mal der damalige „new track“ & „Skandalsong“ „Justify My Love“ [„I wanna kiss you in Paris / I wanna hold your hand in Rome“ usw. :-)], den Madonna gemeinsam mit Lenny Kravitz geschrieben hat, groß ins Gewicht, denn der ist mittlerweile auch irgendwie ein (Erotik-)Klassiker :-).

Madonna wurde bereits in den 80er-Jahren, und sie selbst hat bekanntlich viel dazu beigetragen :-), mit einer ganzen Reihe von Bezeichnungen versehen, unter anderem wurde sie als „The Coolest Queen of White Heat“ oder, sinngemäß, als „unverschämte Mischung aus Little Orphan Annie[*Hauptfigur einer US-Comicstrip-Serie], Margaret Thatcher und Mae West“ bezeichnet :-).

Außer Zweifel aber steht, jenseits aller Diskussionen um „Auftreten“, „Aussehen“ & „Image“ von Madonna, dass die Sängerin von Beginn an, seit ihrem „Auftauchen“ im Jahr 1982, „irresistible pop“ abgeliefert hat, und von den „Frühwerken“ „Holiday“, „Lucky Star“ & „Borderline“ sticht vor allem letzterer Song qualitativ besonders hervor („Borderline / Feels like I’m going to loose my mind / You just keep on pushin‘ my love / Over the borderline“).

Die Reihe der Smash-Hits auf „The Immaculate Collection“ wird von Madonna’s erster Nummer-1-Single „Like A Virgin“ und dem „infektiösen“ „Material Girl“ eingeleitet, wobei mir persönlich aus dieser Periode vor allem die Ballade „Crazy for You“ („If you read my mind, you’ll see / I’m crazy for you“) gefällt, die Madonna mit „exceptional tenderness“ interpretiert und welche aus dem gleichnamigen Harold-Becker-Film von `85 stammt.

Das künstlerisch etwas „underrated“ Album „True Blue“ (1986) geriet verkaufstechnisch zu einem Mega-Erfolg und ist auf „The Immaculate...“ mit dem etwas wehmütigen „La Isla Bonita“ („Last night I dreamt of San Pedro / It all seems like yesterday, not far away“), dem „entschlossenen“ „Open Your Heart“, dem „loss and longing“-Epos „Live To Tell“ („I have a tale to tell / Sometimes it gets so hard to hide it well / [...] Hope I live to tell / The secret I have learned, `til then / It will burn inside of me“) sowie mit „Papa Don’t Preach“ vertreten, der, auch heute noch, zu Madonna’s „most compelling dramatic performances“ gezählt werden muss.

Irgendwas fehlt einem auf „collections of greatest hits“ ja immer :-), und leider wurde ausgerechnet mein Lieblingssong aus dem dritten Madonna-Album, nämlich das „titelgebende“ „True Blue“, nicht berücksichtigt :-).

„Like A Prayer“ (1989) war wohl das erste Madonna-Album, das ich besessen habe, und dieses galt damals in den Augen der „critics“ als „very personal“ oder „confessional“, vor allem wegen der augenscheinlichen „confrontation“ der Sängerin mit dem Katholizismus und der „Wiederentdeckung“ ihrer R&B-Wurzeln. Der Song „Like A Prayer“, “, der als Track 12 auf „The Immaculate Collection“ platziert wurde, bleibt einer der besten Madonna-Songs, der sich quasi, wie das mal ein Musik-Kritiker so treffend analysiert hat, von einem „Flüstern“ bis hin zu einer „klagenden `Soundwall`“ steigert („When you call my name / It’s like a little prayer / I’m down on my knees / I wanna take you there / In the midnight hour, I can feel your power / Just like a prayer, you know I’ll take you there“).

„Express Yourself“ wiederum, die zweite Single aus dem 89er-Album, war explizit als „tribute“ an die Soul-Legenden Sly & the Family Stone (z. B.: 1971: „There’s a Riot Goin‘ On“) konzipiert, während die „third single“ „Cherish“ [„Romeo and Juliet, they never felt this way I bet / So don’t underestimate my point of view“ :-)] einen „Schwung“ besitzt, der selbst die „darkest hearts“ irgendwie „erhellen“ kann :-).

Mittlerweile gibt es, da die Story von Madonna, die dann auch als „Goddess of the Nineties“ bezeichnet wurde :-), bekanntlich nicht 1990 geendet hat, weit umfangreichere „Greatest Hits Compilations“ der Sängerin, wie etwa „Celebration“ (2009), allerdings bleibt die insgesamt 17 Songs umfassende Zusammenstellung auf „The Immaculate Collection“, wie der Titel schon sagt, „makellos“ :-).

33. THE HOUSE – KATIE MELUA (2010)

Anmerkung: „Got God on the drums and the Devil on the bass / If you wanna dance you better find a space“ [aus „God on Drums, Devil on the Bass“, dem Song mit dem mit Abstand besten „song title“ auf dem Album :-)] – während mich ansonsten in der Regel die Studio-Alben von „music artists“ zum Kauf von Live-Aufnahmen (Alben, DVDs) „angeregt“ haben, war es bei der georgisch-britischen Sängerin Katie Melua genau umgekehrt, denn: zuerst bin ich tatsächlich mit diversen „mitgefilmten“ Melua-Konzerten in Rotterdam („The Arena Tour 2008“) und Stuttgart („Katie Melua with the Stuttgart Philharmonic Orchestra“) sowie dem außergewöhnlichen „Concert Under the Sea“ (2006) konfrontiert worden, bevor ich dann im „CD-store“ ihre ersten drei Studio-Alben erworben habe, wobei sich vor allem auf „Call Off The Search“ (2003) und „Piece by Piece“ (2005) großartige Songs wie „The Closest Thing to Crazy“, der „Mockingbird Song“, „Nine Million Bicycles“ oder „Spider’s Web“ befinden – „`Cos the line between / Wrong and right / Is the width of a thread / From a spider’s web / The piano keys / Are black and white / But they sound like a million colours / In your mind“ :-).

Das vierte Album der sympathischen Sängerin, „The House“ aus 2010, ist aber musikalisch, vor allem auch im Vergleich zu dem sehr „filmisch“ angelegten Vorgänger :-) „Pictures“ (2007), auf dem sich ja letztendlich auch durchaus tolle Songs wie „Scary Films“ („Scary films don’t scare me now / That you’re around / Since you’ve been around“) oder „Ghost Town“ fanden, noch eine ganze Stufe höher anzusiedeln, und irgendein „music expert“ hat damals die „unumstößliche Wahrheit“ ausgesprochen, dass es sich bei „The House“ um ein veritables Meisterwerk handelt :-).

Das Album hat, aufgrund der „melancholic songs“, die aber durch die Produktion von William Orbit einen leichten „elektronischen Touch“ sowie eine „sphärische Qualität“ besitzen, ab und an eine zugleich „leicht `melancholisierende` & erhebende“ Wirkung :-), wie es sonst früher nur das Rock-Meisterwerk „OK Computer“ (1997) von Radiohead auf mich hatte, obwohl die Alben, außer, dass man sich danach wenig überraschend die „Tell me why am I so blue?“-Frage stellt :-), dann andererseits auch wieder nicht zu vergleichen sind und außerdem Melua‘s Gesang wenig mit dem „kryptischen Gejammere“ von Thom Yorke gemein hat :-).

Die „lyrics“ sind, wie immer bei Melua, auf sehr hohem Niveau und bei fünf von den insgesamt 12 Songs ist Robbie Williams‘ ehemaliger Songwriting-Partner Guy Chambers als „co-writer“ angeführt, so auch bei dem „great opener“ „I’d Love to Kill You“ („I’d love to kill you with a kiss / I’d like to strike you down with bliss / I’d like to tie you up in knots / Until your heart stops“), bei „A Happy Place“ („I’m going to find a happy / I’m going to find a happy / I’m going to find a happy place“), einem der allerbesten Songs auf dem Album, oder bei „A Moment of Madness“, der sozusagen zeigt, wohin ein solcher „Moment der Verrücktheit“ führen kann („A Moment of madness / It’s happened before / It could turn into sadness or a civil war“).

Als „very beautiful“ kann man aber auch das überaus traurige „Red Balloons“ bezeichnen („I put my heart in a red balloon / But I let it go to soon / Let it go on the boulevard / Where wicked winds blow so hard“) oder das formidable „No Fear of Heights“ („I have no fear of heights / No fear of the deep blue sea / Although it could drown me / I know it could drown me“), wobei die Riege der „Love-Songs“ auf „The House“ meines Erachtens von dem brillanten „Plague of Love“ angeführt wird, bei dem „die Hauptfigur“ sozusagen an einer ganz bestimmten „Krankheit“ leidet, bei der offenbar, wie’s in den Lyrics heißt, weder der „father“, der „doctor“ ist, helfen kann, noch die „mother“, die „nurse“ ist :-) („Ooh struck down by the plague of love / Sweet poison running through my blood / And I can’t bear not knowing if you even care“).

Ein weiterer Tipp „in Sachen Katie Melua“ meinerseits ist, was mich wieder zu dem „live-stuff“ zurückführt :-), das Album „Live at the O2-Arena“ von 2009, auf dem sich auch eine wirklich fantastische Cover-Version des Janis-Joplin-Klassikers „Kozmic Blues“ findet.

32. WISH YOU WERE HERE – PINK FLOYD (1975)

Anmerkung: „How I wish / How I wish you were here / We’re just two lost souls swimming in a fish bowl / Year after year / Running over the same old ground / What have we found / The same old fears / Wish you were here“ (aus dem „Albumtitel-gebenden“ Song „Wish You Were Here“, einem der ganz großen Pink-Floyd-Klassiker) – nun, wenn man die „lyrics“ eines Songs, zumindest annähernd, auswendig kann, dann hat das irgendwas zu bedeuten :-), und „Wish You Were Here“ hat sich anscheinend, seit ich diesen „track“ in den 1980s das erste Mal auf dem Pink-Floyd-Live-Doppel-Album „Delicate Sound of Thunder“ (1988) gehört habe, hartnäckig „in mein Unterbewusstsein“ geschlichen, und von „So you think you can tell / Heaven from hell / [...]“ bis hin zu „[...] / Did you exchange / A walk on part in the war / For a lead role in a cage“ scheint der Text, zumindest an manchen Tagen :-), zu sitzen.

Leider habe ich „Wish You Were Here“, „for whatever reasons“ :-), seinerzeit nur „ungenügend“ in die „summary“ meiner bereits im Zusammenhang mit Black Sabbath’s „13“ angesprochenen „Ausführungen“ zu „No Time to Die“ eingefügt, denn gerade die „lyrics“ dieses Songs hätten zu dem letzten Daniel-Craig-Bond und all der damit verbundenen „Implikationen“ inklusive des „Todes von `007 played by Daniel Craig`“ hervorragend gepasst :-).

Irgendwer hat mal im Rahmen einer „Fan-Rezension im Internet“ geschrieben, dass das Album „Wish You Were Here“, welches im September 1975 veröffentlicht wurde und dem „Multimillionen-Seller“ „The Dark Side of the Moon“ (1973) nachgefolgt ist, gleichsam die perfekte Musik zu „rainy Sunday afternoons“ liefern würde, und sollte es jemals wieder so etwas wie „verregnete Sonntag-Nachmittage“ geben :-), dann muss man dem unbedingt zustimmen.

Grundsätzlich können die 5 Songs, die es aber auf eine „konventionelle“ Albumlänge von rund einer Dreiviertelstunde bringen, einerseits als „Reflexion über den neu gewonnenen `Stardom` der Band“ („Welcome to the Machine“ & „Have a Cigar“) und andererseits als Auseinandersetzung mit dem „psychischen Verfall“ ihres früheren Sängers & Gitarristen Syd Barrett (1946 – 2006), der ja annähernd das gesamte Songmaterial für das „psychodelische“ Pink-Floyd-Debüt „The Piper at the Gates of Dawn“ (1967) verfasst hatte, interpretiert werden, wobei der Song „Wish You Were Here“ und das zweigeteilte Epos „Shine On You Crazy Diamond“ eben als „Syd-Barrett-Songs“ durchgehen, auch wenn Roger Waters gemeint hat, dass man „Wish...“ auch als „einen Song über Roger Waters“ :-) betrachten könnte, der von der Sehnsucht handelt, wieder „man selbst zu sein“ und keine „lead role in a cage“ zu spielen, die der gigantische Erfolg mit „The Dark Side of the Moon“ offenbar mit sich gebracht hatte – „Welcome my son welcome to the machine / What did you dream / It’s alright we told you what to dream“, heißt es da auch in dem düsteren „Welcome to the Machine“, das, genauso wie das relativ „rockige“ und vergleichsweise „humorvolle“ und von dem britischen Sänger & Songwriter Roy Harper gesungene „Have a Cigar“, in dem Harper gleichsam einem (fiktiven) Plattenlabel-Boss seine Stimme leiht („The band is just fantastic / That is really what I think / Oh by the way which one’s Pink“), von der „fixation“ der „music industry“ „on money“ handelt beziehungsweise eben von einer „Ignoranz der Plattenbosse“ gegenüber den Musikern :-).

Das Album „Wish You Were Here“, welches es, trotz all der darauf an den Tag gelegten etwas „Attitüden-haften“ Skepsis gegenüber der Musikindustrie :-), auf über 20 Millionen verkaufte Einheiten brachte, muss man insgesamt als „eines der Alben mit dem besten Sound innerhalb der Musikgeschichte“ bezeichnen, denn der gesamte Klangteppich ist grandios und auch David Gilmour liefert einige seiner „most delicate guitar solos“ ab.

„Remember when you were young you shone like the sun / Shine on you crazy diamond / Now there’s a look in your eyes like black holes in the sky / Shine on you crazy diamond“ (aus dem Opener „Shine On You Crazy Diamond (Parts 1 - 5)“) – atmosphärisch besonders gelungen ist in diesem „Gitarren-Zusammenhang“ :-) auch der Opener des Albums, denn in der ersten „Aufforderung“ an den „crazy diamond“ Syd Barrett, „weiter zu scheinen“, legt Gilmour, nach einem „sphärischen“ Intro, erst nach rund vier Minuten mit dem „wonderful riff“ los, wobei aber auch das Saxophon-dominierte Schluss-Segment des Songs („on the saxophone“: Dick Parry) nicht minder „wonderful“ ist :-).

Ein Highlight von „Wish You Were Here“ ist aber auch das Album-Cover, denn das zeigt „zwei Anzugträger“, die einander auf dem Studiogelände von Warner Brothers die Hände schütteln, wobei der auf der rechten Seite stehende Mann offenbar bei dem Handshake „Feuer gefangen“ hat. Nur das Cover zu dem Album „Nothing’s Shocking“ (1988) der Rock-Band Jane’s Addiction kann damit mithalten :-).

31. ESCAPOLOGY – ROBBIE WILLIAMS (2002)

Anmerkung: „If you’re lost, hurt, tired or lonely / Can’t control it - try as you might / May you find that love that won’t leave you / May you find it by the end of the day / You won’t be lost, hurt, tired and lonely / Something beautiful will come your way“ (aus dem Song „Something Beautiful“, der bekanntlich auch eine erfolgreiche Single war) – ich bin ja speziell in den 2000er-Jahren ein riesiger „Robbie“-Fan :-) gewesen, aber ausgelöst hat dieses „Fan-Dasein“ das Album „Escapology“, das in der Tat „something beautiful“ darstellt und gleichsam, ähnlich wie George Michael’s „Faith“ oder „Listen Without Prejudice Vol. 1“, auch „als gesamtes Album“ ganz gut funktioniert und nicht nur als „Basis für diverse Singleauskoppelungen“ :-).

„My Name is Robbie Williams, this is my band and for the next two hours your ass is mine!!“ (Copyright: „Live at Knebworth“) – durch „Escapology“ und durch die zugehörige Tour, welche in den Konzerten in Knebworth, diesen genialen „Moments of Mass Distraction“ :-), die zum Besten gehören, was jemals im Bereich des Live-Entertainments geboten wurde, bekanntlich ihren Höhepunkt fand, bin ich auch auf die diversen RW-Solo-Alben „like“ „I’ve Been Expecting You“ (1999) gestoßen, die in den Jahren zuvor erschienen waren. Und auch den damals bereits als „legendär“ eingestuften Auftritt von Williams in der Royal Albert Hall, bei dem sich „Robbie“ als einer der „greatest swingers of all time“ :-) entpuppte und Songs von Sinatra & Co zum Besten gab, habe ich sozusagen erst nach meiner „Escapology-Experience“ konsumiert.

Allerdings muss ich sagen, dass ich auch für die beiden Post-„Escapology“-Alben „Intensive Care“ aus 2005, das so durchaus ansprechende Songs wie „Tripping“, „Make Me Pure“, „Advertising Space“ oder „A Place to Crash“ aufwies, oder für das Album „Reality Killed the Video Star“ aus 2009, welches ich „für eines der Musik-Alben mit dem besten Albumtitel“ halte :-) und das „good song material“ wie „Bodies“ & „You Know Me“ zu bieten hat, etwas übrighabe, auch wenn diese „albums“ definitiv nicht mehr den „Entertainment- & Ohrwurm-Faktor“ des 2002er-Werks haben.

Zurück zu „Escapology“: gleich nach dem Opener „How Peculiar“ kommt mit dem genialen „Feel“ („I just wanna feel real love / In a life ever after / There’s a hole in my soul / You can see it in my face / It’s a real big place“) der erste Höhepunkt des Albums, wobei ich den Song ja, wie ich auch in meinem ersten Tarantino-Buch „No Pulp in the Fiction“ im Zusammenhang mit Kill-Bill-Star Daryl Hannah erwähnt habe, die in dem wirklich tollen Video zu „Feel“ mitspielt, zu meinen Lieblingssongs im Bereich der Pop-Musik zähle.

Nach „Something Beautiful“, einem der „tröstlichsten Songs aller Zeiten“ :-), und einem „track“, der dann beispielsweise auch „live“ in Knebworth „ganz hervorragend“ funktioniert hat, nämlich „Monsoon“, kommt mit „Sexed Up“ („And we’re sexed up / That’s what makes the difference today“ usw.) die mit Abstand schlechteste und irgendwie „ödeste“ Single aus „Escapology“.

Eine Art „Geheimtipp“ stellt „Revolution“ dar („With love in your eyes and a flame in your heart / Gonna find yourself some resolution / A million miles with one step / And you’ll find yourself yet / When you’re walking with the revolution“), den Williams zusammen mit seiner einstigen „Teilzeit-Backgroundsängerin“ Katie Kissoon auch im Rahmen seiner brillanten und in den Londoner Pinewood-Studios entstandenen „ninety minutes of pure Robbie-revue“ :-) namens „The Robbie Williams Show“ in einer begeisternden Version performte – allerdings wurde „Revolution“ feat. Katie Kissoon auf der DVD-Ausgabe von 2003 lediglich in den Bereich „previously unseen tracks from the show“ verbannt :-).

Während ich persönlich für „Come Undone“ [„So need your love, so fuck you all“ :-)], welcher bekanntlich zu den absoluten „Robbie“-Klassikern zählt und mit Sicherheit ein echter „fan-favorite“ ist, nicht so viel übrighabe, halte ich „Me and My Monkey“ für einen von Williams besten Songs, und in dem in einem Hotelzimmer in Las Vegas angesiedelten „Epos“ setzt sich Williams offenbar mit seinem (einstigen) „cocaine“-Konsum auseinander und mit der Notwendigkeit, den ihn in diesem Zusammenhang begleitenden „Monkey“ zu töten („How’d I get mixed up with this fuckin‘ monkey anyhow“).

Ein weiterer Song, der auch auf der Live-Tour und speziell wiederum in Knebworth, wo Williams im Übrigen auf dieselbe Weise wie auf dem „Escapology“-Cover, nämlich „kopfüber hängend“ :-), auf die Bühne gekommen ist, zu den Highlights gezählt hat, ist der „Track Number 12“ von „Escapology“, nämlich „Hot Fudge“, in dem sich „Robbie“, der „European King of Pop“ :-), mit einem Land auseinandersetzt, in dem er zwar lange Zeit gelebt hat, das er aber als Musiker kommerziell nie so recht hat erobern können, nämlich mit den Vereinigten Staaten – „Hot fudge here comes the judge / There’s a green card in the way / The Holy Ghost and the whole East Coast / Are moving to L.A.“ :-).

Ohne Zweifel eines der besten Pop-Alben der letzten 30 Jahre!

30. WHERE THE LIGHT IS: LIVE IN LOS ANGELES – JOHN MAYER (2008)

Anmerkung: „Some of us, we’re hardly ever here / The rest of us, we’re born to disappear“ (aus dem Song „Vultures“, einem der Höhepunkte des sogenannten „Trio-Sets“ des Doppelalbums) – längere Zeit war der US-Amerikaner John Mayer für mich nur so etwas wie „der Mann, der offenbar mal mit Katy Perry zusammen war“ oder „ein Mann mit einer vielleicht teuren, aber irgendwie auch komisch aussehenden weißen Sonnenbrille :-) bei Eric Clapton‘s 2010er-Crossroads-Guitar-Festival in Chicago“, der dann aber doch mit seinen zwei Mitstreitern auf der Bühne zwei „überraschend gute“ Songs hinlegte, nämlich „Who Did You Think I Was“ und das Bill-Withers-Cover „Ain’t No Sunshine“.

Endgültig sozusagen in den Bann von Mayer’s wahrlich grandiosem, ekstatischem & gleichzeitig, und das ist in Wahrheit das Allerbeste daran, irgendwie „sportlichem“ Gitarrenspiel bin ich dann durch den diesem Album zugehörigen gleichnamigen Konzertfilm (Regie: Danny Clinch) geraten, der einen denkwürdigen Live-Abend vom 8. Dezember 2007 im Nokia Theatre in Los Angeles „abbildet“, ihm Rahmen dessen dem Publikum im Grunde gleich drei Sets geboten wurden, nämlich ein „Acoustic Set“ mit Mayer an der Akustik-Gitarre (Höhepunkt: das Tom-Petty-Cover „Free Fallin‘“), ein „Trio Set“, in dem Mayer mit Steve Jordan (Drums & Vocals) sowie Pino Palladino (Bass) agiert, und dies „im Anzug & mit Krawatte“ (Mayer zum Publikum bezüglich der schwarzen „Suits“:  „Last Time we’re all dressed up in suits we did a photo shoot. We looked at each other. We looked so damn good, we better sound good too. […]“), und ein „Band Set“, in dem der Gitarrist & Sänger von seiner 7-köpfigen Band begleitet wird und Hits wie „Waiting on the World to Change“, „Slow Dancing in a Burning Room“ oder das fantastische „Gravity“ („Gravity has taken better men than me / Now how can that be? / Just keep me where the light is“) zum Besten gibt, wobei vor allem auch die drei „Zugaben“ am Ende des „Band-Sets“ („I Don’t Trust Myself (With Loving You)“ / „Belief“ / „I’m Gonna Find Another You“) zu überzeugen wissen.

Der wahre Höhepunkt bleibt aber der Auftritt des „John Mayer-Trios“, der vor allem „Blues-lastig“ ist (Mayer in Richtung der „audience“: „Let me first say how wonderful it feels to know that it’s 2007 and we just launched into a slow blues and 7000 people in L.A. went nuts. All is not lost...“), aber auch das tolle „Good Love Is on the Way“ oder das „Kopfstimme-Meisterwerk“ „Wait Until Tomorrow“ oder eben „Vultures“ zu bieten hat und der mit der genialen Jimi-Hendrix-Coverversion „Bold as Love“ endet, bei welcher ein zusätzliches Highlight die von Mayer an sein Publikum gerichteten „words“ sind, die sich mit seinen diversen im Laufe der Jahre entwickelten „Approachs“ bezüglich seines Musiker-/ Künstlerdaseins auseinandersetzen, die er gleichzeitig vorträgt, dann „kritisch hinterfragt“ & im Endeffekt schließlich für „null & nichtig“ erklärt (Ausschnitt mit Bezug auf die Zeit, in der Mayer sich offenbar wie ein „verrücktes Genie“ gebärdet hat oder gebärden wollte: „[…] Maybe that‘s what you have to do to be a genius. You have to be mad. So, if you get `mad` before the word genius, than maybe you can make `genius` appear, right? That doesn’t work either…“).

Dieses „Double-Live-Album“ ist ein wahres Musik-Fest, und ganz sicher nicht nur für „Gitarrenfreaks“ oder eben für Leute, die auch Clapton’s Crossroads-Gitarren-Festivals mögen :-).

 29. LIVE 1975-1985 – BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND (1986)

Anmerkung: „The dogs on Main Street howl `cause they understand / If I could take one moment into my hands / Mister I ain’t a boy no I’m a man / And I believe in a promised land“ (aus dem Song „The Promised Land“, dessen Live-Version sich auf „Disc 3“ des „3-CD-Sets“ befindet) – ich bin in den 80er-Jahren klarerweise durch Springsteen-Alben wie dem damals „unvermeidlichen“ „Born in the U.S.A.“ (1984) und, in einem eingeschränkteren Maße, dem für viele seinerzeit vielleicht „enttäuschenden“ Nachfolger „Tunnel of Love“ (1987) gleichsam „Springsteen-isiert“ worden, wobei das vergleichsweise eher „kontemplative“ „Tunnel of Love“ sogar mit „Tougher Than the Rest“ einen meiner absoluten Lieblingssongs des „Boss“ enthält. Ein wenig ausgestiegen aus dem Springsteen-Kosmos bin ich dann, wie zunächst einmal sicherlich viele „Fans aus den 80er-Jahren“, nach dem etwas missglückten „1992er-Album-Doppelschlag“ „Human Touch“ & „Lucky Town“, um dann irgendwann bei „the time of“ „The Rising“ (2002) wieder endgültig zurückzukehren :-).

Aber, wie auch immer: diese eben 1986 erschienene Sammlung von 40 Live-Versionen diverser Springsteen-Klassiker (darunter beispielsweise auch: „Hungry Heart“ / „Darkness on the Edge of Town“ / „The River“) ist so etwas wie „ein verlässlicher Begleiter“, ein treuer „howling dog“ :-), geworden, wobei mich damals, als „boy“ :-), als ich dieses „3-CD-Set“ zum ersten Mal „käuflich erworben“ habe, viele der Songs, wie z. B. „Thunder Road“ & „Tenth Avenue Freeze-Out“ aus dem „von Kritikern stets in den siebten Himmel gelobten“ „Born to Run“-Album (1975), eher gelangweilt haben, und sogar die nun wahrlich „ikonischen“ Songs vom „Born in the U.S.A.“-Longplayer erschienen mir irgendwie in den Live-Versionen „merkwürdig fremdartig“ :-), wobei die auf „Disc 2“ enthaltende „version“ des titelgebenden Songs „Born in the U.S.A.“ tatsächlich, auch aus heutiger Sicht, nicht die allerbeste / die allergelungenste scheint.

Auf Anhieb „entzündet“ haben mich damals nur, wenig überraschend :-), das geniale „Fire“, des Weiteren das Springsteen- & Patti-Smith-„written“ „Because the Night“, die mitreißenden Tracks „Johnny 99“ & „Reason to Believe“ (beide aus dem brillanten 82er-Album „Nebraska“), „The Promised Land“, und, natürlich :-), das wunderbare „Jersey Girl“, eine Tom-Waits-Coverversion, die quasi, als letzter Song auf „Disc 3“, als „Album-Outro“ fungiert und „viel besser zu Springsteen als zu Waits passt“ (so wie Waits‘ „Downtown Train“ im Grunde viel besser zu Rod Stewart gepasst hat) –  „Tonight I’m gonna take that ride / Across the river to the Jersey side […] / Sha la la la I’m in love with a Jersey girl“ :-).

„Jugend-Erinnerungen“ oder „Erinnerungen an jugendliche Sichtweisen auf `Live 1975-1985`“ hin oder her, dieses epische Live-Album des „Boss“ darf wohl in keiner seriösen Springsteen-Sammlung fehlen.

28. PUMP – AEROSMITH (1989)

Anmerkung: „Dum, dum, dum, honey, what have you done? / Dum, dum, dum, it’s the sound of my gun“ (aus dem „great“ & auf wahren Begebenheiten beruhenden Song „Janie’s Got a Gun“, der von einem sexuell missbrauchten „young girl“ namens „Janie“ handelt, das mit einer Waffe den Täter, nämlich „her own father“, ermordet) – grundsätzlich war ich ja immer schon ein Aerosmith-Fan, aber niemals in dem Ausmaß, wie ich beispielsweise ein Bon-Jovi-Fan war (oder noch bin) :-).

Sicherlich werden, was die rein musikalische Qualität betrifft, die Aerosmith-Alben der 70er-Jahre, wie etwa „Get Your Wings“ (1974), „Toys in the Attic“ (1975), „Rocks“ (1976), „Draw the Line“ (1977) und meinetwegen auch „A Night in the Ruts“ (1979), meist höher eingestuft, aber „Pump“ mit seinem „satten Sound“ bietet einfach, wie im Übrigen auch das Vorgänger-Album „Permanent Vacation“ (1987), das Klassiker wie „Rag Doll“ und vor allem das geniale „Dude (Looks Like A Lady)“ „in seinen Reihen“ hatte, „großes Kino“ :-).

Dank der (im besten Sinne) pompösen Produktion des „Bon-Jovi-Produzenten“ Bruce Fairbairn, der ja auch schon bei „Permanent Vacation“ an den Reglern saß, werden auf „Pump“ Tracks wie „Love in an Elevator“ („Love in an elevator / Livin‘ it up when I’m goin‘ down“), „Janie’s Got a Gun“ oder „The Other Side“ [„Lovin‘ you has got to be (Take me to the other side) / Like the devil and the deep blue sea (Take me to the other side)“] zu „intensiven Rock-Erlebnissen“, und Aerosmith haben mit diesem „Hard-Rock-Album“ 1989 aus meiner Sicht auch klar die „wirklich bösen Jungs“ um Tommy Lee von Mötley Crüe mit deren Longplayer & „US-Album-Charts-Topper“ „Dr. Feelgood“ hinter sich gelassen, den ich damals allerdings ebenfalls rauf und runter gespielt habe :-).

„Solid Rock“-Alben in der Art wie „Pump“ gibt’s ja leider schon lange nicht mehr, und auch für Aerosmith konnte es danach eigentlich musikalisch nur mehr „abwärts“ gehen – „2nd floor, hardware, children’s wear, lady’s lingerie. Oh, good morning, Mr. Tyler. Going down?“ (Frauenstimme aus dem „Intro“ zu „Love in an Elevator“).

27. LOVE OVER GOLD – DIRE STRAITS (1982)

Anmerkung: „Doctor Parkinson declared I’m not surprised to see you here / You’ve got smokers cough from smoking brewer’s droop from drinking beer / I don’t know how you came to get the Bette Davis knees / But worst of all young man you’ve got Industrial Disease“ (aus dem Song „Industrial Disease“, der seinerzeit nur in den USA als Single veröffentlicht wurde) – soweit ich mich noch „entsinnen“ kann, hat Dire-Straits-Mastermind Mark Knopfler mal in einem Interview als Grund dafür, dass er nicht mehr unter der Flagge „Dire Straits“ auftritt, die Tatsache angegeben, dass die ganze Sache „gleich wieder so groß werden würde“, so groß & mit diversen Superlativen assoziiert, wie die britische Band halt nach ihrem Megaseller „Brothers in Arms“ (1985) war, einem Album, das sicherlich als eine Art „Rock-Monument“ bezeichnet werden kann und das Musikgeschichte geschrieben hat.

In der Tat ist es so, dass „Brothers…“, mit Hits wie „So Far Away“, „Money for Nothing“, „Walk of Life“ oder eben dem „title-song“ „Brothers in Arms“, alle anderen Dire-Straits-Longplayer überschattet, die aber, mit Ausnahme des finalen Albums „On Every Street“ aus dem Jahr 1991, welches größtenteils etwas von einem „Abgesang“ an sich hat, ebenso „Großes“ zu bieten hatten.

Mittlerweile mein persönlicher „favorite“ ist eben nicht mehr „das Album mit der in den Wolken schwebenden / fliegenden Gitarre“, also: „Brothers in Arms“, sondern das im September 1982 veröffentlichte „Love Over Gold“, das lediglich aus „five songs“ besteht, die insgesamt aber über 40 Minuten Laufzeit aufweisen.

Bereits der Opener ist irgendwie „spektakulär“, denn der „How the West Was Won“-Song „Telegraph Road“ („A long time ago came a man on a track / Walking thirty miles with a sack on his back / And he put down his load where he thought it was the best / He made a home in the wilderness“) hat, mit über 14 Minuten „running time“, die Bezeichnung „episch“ nun wahrlich verdient und bietet, hat man die Knopfler’schen Gesangsparts hinter sich gelassen :-), wunderbare & reichlich ausgedehnte Gitarren-Passagen.

Das Highlight von „Love Over Gold“ ist aber ein wahrer Dire-Straits-Klassiker, nämlich das meisterhafte „Private Investigations“, das zunächst tiefgründige „lyrics“ aufweist („And what have you got at the end of the day? / What have you got to take away? / A bottle of whiskey and a new set of lies / Blinds on the window and a pain behind the eyes“), bevor dieses bedrückende Psychogramm in „Gitarren-dominierte“ „Sound-Explosions of“, wie’s Lars von Trier sagen würde :-), „Melancholia“ ausbricht.

Als „lockerster Song“ auf dem 82er-Album kann der zu Beginn zitierte Song „Industrial Disease“ gelten, der sich, fast schon satirisch, mit „Industrie-Krankheiten“ wie Depressionen auseinandersetzt und in dem „Doctor Parkinson“ dem Patienten dann folgerichtig auch gleich „ein Mittel gegen Depressionen“ verschreibt („He wrote me a prescription he said you are depressed / But I’m glad you came to see me to get this off your chest“).

Der „title-track“ „Love Over Gold“ („It takes love over gold / And mind over matter / To do what you do that you must“) ist in der dann auf dem Live-Album „Alchemy“ (1984) enthaltenen Version im Grunde „much more satisfying“, und deshalb ist es auch wenig überraschend, dass diese „Love Over Gold“-84er-Live-Version schließlich ein veritabler „UK Single Hit“ wurde.

Den „Schlussakt“ dieses vierten Dire-Straits-Albums, welches zugleich das erste „Number One Album“ der Band war und seinerzeit gleich einen ganzen Monat die „British charts“ anführte, bildet „It Never Rains“, ein Song, der nicht nur wiederum durch „great lyrics“ glänzt („I hear the Seven Deadly Sins / And the Terrible Twins came to call on you / The bigger they are babe / The harder they fall on you“), sondern, gleichsam zum „LP-Ausklang“, auch durch lange und gewohnt „understated and subtle“ daherkommende Gitarrenpassagen. „An classic album“.

26. LIVE „UNDER A BLOOD RED SKY“ – U2 (1983)

Anmerkung: „Hey, this is Red Rocks! ...Adam Clayton! ...This is The Edge!“ (ein seinen Drummer Larry Mullen Jr. vergessender :-) Bono in Richtung Publikum inmitten des fantastischen Opener „Gloria“) – eigentlich ist diese „legendäre Live-EP“ (Laufzeit: nur rund 35 Minuten), auf der sich lediglich 8 Songs befinden, jahrelang als eine Art „Mogelpackung“ durchgegangen, denn die Tracks darauf, darunter „U2-Allgemeingut“ wie „I Will Follow“, „Sunday Bloody Sunday“ (Bono: „There’s been a lot of talk about this next song. Maybe, maybe too much talk. This song is not a rebel song. This song is `Sunday Bloody Sunday`!“) und „New Year‘s Day“, sind sozusagen „several shows“ entnommen und nicht einzig und allein dem „Sagen-umwobenen“ Auftritt vom Juni 83 im „Red Rocks Amphitheatre“ in der Nähe von Denver, Colorado, den das Rolling-Stone-Magazine 2004 mal zu „one of the `50 Moments That Changed Rock & Roll`“ gezählt hat und der ja auch als „vollständiger Konzertfilm“ mit dem Titel „U2 Live at Red Rocks: Under a Blood Red Sky“ konsumiert werden kann.

Lediglich „Gloria“ & „Party Girl“ „come from Red Rocks“ :-), denn „11 O‘Clock Tick Tock“ stammt aus einem Boston-Konzert und die „other five songs“ stammen gar aus einem Deutschland-Konzert in St. Goarshausen (Rheinland-Pfalz), das offenbar mit dem WDR-„Rockpalast“ zu tun hatte.

Nun, 1983 waren U2 quasi immer noch „a band on the rise“ und hatten ihr bis dato „rabiatestes & engagiertestes Album“, nämlich „War“, im Gepäck, das auch als „Gegenreaktion“ auf diverse damalige „fires burning“ in „the whole wide world“ (z. B. Falklandkrieg / Nordirland-Konflikt) interpretiert werden konnte, aber wenn diese Live-EP, auf der, aus Zeitgründen, im Übrigen auch die Bono-typischen ausgedehnten und zum Teil Prediger-artigen „rhetorical jam sessions“ :-) fehlen, von etwas zeugt, dann davon, dass U2 sozusagen nicht nur als „Jäger der politisch-moralischen Apokalypse“ taugen :-), um den Titel eines alten italienischen „Combat-Films“ von Antonio Margheriti aus dem Jahr 1980 abzuwandeln, sondern stets eine „potent force on stage“ waren.

Ein wahrer „Live-Power-Shot“ in diesem Zusammenhang ist wiederum der bereits erwähnte „Album-Eröffnungssong“ „Gloria“ („Gloria / In te domine / Gloria / Exultate / Gloria / Gloria“), in der vor allem Bono bereits so viel „Power“ & „Drive“ hat, dass man sich nur schwer vorstellen kann, dass eine Band „gleich zu Beginn eines Konzerts“ dermaßen loslegt. Und tatsächlich… „Gloria“ wurde beim originalen Red-Rocks-Auftritt erst als 13. Song von insgesamt 17 Songs gespielt :-).

25. COME ON OVER (US-COUNTRY-VERSION) – SHANIA TWAIN (1997)

Anmerkung: „Honey, I’m back, my head’s killing me / I need to relax and watch TV / Get off the phone – give the dog a bone / Hey! Hey! Honey, I’m home“ (aus „Honey, I’m Home“) – gut, ein wenig hat man, als Mann, nach dem Anhören eines Shania-Twain-Albums wirklich immer ein „Man! I Feel Like a Woman!“-Gefühl :-), so wie der erste Song auf „Come on Over“ heißt, oder gar ein „Yeah the woman in me / Needs the man in you“-Gefühl :-), um eine Textzeile aus dem titelgebenden Song von Twain‘s nicht minder gelungenem „Come on Over“-Vorgänger-Album „The Woman in Me“ (1995) zu zitieren.

„However“, Twain ist eine meiner Lieblingssängerinnen und „Come on Over“ ist gleichsam der „Mittelteil“ sowie „peak“ der dreimaligen Zusammenarbeit von Twain mit ihrem damaligen Ehemann, dem „Superproduzenten“ Robert John „Mutt“ Lange, der sowohl AC/DC (mit „Back in Black“) als auch Def Leppard (mit „Pyromania“ & „Hysteria“) oder Bryan Adams (mit „Waking Up the Neighbours“) durch „Catchy-Tune-Hard-Rock oder -Rock“ zu echten „Multi-Millionen-Sellern“ verholfen hat.

„We’re gonna rock this country / We’re gonna rock this country / […] Right out of this world / Ah-oo-na-na-na...“ (Copyright: der 15. und vorletzte Song des Longplayers, betitelt mit „Rock This Country!“) – die gebürtige Kanadierin Twain hat Ende der 90er in der Tat mit diesem Album nicht nur die United States „gerockt“, sondern eigentlich die ganze Welt (und sogar Österreich :-), wo es der Longplayer auf Platz 4 der Charts schaffte), denn „Come on Over“ gilt mit „over 40 million sold copies“, und gemeint sind damit „copies“, die damals tatsächlich über die Ladentische gewandert sind, als eines der meistverkauften Alben aller Zeiten, das, lässt man mal Michael Jackson’s „Thriller“ sowie das ebenfalls „Mutt“-Lange-produzierte „Back in Black“ von AC/DC beiseite, die eben noch höhere Verkaufszahlen generierten, in diesbezüglicher Nachbarschaft zu „albums like“ „Rumours“ von Fleetwood Mac oder „Hotel California“ von den Eagles steht. „Über 40 Millionen verkaufte Exemplare `can’t be wrong`“ :-).

Die 16 Songs auf „Come on Over“, die „an hour of music“ bieten, darunter „Don’t Be Stupid (You Know I Love You)“, der „title-track“ „Come on Over“ („Come on over – come on in / Pull up a seat – take a load off your feet“) oder „That Don’t Impress Me Much“ und „If You Wanna Touch Her, Ask!“ („If you wanna get to know her / Really get inside her mind…“), der sozusagen „wertvolle Tipps im Umgang mit `women` auch im Angesicht einer damals in den USA bereits aufkommenden `Verhaltenskodex-Debatte`“ gibt, fühlen sich im Grunde „wie ein einziger langer Ohrwurm“ an, wobei eben die originale „US-Country-Version“ der etwas „seelenlosen“ und für den internationalen Markt produzierten auf jeden Fall vorzuziehen ist (beim Nachfolge-Album „Up!“ von 2002, auf dem sich bekanntlich Twain-Hits wie „Ka-Ching!“ oder „Forever and For Always“ befinden, verhält es sich bemerkenswerterweise genau umgekehrt, denn da ist, rein objektiv betrachtet, die „Pop-Version“ fast besser als die damals ebenfalls herausgebrachte „Country-Version“, die ich mir aber dennoch weit häufiger als die „Pop-Version“ anhöre :-)).

„Come on Over“ ist sicherlich „perfekt kalkulierte Unterhaltung“, „perfekt kalkulierter Country-Pop“ mit „perfekt kalkulierten Lyrics“, aber „wie gut“ dieses Album war, das sicherlich auch Einfluss auf gegenwärtige Superstars wie Taylor Swift hatte, kann man erkennen, wenn man sich Twain’s 2017er-Comeback-Album „Now“, das nach 15 gleichsam „Album-losen“ Jahren veröffentlicht und von diversen „Producern“ produziert wurde, anhört, denn darauf gab es dann allzu oft nur mehr „lyrics“ oder „Reime“ von der Art „Another year, another beer“ :-).

24. KICK – INXS (1987)

Anmerkung: „I need you tonight / `Cause I’m not sleeping / There’s something about you, girl / That makes me sweat“ [aus dem Song „Need You Tonight“, der in den USA zum „Number One Hit“ geriet und dort Michael Jackson’s „The Way You Make Me Feel“ vom Thron stürzte, in Österreich & Deutschland aber gleichermaßen auf „Platz 16 der Single-Charts“ „hängengeblieben“ ist :-)] – wenn man 1987/88 an „Stadium-Pop“ oder „Stadium-Rock“ dachte, dann gab es für U2 und deren „Joshua Tree“-Album im Grunde nur einen einzigen nennenswerten „Rivalen“, nämlich „Kick“ der australischen Band INXS, die mit diesem aus 12 Songs bestehenden Longplayer ihren internationalen Durchbruch schaffte, wobei das Sextett um Sänger Michael Hutchence (1960 – 1997) & Keyboarder Andrew Farriss schon zuvor mit Singles wie „Original Sin“ (aus dem Album „The Swing“ von 1984) oder „Listen Like Thieves“ („from the album of the same name“ aus 1985) einige Highlights abgeliefert hatte.

„Kick“ legt mit den „awesome“ Songs „Guns in the Sky“ & „New Sensation“ gleich einen fabelhaften Start hin, um dann zu meinem „favorite“ „Devil Inside“ („Here come the woman / With the look in her eye / Raised on leather / With flesh on her mind“) überzugehen, einem Song, der wie die perfekte Kombination aus Hutchence’s „lyrics“ & Andrew Farriss‘ „music“ erscheint, wie eine, so wie’s Drummer Jon Farriss einmal ausgedrückt hat, „bubbling brew of voodoo“ :-).

Nach „Need You Tonight“, der die Band eben zu „internationalen Superstars“ machte, wird man mit „Mediate“ konfrontiert, einer Art „meditativem `Stream-of-Consciousness` auf der Basis relativ simpler `Rhyme[s]`“ (Auszug: „Special date, the animal we ate / Guilt debate, the edge serrate / A better rate, the youth irate / Deliberate, fascinate“).

Höhepunkte der zweiten „Kick“-Hälfte sind dann definitiv der „extraordinary“ & dramatische Song „Never Tear Us Apart“ („I…I was standing / You were there / Two worlds collided / And they could never tear us apart“), der ein großartiges Saxofon-Solo von Kirk Pengilly aufweist, und „Mystify“ („Mystify / Mystify me / Mystify / Mystify me“), ein weiteres „Rock-Monster“, das über eine Art „Trademark Swing“ verfügt.

Von der Band als „Zen song“ bezeichnet wurde übrigens der „stormy“ „title-track“ „Kick“, denn darin werden wahrhafte „Zen-Weisheiten“ transportiert: „Sometimes you kick / Sometimes you get kicked“. Das ist wohl richtig :-). 

Ein Album, das „Stil & Substanz“ hat und sicherlich „one of the greatest albums of its era“ war, und das, will man an dieser Stelle unbedingt „recht erstaunliches statistisches Material“ bemühen, seinerzeit angeblich „von jedem 20. Kanadier“ besessen wurde :-).

23. RATTLE AND HUM – U2 (1988)

Anmerkung: „Am I bugging you? I don’t mean to bug you. Ok, Edge. Play the blues!“ (aus einer „rhetorical jam session“ von Bono, der „sein Publikum nicht mit einer `Predigt` mit Desmond-Tutu-Südafrika-Bezug nerven möchte“, während der Live-Version von „Silver and Gold“, die dann in ein grandioses Gitarrensolo von The Edge mündet) – natürlich hätte man an dieser Stelle „reguläre“ U2-Alben wie „Achtung Baby“ (1991) oder „All That You Can’t Leave Behind“ (2000) setzen können, aber „the truth is“, dass mich die irische Band im Grunde nie mehr musikalisch so „berührt“ hat wie auf diesem Doppel-Album, das eine eigenwillige Mischung aus im Rahmen der „Joshua Tree Tour“ aufgenommenen „live-tracks“ sowie „new songs“ bietet.

„Rattle And Hum“ stellte gleichsam auch den „Soundtrack“ zu dem gleichnamigen Kinofilm von 88 dar, der von „director“ Phil Joanou in Szene gesetzt wurde, welcher später mehr oder weniger gute „movies“ wie den Gangsterfilm Im Vorhof der Hölle (1990; mit Gary Oldman, Ed Harris & Sean Penn) oder den Thriller Eiskalte Leidenschaft (1992; mit Richard Gere & Kim Basinger) ablieferte. Während die „Musik-Doku“ „Rattle And Hum“, die, wie seinerzeit „U2 Live at Red Rocks: Under A Blood Red Sky“, als eine Art „Band-Resümee“ oder als „Dokument der Entwicklung einer Band“ gedacht war, manchmal eine gar naive und heutzutage etwas antiquiert wirkende „U2 erobern die USA und singen dabei sogar mit einem Gospel Chor mitten in Harlem“-Atmosphäre verbreitet, die mich aber damals, 1988 im Kino, als ich das Werk gemeinsam mit einem Schulfreund konsumiert habe :-), nicht im Geringsten gestört hat, spricht die reine Musik auf dem Album natürlich „für sich selbst“.

Aus dem „new stuff“, der „rockig“ sowie teilweise „Blues-lastig“ daherkommt, muss man die Hit-Single „Desire“ („With a red guitar, on fire / Desire“) oder auch das offenbar als eine Art „Sequel“ zu John Lennon’s legendärem „God“ [Sie wissen schon: „I don’t believe in Yoga. […] I don’t believe in Beatles“ :-)] konzipierte „God Part II“ anführen, wobei ich bedaure, dass dieser wuchtig-suggestive Song (Auszug: „Don’t believe them when they tell me there ain’t no cure / The rich stay healthy the sick stay poor / I…I believe in love“), der ebenfalls in einem großartigem The-Edge-Solo mündet, in späteren U2-Jahren so wenig Eingang in die Live-Shows gefunden hat. „Great“ ist allerdings auch der damalige „new track“ „When Love Comes To Town“, eine Art „Duett“ zwischen U2 & B.B. King, jenem Mann, der 1964 mit „Live at the Regal“ das vielleicht bedeutendste Blues-Live-Album aller Zeiten abgeliefert hat.

Apropos Live-Shows :-). Auch die allerbesten Konzerte, die U2 während der „Joshua Tree Tour“ oder überhaupt jemals gegeben haben, nämlich jene im Madison Square Garden vom 28. & 29. September 1987, sind auf dem Album durch einen Track berücksichtigt, nämlich durch „I Still Haven’t Found What I’m Looking For“, wobei aber natürlich auch Album-Live-Tracks wie das in Denver aufgenommene Lennon & McCartney-„written“ „Helter Skelter“ oder das in San Francisco mitgeschnittene Bob-Dylan-„written“ „All Along The Watchtower“ durchaus für „Gänsehaut-Momente“ sorgen können. Die „Live-Schiene“ des Albums nahezu perfekt hätte, aber das Ganze ist schließlich kein „Wunsch-Konzert“ :-), vielleicht noch die damalige „Live-Version“ von „Exit“ gemacht, in der Bono die „Lyrics“ des Songs mit jenen von „Gloria“ vermischt hat, allerdings nicht mit denen von U2’s „own“ „Gloria“, sondern mit jenen des Patti-Smith-Klassikers [„G-L-O-R-I-A / Gloria“ usw. :-)] aus 1975.

Insgesamt wirkt „Rattle And Hum“ auf „bereits in den 80ern rekrutierte U2-Fans“ so wie mich irgendwie „ursprünglicher“ und weniger „verkopft“ wie spätere Veröffentlichungen der Band à la „Zooropa“ (1993).

Einer der besten „new songs“ aus „Rattle And Hum“ ist ja der Schluss-Song „All I Want Is You“, und zu diesem Love-Song gibt’s folgende „Live-Geschichte“ aus den 2000er-Jahren, denn: als Bono ihn auf der „Elevation“-Tour einmal in Irland gesungen hat und, soweit ich mich erinnern kann, auch noch seiner Ehefrau gewidmet hat [„I would like to dedicate this song to my beautiful wife…“ oder so ähnlich :-)], wurde er von einem Fan aus den vordersten Reihen gleichsam „volle Kanne“ mit Wasser bespritzt, woraufhin er zu dem „fan“ dann, an dem er sich für die „Attacke“ offenbar gerne „gerächt“ hätte, Folgendes gesagt hat: „All I want is fucking you, man“ :-).

22. JOHN LENNON/PLASTIC ONO BAND – JOHN LENNON (1970)

Anmerkung: „Mama don’t go!!! / Daddy come home!!“ (aus dem Song „Mother“, bei dem man mit einem John Lennon konfrontiert wird, der ein „I’d never heard anybody scream and sing like that“-Gefühl verbreitet) – Yoko Ono hat im Zusammenhang mit diesem Album gemeint, dass es im Grunde das Ergebnis eines Blicks von Lennon „into his own soul“ war, der ihn „fundamental truths for himself“ hat erkennen lassen, die aber genauso „interessant“ für andere Leute waren: quasi „feel your own pain“, „learn to cry“, „believe in yourself“, „love is real“ & „it’s gonna be alright“, um ganz nahe bei der originalen Ono’schen Diktion zu bleiben :-).

Nun, Lennon hat auf „John Lennon/Plastic Ono Band“, einem Album, das zweifellos zu den bedeutendsten Musikaufnahmen überhaupt gezählt werden kann und das auch der Musiker selbst für „das Beste, was er je gemacht hat“ hielt, die „Beatles-Mystik“ wahrlich hinter sich gelassen (Lennon einst in einem Interview: „I had the least trouble writing the songs. There’s no bullshit. It’s realistic and it’s true to me“).

John Lennon empfand Beatles-Songs wie „Strawberry Fields Forever“, „In My Life“ oder sogar „Help!“ durchaus als „personal records“, aber dennoch wollten „die anderen Beatles“ angeblich stets „more sounds“ zu Lennon’s Kompositionen hinzufügen :-).

Bei diesem „ersten Solo-Album nach der Trennung der `Fab Four`“ (produziert von „John and Yoko“ und Phil Spector) konnte Lennon aber seinen „für ein Beatles-Mitglied“ in der Tat revolutionär daherkommenden „Listen, I’m human and I’m real / Now I wrote all about me and that’s why I like it. It’s me and nobody else“-Approach umsetzen, und er lieferte zahlreiche „great songs“ ab, die einem einen „great groove“ bescheren.

Neben dem „Mark-erschütternden“ Opener „Mother“ muss man natürlich auch das geniale „Working Class Hero“ hervorheben („As soon as you’re born / They make you feel small / […] / They hate you if you’re clever / And they despise a fool / Till you’re so fucking crazy / You can’t follow their rules / A working class hero / Is something to be“), das sarkastische „Well Well Well“ („We sat and talked / Of revolution / Just like two liberals in the sun / […] Well well well, oh well“) oder den bereits im Konnex mit U2 erwähnten „I don’t believe in…“-Song „God“, der am Ende dann sowohl, wenn man so will, ein neues „Glaubensbekenntnis“ bringt („I just believe in me / Yoko and me / And that’s reality“) als auch die „Lossagung von der Vergangenheit als `Beatle` & als `I Am The Walrus`-Sänger“ („I was the dreamweaver / But now I’m reborn / I was the walrus / But now I’m John“).

Ein anderer „Ex-Beatle“ war aber dann dennoch an dem Album beteiligt, was die Sache ja fast schon wieder zu „einem halben Beatles-Album“ macht :-), nämlich Ringo Starr, der für Lennon das Schlagzeug bearbeitete, und Lennon hätte keinen besseren als „seinen ehemaligen Drummer“ :-) „engagieren“ können, denn „Ringo“ konnte ja angeblich, so besagt eine Legende :-), die Drums „for hours and hours“ bearbeiten und dabei einen „steady beat“ halten, soll heißen: ein „Take Sixty“ hatte bei ihm im Studio im Endeffekt dasselbe Tempo wie ein „Take One“. Und das ist genau die Intensität, die Lennon auf diesem Album benötigt hat, das ganz bestimmt eines der „radikalsten & persönlichsten Bekenntnisse“ darstellt, das ein Musiker dieser Größenordnung je abgelegt hat.

21. SLIPPERY WHEN WET – BON JOVI (1986)

Anmerkung: „Let it rock, let it go / You can’t stop a fire burning out of control“ (aus dem tollen „first song“ des Albums, nämlich „Let it Rock“) – was Jon Bon Jovi anbelangt, so muss ich mich ja ohnehin den Worten von Cory Booker, des einstigen Bürgermeisters von Newark (New Jersey), anschließen, der mal, im Rahmen der Eröffnung eines von Jon Bon Jovi mitfinanzierten Apartment-Projekts „for poor people“, bekannt hat: „I’ve got a man crush on this guy“ :-).

Das „Slippery When Wet“-Album aus dem Jahr 1986 ist ein Album, das „in den 80s“ bereits Bestandteil meiner damals „eher noch kleinen“ :-) Plattensammlung war, zu der, neben den Bon-Jovi-Alben „Slippery…“ & „New Jersey“, auch Alben wie „Thriller“ & „Bad“ von Michael Jackson, „Born in the U.S.A.“ von Bruce Springsteen, „Brothers in Arms“ von den Dire Straits, „Scoundrel Days“ & „Stay on These Roads“ von a-ha, „The Final Countdown“ von Europe, „4630 Bochum“ von Herbert Grönemeyer oder „Opus“ von Opus gehörten. Und „more than once“ bin ich damals von einem Nachbarn über die Fernsprechanlage gerügt worden, wenn ich diesen 86er-Bon-Jovi-Longplayer angeblich „much too loud!“ gespielt habe :-).

Nun, manchmal wissen große Bands offenbar, dass sie im Begriff sind, gerade „das wichtigste Album ihrer Karriere“ aufzunehmen, und dieses „Feeling“ hatten angeblich U2 bei den Aufnahmen zu „The Joshua Tree“, aber eben auch Bon Jovi bei den Aufnahmen zu „Slippery…“: „`Slippery` was our breaking point, and we knew it. When we were making that record we were having a blast. It was a fun record to make – an easy record to make“ (Copyright: Richie Sambora).

Im Gegensatz zu Bon Jovi’s zweitem Album, dem „merkwürdigen“ und, nimmt man vielleicht mal Songs wie „In and Out of Love“ oder „The Price of Love“ aus, eher „uninspiriert“ daherkommenden „7800° Fahrenheit“ (1985), steckt „Slippery When Wet“ bekanntlich voller „Ohrwürmer“. Neben den drei „BJ-Super-Klassikern“ „You Give Love a Bad Name“ [„You paint your smile on your lips / Blood red nails on your fingertips“ :-)], „Livin‘ on a Prayer“ („Tommy used to work on the docks / […] Gina works the diner all day“) und „Wanted Dead or Alive“ („I walk these streets / A loaded six string on my back / I play for keeps, `cause I might not make it back / […] / I’ve seen a million faces / And I’ve rocked them all“), mag ich persönlich vor allem auch den einstigen „ersten Song auf Seite B“ :-) „Raise Your Hands“, der etwas von einer „perfekten Stadion-Rock-Hymne“ an sich hat („Raise your hands / From New York to Chicago / From New Jersey to Tokyo“) und der mich praktisch jedes Mal, verlässlich, „back into the 1980s“ befördert :-).

Ein Rock-Album in Wirklichkeit ganz ohne „Rutschgefahr“, mit dem gewisse „Musik-Puristen“ [oder „Hard-Core-Radiohead-Fans“ oder dergleichen :-)] aber sicherlich nie etwas anfangen werden können, aber Jon Bon Jovi hat im Rahmen der dem Album „These Days“ (1995) zugehörigen Tour und angesichts eines Auftritts vor rund 72.000 Fans im Londoner Wembley Stadion einmal klargestellt, dass ihm „fans“ & „album buyers“, und von zweiterer Kategorie gab’s ja speziell bei „Slippery…“, „as we all know“, eine ganze Menge, lieber sind als der berühmte „critical acclaim“, als das „Lob der Kritiker“: „It was always just people, and that was all that ever was. You know, even the great acclaim we seem to be getting for `These Days`, I’m not gonna take this anymore seriously. But I know there are 72.000 people out there tonight that like those lyrics. And they’re Tommy and Gina, they are those people. You know, and that’s more important to me than the acclaim“ (Copyright: Jon Bon Jovi).

20. THE RAW AND THE COOKED (1989) - FINE YOUNG CANNIBALS 

Anmerkung: „Good Thing / Where have you gone?“ (aus dem Song „Good Thing“, der 1987 auch in Barry Levinson’s Film Tin Men zu hören war) – sicherlich für mich persönlich eine der wichtigsten Platten der ausgehenden 80er-Jahre. Dieses zweite und leider auch schon letzte Studio-Album des britischen Trios rund um den „charismatic lead singer“ Roland Gift, dessen Stimme wahrlich unverwechselbar ist und der als Schauspieler in „Brit flicks“ wie Stephen Frears‘ Sammy and Rosie Get Laid (1987) oder dem „Profumo Affair Movie“ Scandal (1989) zu sehen war, ist ein echtes Pop-Meisterwerk „almost full of single-hits“. Es war seinerzeit schwer zu glauben, dass die FYC ihr großartiges „eponymous debut album“ von 85 mit Songs wie „Johnny Come Home“, „Funny How Love Is“, „Blue“ und dem Elvis-Cover „Suspicious Minds“ noch toppen können, aber die „FYC-Küche“ gerät auf „The Raw and the Cooked“ zum absoluten Gourmet-Laden, und zwar durch „huge global hits“ wie den beiden US-Number-Ones „Good Thing“ & „She Drives Me Crazy“ oder weiteren Single-Auskoppelungen wie der tollen Buzzcocks-Coverversion „Ever Fallen in Love?“ oder der Ballade „I’m Not the Man I Used to Be“. Leider gab es nie ein drittes „reguläres“ Studio-Album dieser „stunning“ Pop-Band, die der „high water mark“, die sie da gesetzt hat, nie mehr „nachgeeifert“ hat. Aber ich tröste mich mit der Tatsache, dass all die großartigen Bonus-Tracks (wie z. B. „Since You’ve Been Gone“ oder „The Flame“), die über die Jahre auf diversen Best-Ofs oder auf Neu-Ausgaben von „Fine Young Cannibals“ & „The Raw and the Cooked“ enthalten waren, mittlerweile ohnehin ein „great third album“ ergeben :-).

19. WHO’S NEXT (1971) - THE WHO 

Anmerkung: „No one knows what it‘s like / To be the bad man / To be the sad man / Behind blue eyes“ (aus „Behind Blue Eyes“) – als ich 2003 den Song „Behind Blue Eyes“ von Limp Bizkit hörte, dachte ich mir so etwas wie „Wow, Fred Durst & Co, das besitzt echte Tiefe, das berührt mich!“ :-) …was aber schlicht und einfach nur daran gelegen ist, dass der Song in Wahrheit eben von The Who und aus ihrem 71er-Album „Who’s Next“ stammt und von Pete Townshend geschrieben wurde :-). Grundsätzlich ist der „Funke“ zwischen mir und dieser bedeutenden Band ja nie so richtig übergesprungen, denn mit der Rock-Oper „Tommy“ (1969), und das gilt auch für den Ken-Russell-Film, kann ich nicht viel anfangen und das hochgelobte Live-Album „Live at Leeds“ (1970) entpuppte sich für meine Ohren auch nicht als das, was mir das Rolling-Stone-Magazine in einem Ranking eigentlich „versprochen“ hatte :-). Ganz anders hingegen verhält es sich mit „Who’s Next“, das mitreißend und eingängig, rhythmisch und manchmal „schwermütig“ zugleich ist, und im Übrigen seinerzeit so revolutionär im Einsatz von Synthesizern war, dass Roger Daltrey, John Entwistle, Keith Moon & Pete Townshend da sogar Stevie Wonder Konkurrenz machten. Highlights, neben „Behind Blue Eyes“, sind der spätere „live favorite“ & Album-Opener „Baba O’Riley“, John Entwistle’s „only contribution to the longplayer“ „My Wife“ und, natürlich, das epische „Won’t Get Fooled Again“, ein Song, der ebenfalls zum integrativen Bestandteil jedes The-Who-Konzerts wurde. Alles in allem ein „landmark album“ der frühen 70s mit einer „stunning sound quality“.

18. METALLICA (1991) - METALLICA

Anmerkung: „Exit: Light / Enter: Night / Take my hand / We’re off to never never land“ (aus „Enter Sandman“) – das Warten auf Metallica’s damals „long awaited“ fünftes Studio-Album, welches dem „mächtigen“ „…And Justice for All“ von 1988 nachfolgen sollte, war ein wenig so wie das Warten auf die beiden „Appetite for Destruction“-Nachfolgealben „Use Your Illusion I & II“ von Guns N‘ Roses, es hat gefühlt ewig gedauert, bis das in den Plattenläden eingeordnet war, und der „`long haired` Grazer Plattenverkäufer“, bei dem ich mich damals gefühlt „every week“ nach dem Longplayer erkundigt habe, konnte immer nur sagen, dass er, so annähernd seine originalen Worte, „immer noch keinen Zentimeter davon gesehen hat“ :-). Nun, „Metallica“ oder wie auch immer „das schwarze Album“ wirklich heißt :-) ist gleichzeitig auch das letzte, das ich als „truly great“ empfand. Die 12 Stücke, darunter „Metal- & Rock-Hymnen“ wie „Enter Sandman“ und die, vor allem für James-Hetfield-Verhältnisse :-), „ungewöhnlich gefühlvoll“ daherkommenden „The Unforgiven“ & „Nothing Else Matters“ sind sicherlich weit kommerzieller ausgerichtet als alles, was man auf „Kill `Em All“ (1983), „Ride The Lightning“ (1984), „Master of Puppets“ (1986) oder eben „…And Justice for All“ zu hören bekam, wobei „And Justice…“, und von der Meinung bin ich nicht abzubringen :-), ohnehin ein wenig an einem „fragwürdigen Sound“ litt, soll heißen: an einer fragwürdigen Abmischung, die beinahe Jason Newsted’s Bass „gekillt“ hat. Dieses „Black Album with a Snake on the Cover“ ist vielleicht auch der eindrucksvollste Beleg dafür, dass Kirk Hammett einer der ganz großen „Guitar Heroes“ der Musikgeschichte ist – und sein Solo auf der Hetfield/Ulrich-Komposition „Wherever I May Roam“ halte ich persönlich für eines der besten Gitarrensolos überhaupt, „in neighborhood“ zu Jimmy Page’s Solo in Led Zeppelin’s „Stairway to Heaven“ oder David Gilmour’s Solo in Pink Floyd’s „Comfortably Numb“.

17. BLAZE OF GLORY - MUSIC INSPIRED BY THE FILM „YOUNG GUNS II“  (1990) - JON BON JOVI

Anmerkung: „I’m going down in a blaze of glory / Take me now but know the truth“ (aus dem Song „Blaze of Glory“) – „Jon Bon Jovi goes Monument Valley“ sozusagen, und noch dazu im „Indianer-Outfit“ und mit Schlangenlederstiefeln & Akustikgitarre :-). Einen ansprechenden und recht „opulent“ rüberkommenden „musikalischen Western“ hat JBJ da geschrieben, und dieser „Rock-Music-Western“ ist so viel besser als der „Späte-Spät-Western“ „Young Guns II“, von dem das Album „inspiriert“ wurde und der damalige „hoffnungsvolle Jungschauspieler“ wie Kiefer Sutherland, Emilio Estevez, Lou Diamond Phillips & Christian Slater vor der Kamera versammelte. Nach zwei regelrechten „Album-Blockbustern“ mit seiner Band, die Rede ist natürlich von „Slippery When Wet“ (1986) & „New Jersey“ (1988) :-), lieferte der Musiker also diesen „solo effort“ ab, der voll von eingängigen Rock-Songs mit „Ohrwurmqualität“ ist. Und die durchgehende „high song-quality“ unterscheidet dieses Album auch von JBJ’s zweitem Solo-Album „Destination Anywhere“ aus 1997, obwohl die Kompositionen dort zum Teil „etwas reifer“ wirken als bei diesem „Cowboy-Epos“ von 1990 – „How many cowboys we got out in the house tonight? …Alright, this is for you“ (Frage von JBJ im Konzertmitschnitt „Live from London“ an rund 72.000 Fans im Wembley Stadion „before playing `Blaze of Glory`“). „Besides“ dem Hit „Blaze...“, der seinerzeit auch auf der „more than successful“ ersten Bon-Jovi-Best-Of „Cross Road“ (1994) integriert wurde, sind auch noch der mitreißende Opener „Billy Get Your Guns“, der mein persönlicher Favorit ist, das „Balladen-artige“ „Miracle“ und der laut Booklet „for Bob Dylan“ geschriebene Pat-Garrett-Song „Blood Money“ hervorzuheben – „Hey Patty Garrett that’s what I used to call you / They tell me you want me but I hear they’ve got you“ :-). Übrigens: JBJ‘s Bandkollegen, denen das Album gewidmet ist, sind ja hier allesamt tatsächlich nicht involviert, aber dafür agieren als „Studiomusiker & Aushilfskräfte“ so „talented session musicians“ :-) wie Elton John („on the piano“) oder Jeff Beck („on lead-guitar“).

16. THE VERY BEST OF LINDA RONSTADT (2002) - LINDA RONSTADT 

Anmerkung: „It’s like a heat wave / Burning in my heart […]“ (aus „Heat Wave“) – natürlich ist das im Grunde „nonsense“, ein „Best-Of“-Album einer Künstlerin in auch nur irgendein Ranking zu integrieren, außer halt in eines, in dem es um „die besten Best-Of“-Alben oder dergleichen geht :-), aber mitunter haben es auch schon „Greatest Hits“-Veröffentlichungen wie jene aus 1975 von Al Green oder, wie man ihn heutzutage nennen muss, Reverend Al Green auf „Greatest Albums of All Time“-Listen geschafft, und das im Grunde auch zurecht, denn manchmal ergeben solche Zusammenstellungen, man denke da auch an „Their Greatest Hits (1971 – 1975)“ von den Eagles, auf seltsame Weise ein „new album“, das mehr als bloßen „Compilation-Charakter“ besitzt und „eine völlig neue Wirkung“ zu entfalten scheint…so lautet zumindest meine „own theory“ dazu :-). Linda Ronstadt‘s Stimme transportiert, egal ob die Sängerin ein Stück von den Everly Brothers („When Will I Be Loved“) oder eines von Roy Orbison („Blue Bayou“) oder von Warren Zevon (das geniale „Poor Poor Pitiful Me“) oder von den Eagles („Desperado“) singt, stets so etwas wie „emotional truth“. Klar, man könnte im Ronstadt-Zusammenhang sagen, „viel amerikanischer geht’s dann wohl auch nicht mehr, fehlen hier nur noch die Doobie Brothers oder gar Garth Brooks oder so jemand“ :-), aber diese „national experience“, die sich bei Ronstadt überzeugend mit „personal experience“ zu mischen scheint, ist, glauben Sie mir :-), zumeist durchaus „touching“ – „Her love of the history of American Music was infectious“ hat mal ein US-Autor über Ronstadt geschrieben. „Some“ Highlights: „Just One Look“ sowie die „really wonderful ballad“, vielleicht eine der besten der Musikgeschichte, „Long Long Time“ und „Heart Like a Wheel“, der titelgebende Song von Ronstadt’s bedeutendem Album aus dem Jahr 1975.

15. THE QUEEN IS DEAD (1986) - THE SMITHS 

Anmerkung: „And so, I broke into the Palace / With a sponge and a rusty spanner / She said: `I know you, and you cannot sing` / I said: `That’s nothing – you should hear me play piano`“ (Morrissey meets Queen Elizabeth II. in dem Song „The Queen Is Dead“) – ein Longplayer von den Smiths, definitiv eine meiner Lieblingsbands, darf hier natürlich nicht fehlen :-). „The Queen Is Dead“ ist für viele Fans, so wie eben auch für mich, das beste Smiths-Album, dahinter wird das „Podium“ allerdings „umkämpfter“, ich persönlich sehe das „final album“ „Strangeways, Here We Come“ (1987) auf Platz zwei und ihr Debüt-Album „The Smiths“ (1984) auf Platz drei. Das „No Fillers – Just Killers“-Feeling, das Morrissey’s Solo-„masterpiece“ „You Are the Quarry“ (2004) oder meinetwegen auch sein Album „Your Arsenal“ (1992) auszeichnet, gilt auch hier für diesen aus zehn Songs bestehenden „iconic“ Smiths-Longplayer mit dem „iconic French film star“ Alain Delon „on the front-cover“ :-). Morrissey’s „lyrics“ auf „The Queen Is Dead“ sind mal sarkastisch und mal tiefgründig, mal besucht er, in „I Know It’s Over“, nach einer gescheiterten Beziehung seine Mutter, die mit ihm spricht und ihm ein paar Dinge vor Augen führt („And you even spoke to me, and said: `[…] And if you’re so clever / Why are you on your own tonight? / If you’re so very entertaining / Why are you on your own tonight? / If you’re so terribly good-looking / Then why do you sleep alone tonight?`“), dann wieder stattet er, in dem Song „Cemetry Gates“, einem Friedhof einen Besuch ab („So we go inside and we gravely read the stones / All those people, all those lives / Where are they now?“), bevor er & die Band mit „Bigmouth Strikes Again“, „The Boy With the Thorn in His Side“ & „There Is a Light That Never Goes Out“ drei Smiths-All-Time-Classics abliefern, die der Sänger zum Teil auch später noch in Solokonzerten zum Besten gab. Sicherlich ein „great“ Album, in dem man sich als Fan „gut aufgehoben“ fühlt, weil es einem, wie letztendlich alle Werke, die die Smiths veröffentlicht haben oder die „Moz“ dann solo veröffentlicht hat, suggeriert: „Es gibt einen Platz in dieser Welt für Außenseiter“ :-). Ach ja, „by the way“: wer dieses Meisterwerk im bestmöglichen Klang erleben will, der sollte zu der 2011 erschienenen Box „The Smiths Complete“ greifen, in der alle Veröffentlichungen der Band in absolut fantastischen „remastered versions“ enthalten sind, bei welchen glücklicherweise nicht ausschließlich nur an der Lautstärke der Songs herumgeschraubt wurde :-), sondern tatsächlich der Sound möglichst „im Sinne der Vorlagen“ optimiert wurde, so wie das, „fortunately“, 2019 dann auch bei der Neuausgabe der fünf The-Police-Studio-Alben, betitelt mit „Every Move You Make – The Studio Recordings“, geschehen ist.

14. SYMPHONICA (2014) - GEORGE MICHAEL 

Anmerkung: „I’ve had enough of danger / And people on the streets / I’m looking out for angels / Just trying to find some peace“ (aus „One More Try“, einem meiner GM-Favorites, der hier ebenfalls „live“ gesungen wird) – man hat sich nach dem Album „Faith“ (1987), das quasi zu einem „instant commercial success“ geriet und am Ende „more than 20 million sold copies“ vorweisen konnte, ja immer die „Energie“ zurückgewünscht, die George Michael in Wham!-Zeiten sowie eben in der Zeit, als „Faith“ durch die Decke ging, „auf der Bühne und vor allem in Songs“ generieren konnte. Nun, die besagte „80s-energy“ war auch bei diesem Konzertmitschnitt der „Symphonieorchester-unterstützten“ „Symphonica“-Tour nicht zurück, aber diese Live-Aufnahmen sind nicht nur, wenig überraschend :-), ein Dokument davon, dass George Michael (1963 - 2016) einer der besten Pop-Sänger der Welt war, sondern sie haben so etwas wie „legacy“-Charakter, und das verpasst einem eine zusätzliche Gänsehaut. Nach dem „Filmmusik-artigen“ Opener „Through“ („I think I’m through / I think I’m, I know I’m…through“), der jetzt, im Nachhinein, wie eine George Michael’sche „Vorausahnung des eigenen Endes“ oder wie ein „Nachruf auf sich selbst“ klingt, bringt der Sänger sowohl „Solo-Songs aus Wham!-Zeiten“ :-) wie „A Different Corner“ als auch „great stuff from the album“ Listen Without Prejudice, nämlich das tolle „Praying for Time“ sowie das unterschätzte „Cowboys and Angels“. Das Hauptaugenmerk liegt aber auf Cover-Versionen, die bereits auf dem Cover-Album „Songs from the Last Century“ (1999) enthalten waren, darunter „My Baby Just Cares for Me“ oder „Brother Can You Spare a Dime“, wobei die Version von „Brother…“, die man auf „Symphonica“ zu hören bekommt, nicht so gut oder geradezu „spektakulär“ ist wie jene, die der Sänger einst live im Rahmen von „Pavarotti and Friends“ gesungen hat und die ich persönlich für „eine der besten Live-Darbietungen eines einzelnen Songs“ :-) halte, weil die Range sowie die „intensity“, die GM da aufbietet, einfach unglaublich sind und einen kurzzeitig scheinbar „in eine andere Sphäre“ katapultieren. Leider vermisst man auf „Symphonica“ (das in einer „Special Edition“ mit 17 Songs und in einer „Normalausgabe“ mit 14 Songs veröffentlicht wurde) die Cover-Version des New-Order-Klassikers „True Faith“, die der Sänger bei seinem Wien-Konzert 2012 glücklicherweise „vorgetragen“ hat :-). Dafür „trägt“ George Michael aber auf dem Longplayer den Song „Going to a Town“ von Rufus Wainwright „vor“, und diese Abrechnung mit „America“ ist ein echtes Highlight, bei dem sich die Virtuosität und die Intensität von Michael’s „voice“ und die genialen „lyrics“ von Wainwright auf berührende Weise „treffen“ – „I’m going to a town that has already been burnt down / I’m going to a place that has already been disgraced / I’m gonna see some folks who have already been let down / I’m so tired of you, America“. Edel.

13. THE WALL (1979) - PINK FLOYD 

Anmerkung: „All in all you’re just another brick in the wall“ (aus „Another Brick in the Wall, Part 2“, dem wohl populärsten Song aus diesem „double album“) – heutzutage schaffen es Roger Waters und David Gilmour offenbar nicht mal mehr, gemeinsam ein paar simple „sleeve-notes“ für eine „Neuausgabe“ eines Pink-Floyd-Album-Klassikers zu verfassen, so wie das bei dem „2018 Remix“ ihres 1977 erschienenen Longplayers „Animals“ (der mit dem Schwein auf dem Cover, das über ein Fabriksgelände fliegt :-)) der Fall war, was letztendlich dazu geführt hat, dass der besagte Remix dann erst 2022 auf den Markt gekommen ist :-). Aber Ende der 70er, als die „äußerst lukrative musikalische `global brand`“ Pink Floyd eben noch aus Roger Waters, Nick Mason, David Gilmour & Richard Wright bestand, war die Stimmung in der von diversen „kreativen & menschlichen Spannungen“ dominierten Band auch nicht viel besser :-), und das im November 1979 erschienene Konzeptalbum „The Wall“, das immer noch als das erfolgreichste Doppelalbum der Musikgeschichte gilt, könnte man „almost“ als „the first solo-Album by Roger Waters“ bezeichnen, denn sehr viel, beinahe alles :-), stammt aus Waters‘ Feder, wobei ihm David Gilmour immer daran erinnert haben soll, welche Songs aus „The Wall“ das Publikum stets am meisten begeistert haben bzw. welche Songs auch „live“ stets den meisten Applaus bekommen haben, nämlich jene, die er & Waters gemeinsam geschrieben haben, und das sind das „verhältnismäßig temporeiche“ „Young Lust“, das brillante und eindringliche „sleeping pills“-Epos „Comfortably Numb“ sowie das „paranoide“ und „rastlose“ „Run Like Hell“. Bereits auf dem „Wish You Were Here“-Album von 75 wurde in dem Song „Have a Cigar“ sozusagen von einem „character“ die Frage nach dem Pink-Floyd-Mitglied „Pink“ gestellt („The band is just fantastic / That is really what I think / Oh by the way, which one’s Pink?“), und auf „The Wall“ wird dann tatsächlich so etwas wie die Geschichte von „Pink“ erzählt, die „Story“ eines „musician“, der von seiner Mutter zunächst „überbehütet“ wird, dann nach und nach in soziale Isolation gerät, die in der Folge zu Drogenabhängigkeit und Paranoia führt. Am Ende wird „Pink“ aber schließlich in einem „Trial“ freigesprochen, der es ihm ermöglicht, die aufgebaute (Schutz-)Mauer um ihn herum einzureißen – „Tear down the wall! / Tear down the wall!“. Während ich mit sämtlichen der großen Pink-Floyd-Alben, begonnen eben mit „The Dark Side of the Moon“ (1973), am Anfang so meine Schwierigkeiten hatte und, ähnlich wie bei einigen Longplayern von Prince, eine „Eingewöhnungsphase“ benötigte, so fiel „The Wall“ eher in die Kategorie „love at first sight“ :-), denn ähnlich wie beim „Joshua Tree“-Album von U2 oder bei „The Long Run“ von den Eagles genügte eine einzige „session“, um diesen bewegenden musikalischen Psycho-Trip „ins Herz zu schließen“. So „auf Anhieb für sich eingenommen“ hat mich innerhalb des Pink-Floyd-Universums rund um Waters & Gilmour eigentlich dann nur mehr Waters‘ exzellentes Solo-Album „Amused to Death“ aus 1992.

12. KEEP THE FAITH (1992) - BON JOVI

Anmerkung: „Until I’m six feet under / Baby I don’t need a bed / Gonna live while I’m alive / I’ll sleep when I’m dead“ (aus „I’ll Sleep When I’m Dead“, der auch heute noch in BJ-Konzerten zum Einsatz kommt) – nachdem es Richie Sambora seinem „Boss“ nachgemacht und mit dem bluesigen „Stranger in This Town“ (1991) ebenfalls ein Solo-Album vorgelegt hatte, „and a damn good one“ noch dazu :-), auf dem auch Eric Clapton als „Gastmusiker“ zu hören war, war es mehr als an der Zeit für die Band Bon Jovi, einen „New Jersey“-Nachfolger vorzulegen. „Keep the Faith“, das nicht mehr, wie „Slippery When Wet“ & das besagte „New Jersey“, von Bruce Fairbairn produziert wurde, sondern von Bob Rock, dem Produzenten von Metallica’s „superseller“ „Metallica“, war vielleicht das erste große klassische Rock-/Hard-Rock-Album der 90er, und die „Glam-Rocker“ Bon Jovi haben damit wahrlich die „Überfuhr“ aus den 80ern in das neue Jahrzehnt geschafft, denn der Longplayer wirkt härter und etwas experimentierfreudiger als die beiden Vorgänger – „Blame It on the Love of Rock & Roll“ heißt ein Song auf dem Album und so lautete wohl auch die „Entschuldigung“ der Band für ihre „Spielfreude“ darauf :-). Der „Album-Titelgeber“ „Keep the Faith“ („Faith: you know you gonna live thru the rain / Lord you got to keep the faith / Faith: don’t let your love turn to hate / Right now we got to keep the faith“), eine fast 6-minütige Hymne über, wenn man so will, „Widerstandsfähigkeit & Hoffnung in Anbetracht von `very hard times`“, ist und bleibt ein „great song“, der, wie doch die Zeit vergeht :-), nach all den Jahrzehnten nichts an Kraft / Intensität / Suggestivität eingebüßt hat – definitiv einer meiner Lieblingssongs von Bon Jovi. Großartig sind aber auch das „bombastisch-intensive“ „In These Arms“, das aber in Konzerten leider nie diese Wirkung entfalten konnte wie hier auf dem Album, und, natürlich :-), die „Edelschnulze & Superballade“ „Bed of Roses“, mit welcher bekanntlich nur noch „Always“ vom Best-Of „Cross Road“ mithalten kann – „I want to lay you down on bed of roses / For tonite I sleep on a bed of nails“ :-). Richtig cool ist aber auch „Woman in Love“, in dem es, rein inhaltlich betrachtet, wohl um „die Macht der Liebe“ geht, aber irgendwie auch um „the amount of women Jon finds attractive“, und die Betonung liegt tatsächlich auf „Women“ („I need a woman / More than a girl“) :-). Der Einfluss des einzig wahren „Bosses“, nämlich der von Bruce Springsteen :-), auf Bon Jovi, der schon immer „spürbar“ war, ist auf „Keep the Faith“ evident, vor allem auch in dem 10-minütigen „Epos“ „Dry County“, welches über die Jahre speziell in den United States zum „live favorite“ geriet und in dem es um den Niedergang der „US Oil Industry“ geht, wobei die beschriebenen „Auswirkungen“ („Now the oil’s gone / The money’s gone / And the jobs are gone / Still we’re hangin‘ on“) „zeitlos“, „Branchen-unabhängig“, „ortsunabhängig“ sowie „erstaunlich aktuell“ wirken.

11. THE EMINEM SHOW (2002) - EMINEM

Anmerkung: „Sayin‘ goodbye, I’m sayin‘ goodbye to Hollywood“ (aus dem Song „Say Goodbye Hollywood“, dessen Titel eine Anspielung auf Billy Joel’s „Say Goodbye to Hollywood“ von 1976 ist) – am Anfang der 2000er-Jahre war Eminem, jener Künstler, der seit etwa 15 Jahren auf so gut wie jedem seiner Longplayer mit dem „endgültigen Abschied“ droht :-), „everywhere“, und „actor“ Daniel Day Lewis soll am Set von Martin Scorsese’s Mafia-Epos „Gangs of New York“ (2002; Co-Starring: Leonardo DiCaprio & Cameron Diaz) sogar regelmäßig am Set Eminem-Songs gehört haben, um sich in die richtige „Gangster-Stimmung“ zu versetzen :-). Nun, „The Eminem Show“ ist, wie die „Slim Shady LP“ (1999) und wie die „Marshall Mathers LP“ (2000), ein Klassiker des Rap, des Hip-Hop, aber ein Klassiker, den ich persönlich, ähnlich wie „Illmatic“ (1994) von Nas oder „Licensed to Ill“ (1986) von den Beastie Boys oder auch „Recovery“ (2010) von Eminem :-), schaffe „in einem Zug durchzuhören“, was mir mit der „Marshall Mathers LP“, trotz toller Songs wie „Stan“, „The Way I Am“ oder der „Drug Ballad“, noch nie gelungen ist :-). Aber im Ernst: der Producer Dr. Dre, der ja selbst als Teil von N.W.A mit „Straight Outta Compton“ (1988) sowie mit seinem Solo-Album „The Chronic“ (1992) zwei veritable Hip-Hop-Meisterwerke abgeliefert hat, und Marshall Mathers aka Eminem haben auf „The Eminem Show“ ganze Arbeit geleistet, bei der die „rhymes“ „perfect“ sind und deren „delivery“ „flawless“, so wie es 2017 in dem Song „Walk on Water“ vom Album „Revival“ einmal heißt. Bereits auf dem aggressiven Opener „White America“, einem meiner „favorites“ „from“ „The Eminem Show“, setzt sich der Rapper mit seinem „urplötzlichen Riesenerfolg“ auseinander, der ihm genauso plötzlich „troubles with the government“ einbrachte („How could I predict my words would have an impact like this / […] congress keeps telling me I ain’t causin nuthin but problems / And now they’re sayin‘ I’m in trouble with the government“), eine „Erzählung“, die Eminem dann in dem Hit „Without Me“ fortsetzt, in dem er sich aber auch mit diversen „Epigonen“ auseinandersetzt, von denen er weiß, dass sie ihm niemals werden das Wasser reichen können :-) („Though I’m not the first king of controversy / I am the worst thing since Elvis Presley, to do Black Music so selfishly / […] / 20 million other white rappers emerge / but no matter how many fish in the sea it’d be so empty without me“). Sein „Mutterproblem“, das „on almost every“ Eminem-Album ein (manchmal erschöpfendes :-)) Thema darstellt, wird auf „The Eminem Show“ vor allem mit dem populären „Cleanin‘ Out My Closet“ bedacht, wobei ich, wenn wir schon bei diesem „Debbie Mathers“-Thema sind :-), das versöhnliche „Headlights“ auf der „Marshall Mathers LP 2“ aus 2013 bevorzuge – „[…] did I take it too far? `Cleanin‘ Out My Closet` and all them other songs“ :-). Ein weiterer Höhepunkt ist sicherlich auch „Business“, in dem Eminem sich & Dr. Dre zu einem Superhelden-Duo stilisiert, das dazu ansetzt, den Hip-Hop, der sich „in a state of nine-one-one“ befinden soll, zu retten („[…] Can’t leave rap alone, the game needs me / Till we grow beards, get weird, and dissapear into the mountains“). „Hängen“ von diesem aufregenden & eben „grandios gereimten“ Album bleibt auf Anhieb aber ebenso der Track Nummer 12, „Sing for the Moment“, den ich auch deswegen als „beautiful“ empfinde, weil darin „richtig gute Rock-Musik“ vorkommt :-), nämlich „elements“ des Aerosmith-Klassikers „Dream On“ aus 1973. 

10. VITALOGY (1994) - Pearl Jam

Anmerkung: Tja..."Spin the Black Circle" - der dritte Pearl Jam-Longplayer kommt fast schon als "düsteres Konzept-Album" daher und ist weit weniger "gefällig" als das legendäre Debütalbum "Ten", auf dem sich Klassiker wie "Once", "Alive" oder "Jeremy" finden, oder auch als das zweite Album "Vs.", doch VITALOGY ist voller "dark & gloomy masterpieces", so wie zum Beispiel "Not for You", "Tremor Christ" oder "Immortality", wobei letzterer Song ja als eine Art "Nachruf auf Kurt Cobain" angesehen wird, obwohl ihn Eddie Vedder & Co angeblich schon vor Cobain's Selbstmord live gespielt haben. Mein persönlicher Favorit jedoch ist "Better Man" - wahrscheinlich eine Art Abrechnung Vedders mit seinem Stiefvater. Herrlich "unnötig" und dennoch gut, genauso "unnötig & gut" wie das "Sprachkunstwerk" "Revolution 9" auf dem "White Album" der Beatles :-): das experimentelle Schluss-Stück: "Hey Foxymophandlemama, That's Me".

09. MTV UNPLUGGED IN NEW YORK (1994) - Nirvana

Anmerkung: "Give me a Leonard Cohen afterworld / So I can sigh eternally" (aus: "Pennyroyal Tea") - Nirvana's "landmark performance" vom 18. November 1993 bleibt eines der besten Unplugged-Konzerte überhaupt, aber das ist nicht weiter verwunderlich, denn Cobain, der sicherlich zu den einflussreichsten Musikern der letzten dreißig Jahre zählt, sowie seine Mitstreiter präsentieren so etwas wie "gechillte Virtuosität, untermauert mit einer zeitlos wirkenden Grunge-Neo-Hippie-Attitude" :-). Absolute Höhepunkte, neben den dargebotenen Klassikern aus den Alben "Nevermind" (z. B.: "Come As You Are" & "Polly") und "In Utero" (z. B.: "Dumb" & "All Apologies"), bilden, auf diesem, was Kurt Cobain betrifft, erst posthum erschienenen "Masterpiece of Live Music", aber die tollen Cover-Versionen, so zum Beispiel von David Bowie's "The Man Who Sold The World" oder "Where Did You Sleep Last Night" von Huddie Ledbetter aka Leadbelly. Mein persönlicher Favorit: "About A Girl" - ein, wie Kurt Cobain am Anfang des Konzerts anmerkt, damals eher unbekannter Song von Nirvana's "first album" "Bleach".